Geoffroy

https://www.youtube.com/watch?v=PhfgdoBQh3o&t=1s&ab_channel=Geoffroy-Topic

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2021 - Après avoir lancé deux albums qui l'ont confirmé comme l’un des artistes les plus prometteurs du Québec, l’auteur-compositeur-interprète Geoffroy se prépare maintenant à franchir une nouvelle étape avec son troisième album, Live Slow Die Wise, qui paraîtra le 19 janvier prochain.

Il partage aujourd’hui « Strangers on a Train », un voyage envoûtant à travers sa conscience et son cheminement personnel. « J’ai écrit ce texte en hiver, dans mon appartement pendant le confinement » explique Geoffroy. « C’est certainement l’une des chansons les plus introspectives de l’album. C’est à propos d’accepter la fin d’un chapitre, de se laisser passer à autre chose librement, de lâcher prise ».

Le voyage vers la sortie de Live Slow Die Wise a commencé au début de l’été avec la sortie du premier extrait « Cold World », une chanson au ton intimiste qui représente magnifiquement l’atmosphère de l'album. Live Slow Die Wise nous replonge dans l’univers envoûtant et introspectif de Geoffroy, cette fois d’un point de vue plus mature, plus réfléchi. Inspiré d’auteurs-compositeurs tels que Ry Cooder, Paul Simon, Nick Drake & Jeff Buckley et de penseurs comme Alan Watts, Eckhart Tolle, Charles Pépin et Luc Ferry, Geoffroy adopte dans cet album, une approche plus contemplative et philosophique à l’écriture que dans ses albums précédents. « Live Slow Die Wise représente un état d'esprit particulier. Il s'agit de prendre le temps de vivre librement et consciemment, d'embrasser l'éphémère et la fragilité de la vie ».

Live Slow Die Wise a été écrit et composé pendant le confinement de 2020, avant de prendre vie en studio au début de 2021, sous la tutelle de Louis-Jean Cormier, qui en signe, avec Geoffroy, la co-réalisation. Ces chansons marquent un retour aux sources pour Geoffroy en tant qu'artiste, un rappel aux années passées à voyager à travers le monde avec sa guitare, à jouer solo un peu partout, en échange d’un peu n’importe quoi. On y retrouve une appréciation renouvelée pour une instrumentation entièrement organique et un processus d'enregistrement en direct, ce qui ajoute de la profondeur et de l'authenticité aux chansons et qui, espérons-le, forgera une connexion intime avec l'auditeur.

« Live Slow Die Wise représente un état d'esprit particulier. Un principe, pour ne pas dire une philosophie, sur lequel repose une manière de vivre, une façon de penser. C’est de prendre le temps de vivre librement et consciemment. C’est d’accepter et de rester conscient de la fragilité de la vie. Conscient de la chance qu’on a d’en faire partie et du bonheur qu’on peut tirer à y jouer à l’adulte. » - Geoffroy.

LIVE SLOW DIE WISE
01 As My Old Man Always Said
02 Strangers On A Train
03 Youngblood
04 Santa Catalina
05 sweetpie
06 Cold World
07 Life As It Comes

Source : 444%


Men Without Hats


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 – Le légendaire groupe Men Without Hats fera paraître le 24 septembre Again (Part 1), un EP de cinq chansons comprenant des reprises de The Tragically Hip, Lou Reed, The Rolling Stones et Mott The Hoople, ainsi qu'une toute nouvelle version de l’immortelle « The Safety Dance », réinventé sous le titre de « No Friends of Mine ».

Again (Part 1) marque le début d'une nouvelle phase de la carrière de Men Without Hats, suivant l'intronisation de « The Safety Dance » et « Pop Goes the World » au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens en 2020. Avec les membres fondateurs Ivan et Colin Doroschuk maintenant rejoints à temps plein par le guitariste Sho Murray, le groupe a enregistré Again (Part 1) – ainsi que l’album de compositions originales Again (Part 2) à paraître bientôt – pendant la seconde moitié de 2020 dans leur studio sur l'île de Vancouver où les frères Doroschuk habitent depuis plus de 20 ans, depuis leur déménagement de leur ville natale de Montréal. La décision de faire un EP de reprises visait à offrir un aperçu de certains des artistes (peut-être improbables) qui sont des favoris de longue date de Men Without Hats.

Bien que Again (Part 1) soit un retour dans le passé, le processus d'enregistrement a une fois de plus démontré que Men Without Hats reste à la fine pointe de la technologie, tout comme les Doroschuks l'étaient au début des années 1980. Cela fait partie de ce qui a aidé le groupe à surmonter toutes les tendances musicales au point où « The Safety Dance » est maintenant l'une des chansons les plus reconnaissables au monde. Elle a été utilisée dans d'innombrables campagnes publicitaires et a été interprété par Jimmy Fallon et The Roots lors du spécial One World: Together at Home en 2020. Plus récemment, la chanteuse/compositrice Angel Olsen a fait sa propre version sur son EP Aisles.

« Enregistrer ce disque a été une expérience presque magique. Nous avons monté notre propre studio dans une maison au sommet des montagnes surplombant l'océan Pacifique sur l'île de Vancouver et avons passé sept mois dans un isolement total à faire de la musique du lever au coucher du soleil, avec seulement une famille de 13 paons comme compagnie. Certaines des chansons sont nouvelles, certaines ont été écrites au cours des 10 dernières années sur la route, faisant des démos à l'arrière du bus de tournée, et certaines ont été écrites dans les années 80 et n'ont jamais été enregistrées jusqu'à présent. Le nouvel album est une bonne fenêtre sur la situation actuelle du groupe après s'être reformé en 2010, et c'est un excellent aperçu des choses à venir », a déclaré le chanteur Ivan Doroschuk.

Again (Part 1) est la première sortie du groupe sur Sonic Envy, le label créé par Brian Hetherman, vétéran de l’industrie musicale canadienne dont la société sœur Cerberus gère également Men Without Hats. Les détails de la tournée 2022 seront annoncés sous peu.

MEN WITHOUT HATS – Again (Part 1)

  1. Satellite of Love (Lou Reed)
  2. All the Young Dudes (Mott The Hoople)
  3. Blow at High Dough (The Tragically Hip)
  4. 2000 Light Years from Home (The Rolling Stones)
  5. No Friends of Mine

Source : Curve Music


Caravan

https://www.youtube.com/watch?v=M0oz9s70FCg&ab_channel=Madfish

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 - Le légendaire groupe progressif Caravan fera paraître son nouvel album It's None Of Your Business le 8 octobre prochain via le label Madfish.

It's None Of Your Business est le premier album de Caravan depuis Paradise Filter (2013) et comprend neuf nouvelles chansons plus une pièce instrumentale influencée, dans une certaine mesure, par les événements et les restrictions imposées à la société au cours des 18 derniers mois.

Caravan est composé de Pye Hastings (guitare, voix). Geoffrey Richardson (viola, mandoline, guitare), Jan Schelhaas (claviers) and Mark Walker (batterie). Lee Pomeroy (ELO, Rick Wakeman and Take That) est le bassiste invité suite au départ de Jim Leverton alors que le flutiste Jimmy Hastings est également de la partie.

L'album a été enregistré, comme les restrictions le permettaient, « à l'ancienne » entre le 24 juin et le 4 juillet 2021 au Rimshot Studio à Bredgar près de Sittingbourne. « Assis en cercle avec un contact visuel, un grand studio était nécessaire » explique Pye Hastings. « Je préfère de loin cette méthode parce que vous pouvez échanger des idées les uns avec les autres au fur et à mesure qu'elles se produisent et exprimer des encouragements lorsque tout commence à s'enclencher. Et c’est beaucoup plus gratifiant de pouvoir se lancer des insultes en personne plutôt que par téléphone ou par e-mail. Et nous sommes tous très expérimentés, croyez-moi ! » rigole-t-il.

Cette unité est bien palpable sur It's None Of Your Business avec la chaleur et l'humour qui caractérisent Caravan et, également, une sensibilité reflétant l'époque dans laquelle nous vivons. Campée parmi les contes typiquement fantaisistes de Caravan, « Down From London » et « If I Was To Fly » se trouvent « Spare a Thought » et « Every Precious Little Thing », sincère et poignante, qui regarde vers l’avenir et un retour à la normalité.

« Spare a Thought est une chanson qui, j'espère, incitera les gens à se souvenir de ces malheureux pris dans la pandémie », explique Hastings. « All those people who denied fait référence aux idiots qui ne suivent pas les conseils scientifiques. Ce sujet me choque et la ligne « Sure are interesting times » fait référence à un vieux dicton chinois : « may you live in interesting times ». 

« Les textes peuvent parfois être mon talon d'Achille, essayant de trouver quelque chose de significatif à écrire. Mais assis devant un écran vide avec une pandémie qui faisait rage tout autour, il était difficile de ne pas être influencé par les terribles événements en cours. Le confinement m’a certainement m’a aidé à trouver le focus à ce niveau »

Caravan est un égendaire groupe le rock progressif et de la « scène de Canterbury », formé en 1968, mélangeant des influences rock, jazz, folk et classique dans un son chaleureux et distinctif. Le membre fondateur Pye Hastings (guitare/chant) reste le leader et principal auteur-compositeur de Caravan. Geoffrey Richardson (viola, mandoline, guitare) a joué pour la première fois avec Caravan entre 1972 et 1981 et est revenu au bercail en 1995. Leurs 14 albums studio et de nombreux enregistrements live leurs ont attirer un public large et fidèle et Caravan a tourné régulièrement jusqu'aux restrictions liées à la pandémie de COVID-19.

It's None Of Your Business  / Réalisation, mix et mastering par Julian Hastings assisté de Mike Thorne.

  1. Down From London (4.03)
    02. Wishing You Were Here (3.55)
    03. It’s None Of Your Business (9.40)
    04. Ready Or Not (4.45)
    05. Spare A Thought (4.06)
    06. Every Precious Little Thing (4.25)
    07. If I Was To Fly (3.23)
    08. I’ll Reach Out For You (8.07)
    09. There Is You (4.26)
    10. Luna’s Tuna (3.14)

Source : Madfish


Shad

https://www.youtube.com/watch?v=bE7F8O_9BMw

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2021 - Après avoir lancé les extraits « Out of Touch », « Work », « Storm » et « Body (no reason), Shad fera paraître TAO, son tout nouvel album le 1er octobre sur étiquette Secret City Records.

Au fil de ses cinq disques précédents, le rappeur torontois gagnant d’un prix JUNO Shad a utilisé une variété d’outils old-school pour aborder les problèmes modernes, les indignités et les absurdités de notre monde à travers un amalgame en constante métamorphose de boom-bap, d’échantillonnages de soul, d’improvisation jazz, de vocabulaire recherché et de rimes percutantes. Mais après avoir incorporé ses nombreux intérêts philosophiques et musicaux dans un récit sociopolitique en chansons — A Short Story About a War (2018), inclus sur la courte liste du Polaris — Shad a commencé à élaborer son sixième album, TAO, à partir d’un concept beaucoup plus simple : l’image d’un cercle. Mais comme toujours chez Shad, il y a vu quelque chose de considérablement plus profond.

« Je suis encore vraiment un artiste d’album — j’ai besoin d’une idée globale pour vraiment m’inspirer en tant qu’auteur », confie Shad. « L’inspiration de ce disque est cette image dans mon esprit d’un cercle, mais ce dernier est fragmenté, puis les morceaux commencent à s’éloigner les uns des autres. Ça me donnait l’impression d’être un portrait de nous en tant qu’individus et collectivement. On a tendance à se voir comme étant composé de différentes pièces — notre vie professionnelle en est une majeure, tout comme notre corps et notre santé physique, notre spiritualité, notre relation à l’environnement, au passé ou à notre enfant intérieur. Il me semble que ce qui était jadis un tout plus intégré est devenu fragmenté en ces diverses pièces, et chacune de ces pièces est en crise. Je réfléchis à cela depuis un moment. »

Bref, TAO est à propos d’une connexion profonde, de l’intégrité, et de ce qui les menace. TAO réfère à la philosophie chinoise du naturalisme et à un acronyme tiré du visionnaire livre de 1943 The Abolition Of Man de CS Lewis. L’acronyme TAO se retrouve aussi dans The Age of Surveillance Capitalism de Shoshana Zuboff, un autre livre qui a beaucoup influencé Shad durant son processus d’écriture. « Ces livres ont été écrits à quelque chose comme 70 ans de distance, mais ils s’accordent sur le sujet de la préservation de notre humanité face à certaines idéologies et technologies menaçantes », explique-t-il. « Chaque chanson de l’album est à propos d'une partie différente (ou plusieurs parties) de notre humanité qui nous échappe peu à peu. » La liste complète des pièces de l’album et les thèmes abordés par Shad dans chacune se trouvent ci-dessous.

Les extraits précédents, « Out of Touch » et « Work », ont été accueillis de façon incroyablement positive par les médias tout comme par les fans, attirant notamment l’attention de Complex, Hip-Hop Wired, Brooklyn Vegan, Exclaim!, Strombo, KEXP, American Songwriter et de nombreux autres. « Out of Touch » a également vu Shad se retrouver à la une de plusieurs listes d’écoute sur les plateformes d’écoute en continu, en plus d’apparaître sur des panneaux publicitaires. De plus, le mois dernier, le réputé DJ brooklynois J. Period a lancé « Globetrottin », une nouvelle chanson où l’on peut entendre Shad et Masego. « Globetrottin » est une pièce ludique tirée du EP de J. Period, qui inclut également des apparitions de Black Thought, Dave Chappelle et Lin-Manuel Miranda, entre autres.

  1. Out Of Touch[la thèse à propos de la connexion et de l’intégrité]
  2. GOD[notre relation avec le sacré et la culture]
  3. Work[notre relation avec le travail, et le travail ayant un sens]
  4. TAO Pt 1[introduction du thème de la technologie]
  5. Slot Machines[notre relation avec l’art de l’équilibre]
  6. Slow[notre relation avec le rythme et la cadence]
  7. Body (No Reason)[notre relation avec le corps, la joie, l’exubérance]
  8. Storm[notre relation avec la nature, l’histoire, la spiritualité]
  9. TAO Pt 2[notre relation avec la technologie moderne]
  10. Black Averageness[notre relation avec nos limites en tant qu’êtres humains]
  11. Garçon[notre relation avec notre enfant intérieur]
  12. TAO Pt 3 [synthèse et réitération de la connexion et de l’intégrité]

Source : Secret City Records


Colin James

https://www.youtube.com/watch?v=4C8ZFmBrUbo&ab_channel=FolkRootsandBlues

Information : Simon Fauteux

Montréal, octobre 2021 – Le légendaire guitariste et auteur-compositeur canadien Colin James fera paraître son nouvel album Open Road le 5 novembre prochain via Stony Plain.

Avec un coffre-fort rempli de chansons écrites au cours des deux dernières années, à la fois sur la route et pendant le confinement, le choix de n'en sélectionner que 13 pour cet album fut difficile. Colin James et son coréalisateur Dave Meszaros ont réussi à organiser trois sessions d'enregistrement complètes avec le groupe à Vancouver, et le reste a été fait à distance en utilisant des studios situés des deux côtés de l'Atlantique. Le résultat est un album époustouflant qui capture la magie que les musiciens peuvent faire quand on leur donne le temps et l'espace.

Open Road est un disque qui célèbre les connexions personnelles - un ensemble de chansons originales profondément satisfaisantes écrites avec des collaborateurs de longue date comme Colin Linden, Craig Northey et Tom Wilson et des réinterprétations de  Bob Dylan, Albert King, Tony Joe White et Otis Rush.

Colin James a plus de 655 000 vues hebdomadaires sur YouTube, plus de 167 000 auditeurs mensuels sur Spotify, 9,7K auditeurs mensuels sur Pandora et 5,8K fans sur Deezer, démontrant sa base de fans internationale enthousiaste.

Il a remporté sept JUNO et a reçu 15 nominations en carrière. Il a remporté 27 Maple Blues Awards en plus d’être intronisé au Temple de la renommée de l'industrie de la musique canadienne (2014) ainsi qu’au Western Canadian Music Hall of Fame intronisé (2016).

Open Road a été mixé dans les emblématiques studios Abbey Road à Londres, au Royaume-Uni.

CRÉDITS
Réalisation / Arrangements : COLIN JAMES & DAVE MESZAROS
Ingénieurs : DAVE OGILVIE at HIPPOSONIC STUDIOS, Vancouver, BC & SPENCER BLEASDALE at THE ARMOURY STUDIOS, Vancouver, BC
Assistants ingénieurs : KURT MAAS; Overdub recording by COLIN JAMES at MAGIC TEN STUDIOS, COLIN LINDEN at PINHEAD RECORDERS & SIMON KENDALL at HAMMOND AVE STUDIO & KVZKY at THE DRUM SILO
Mix : DAVE MESZAROS; ABBEY ROAD STUDIOS, London, UK
Mastering : PETER LETROS at WRECKHOUSE MASTERING, Toronto, ON


Michel Cusson

https://www.youtube.com/watch?v=tNM0R0igxk8

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 – Après avoir récemment lancé sur les plateformes numériques l’intégrale de la musique de la série culte Omertà, le virtuose guitariste et compositeur Michel Cusson fera paraître son nouvel album Momentum le 24 septembre.

En mars dernier, il a décidé de créer du matériel original dans son nouveau studio — qu’il appelle affectueusement son « vaisseau spatial » — en présence de ses fans, réunis devant leur écran pour des sessions YouTube live. Depuis, il a diffusé 24 de ces capsules, durant lesquelles il crée de toutes pièces des morceaux dont les plus aboutis se retrouvent maintenant immortalisés sur Momentum.

« Ça faisait longtemps que j’avais ce projet en tête et la pandémie, la pause forcée, m’a permis de le concrétiser », explique Cusson. « Ça fait 30 ans que je vis dans un studio, alors je voulais pousser la note un peu plus loin, me challenger, d’où l’idée d’inviter des internautes dans mon spaceship et de créer en direct de la musique. C’est une fenêtre que j’ouvre sur ma planète, si on veut. Le flot de créativité que ça génère, c’est ahurissant. Je joue comme si j’étais en spectacle et le fait que des gens m’écoutent me procure un niveau d’attention supérieur. Cette énergie me fait pondre des trucs spontanément, qui ne seraient sûrement pas venus si j’avais été seul. Ainsi, à six ou sept pièces par semaine, je me suis retrouvé avec une centaine de nouveaux morceaux! ».

À chaque semaine (ou presque), la recette est le même : Michel Cusson prépare ses ingrédients, il place des boucles et des structures musicales dans ses machines, improvise des mélodies en direct sur des thèmes qui lui sont parfois suggérés par des internautes. « Pour partir le feu, j’ai besoin d’une allumette. Par exemple, la pièce 33rpm m’a été inspirée par une belle photo d’un tourne-disque qu’un internaute m’a envoyé. J’ai pensé à une série d’accords que j’ai donné à Paul Brochu et Jean-Bertrand Carbou et c’est ce qui se retrouve sur l’album. Je sentais du calme et du bien-être dans cette photo et c’est ce feeling-là que j’ai voulu transmettre en musique» explique Michel.

Le défi pour Cusson est de recréer la magie à toutes les semaines. Pour y arriver, lorsque les mesures sanitaires ont été assouplies, il a invité des amis musiciens dans son studio, des pointures musicales comme Paul Brochu, Luc Boivin, Jean-Bertrand Carbou, Dan Martel, Alex Lapointe, Olivier Babaz. Kevin Warren, Rémi-Jean Cormier, Anomalie, Anthony Pageau, Jean-Daniel Thibeault-Desbiens et Émile Farley.

Au fil des semaines, les internautes se font de plus en plus nombreux sur sa chaine YouTube et, à cause de la notoriété mondiale de Michel Cusson, proviennent de partout sur la planète — France, Italie, Norvège, etc. —, ce qui le force à faire deux live à des heures différentes, pour rejoindre ses différents publics. « Les commentaires sont 99,9 % du temps positifs. Les gens sont contents et me disent que ça leur fait du bien. Ils sentent qu’on est sincères, qu’on se met en danger, qu’on ne sera pas parfaits. Ils sont conscients des risques et ils embarquent avec nous. C’est une expérience fort enrichissante et il n’est pas dit que je ne la poursuivrai pas au-delà de la pandémie… », confie Cusson.

Source : Disques Melodika


L’Orchestre National de Jazz

Le mercredi 22 septembre à 20h à la Cinquième Salle de la place des Arts
En webdiffusion sur demande jusqu’au dimanche 26 septembre à minuit

https://www.youtube.com/watch?v=QEZx9gfVXKg&t=62s

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 - L’Orchestre national de jazz de Montréal (ONJ) ouvrira sa neuvième saison avec un concert consacré à la musique d’Oliver Nelson (1932-1975) le 22 septembre à la Cinquième salle de la Place des arts. Le concert sera également en webdiffusion sur demande jusqu’au dimanche 26 septembre à minuit.

Saxophoniste et compositeur, Nelson avait connu son heure de gloire dans le monde du jazz des années 1960, publiant une série de disques sous son propre nom et agissant surtout comme arrangeur de séances orchestrales pour des grands noms, tels Thelonious Monk.

Il travaillera par la suite dans les studios californiens jusqu’à sa mort prématurée, réalisant de nombreuses trames sonores et indicatifs musicaux pour des séries télévisées. Son œuvre, pourtant assez abondante, est rapidement tombée dans l’oubli, exception faite de son seul grand succès, Stolen Moments. L’ONJ saisit donc l’occasion de renouer avec un musicien largement effacé de nos mémoires. La direction musicale de cette soirée sera confiée au trompettiste Ron Di Lauro.

Élevé dans une famille de musiciens de Saint-Louis au Missouri, Oliver Nelson passe tout jeune du piano au saxophone. Dès l’âge de 15 ans, il joue avec divers groupes dans sa région puis au sein de l’ensemble de Louis Jordan, pour lequel il signe aussi des arrangements. Enrôlé dans l‘orchestre des Marines en 1952, il sert en Corée et au Japon. À Tokyo, un concert symphonique lui révèle sa passion pour la composition. De retour au Missouri, il en fait son sujet d’études dans deux universités. 

Diplômé, Nelson s’établit à New York et joue avec Erskine Hawkins et Wild Bill Davis, est l’arrangeur de l’Apollo Theater à Harlem avant de collaborer avec Louis Bellson, Count Basie et Duke Ellington et d’enregistrer sous son nom pour les disques Prestige. Il joue aussi pour Quincy Jones aux États-Unis et en tournée européenne. Ensuite, sa collaboration avec Eric Dolphy, Freddy Hubbard et Bill Evans l’inscrit dans l’histoire du jazz, tout comme l’œuvre prolifique de son propre orchestre de 1961 à son décès prématuré d’une crise cardiaque en 1975. Deux de ses disques sont incontournables : The Blues and the Abstract Truth (Impulse, 1961) et Stolen Moments (East Wind Records, 1975). 

Orchestre National de Jazz
Chef d’orchestre : Ron Di Lauro | Saxophones : Jean-Pierre Zanella, Samuel Blais, André Leroux, Frank Lozano, Alexandre Côté | Trompettes : Jocelyn Couture, Aron Doyle, David Carbonneau, Bill Mahar | Trombones : Dave Grott, Jean-Nicolas Trottier, David Russell Martin, Robert Ellis | Contrebasse : Rémi-Jean Leblanc | Batterie : Kevin Warren | Musicothécaire : Taylor Donaldson

Source : Orchestre National de Jazz


Shawn Jobin

https://www.youtube.com/watch?v=MoVAao3omxs&ab_channel=ShawnJobin

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2021 – L’auteur-compositeur, rappeur et réalisateur Shawn Jobin fera paraître son nouvel album Distance le 24 septembre. Si on y reconnais bien sa plume, Shawn renouvelle son style musical sur Distance en apportant aux neuf chansons des notes électroniques et pop complètement assumées.

Shawn Jobin explore sur cet album les diverses significations du mot Distance, quelles soient physiques ou métaphoriques. Il y parle des chemins croisés et des gens rencontrés, de la distance entre les uns et les autres, de ce que l'on a laissé derrière soi, de ce que l'on vise, ou encore des vides que l'on a en soi. Il y parle aussi de son parcours de vie et des hauts et des bas dans son cheminement musical.

Distance, c’est aussi l’album de l’évolution et de l’affirmation artistique où Shawn met à profit ses talents musicaux. Cette fois-ci il signe non seulement les textes, mais aussi la réalisation et une grande partie de la musique. Du rap pur, des rythmes puissants, des synthés, des basses profondes, des accents pop ainsi que de l’expérimentation sonore. Comme on fait rarement un album seul, Shawn s’est entouré de collaborateur.trice.s de talent dont Ysos, RealMind, Mario Lepage, Vaero et Wesbroom avec Sonny Black au mix et au mastering.

Originaire de Québec, Shawn Jobin atterri en Saskatchewan au début de l’adolescence et devient rapidement, via sa musique, un formidable ambassadeur de la francophonie pour l’Ouest canadien. Après 14 ans passés en Saskatchewan, il est maintenant de retour dans l'Est où il développe de nouvelles collaborations. Artiste émergent de la scène hip hop francophone, il a fait forte impression avec son premier album Éléphant lancé en 2017, qui lui a permis de remporter les prix Porté Radio-Canada et du meilleur vidéoclip au Gala Trille Or (2017) ainsi que les prix ROSEQ/RGE en 2017 et 2019.

DISTANCE
Premier
Down
Hors des sentiers battus
140
Nord
Distance
Pour nos rêves
Seuls
Free Fallin

Source : 1-2-3 Go Label


Casper Skulls

https://www.youtube.com/watch?v=WYSqFhq8000

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 - Le groupe torontois Casper Skulls partage aujourd'hui « Tommy », extrait de son deuxième album Knows No Kindness à paraître le 12 novembre via Next Door Records.

Continuant dans la nouvelle direction musicale du groupe, « Tommy » roule sur la route du rock teinté de folk, se rapprochant de Neko Case, Neil Young et Gillian Welch. S’éloignant du shoegaze et des tonalités alt-rock, la nouvelle approche du quatuor cède la place à de vastes notions oniriques qui permettent à la chanteuse/guitariste Melanie St-Pierre de se concentrer davantage sur ses textes et sa narration.

Knows No Kindness est un disque profondément personnel pour Casper Skulls, en particulier pour St-Pierre qui raconte des histoires vécues en grandissant dans le nord de l'Ontario, en particulier à Sudbury et à Massey. "Tommy" est par ailleurs inspiré de temps passé à Toronto lorsqu'un mystérieux voisin plaçait des objets à l'intérieur de l'arrêt de bus à l'extérieur de sa maison - confitures assorties, CD, etc. - pour procurer aux passants un sentiment de joie. Bien que Tommy ne soit pas réellement son nom, Melanie a imaginé un personnage pour cet homme avec son nom inspiré par son propre grand-père - Grandad Tom - et l'amour de son voisin pour « Hey Little Tomboy » des Beach Boys.

« Tommy parle d'un voisin que Neil et moi avions lorsque nous habitions sur la rue Caledonia à Toronto, explique St-Pierre. C'était un Britannique plus âgé et nous échangeions parfois des plaisanteries, mais je n'ai jamais appris son vrai nom… »

Knows No Kindness fait suite au EP Lips and Skull (2016) et au premier album Mercy Works (2017). En 2018, Casper Skulls fut nommé au Prix de la composition de chansons SOCAN pour « Lingua Franca ».

Source : Next Door Records


Sara Dufour

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2021 - Si 2020 a été une année difficile pour tout le monde, ce fut aussi l’année de l’explosion pour l'unique Sara Dufour qui est devenue l’une des artistes les plus populaire au Québec.

Alors qu’elle se prépare à s’envoler pour une série de spectacles en France, elle présente « Semi-route, semi-trail », nouvel extrait de son album éponyme.

Chanson des plus autobiographiques, « Semi-route, semi-trail » est l’une des pièces qui suscite le plus de réactions lors de ses spectacles et dont Sara se fait le plus parler.  « C’est fou le nombre de personnes qui m’écrivent pour me dire qu’ils se reconnaissent dans ma chanson. Je me rends compte que j’suis vraiment pas toute seule dans ma gang! » déclare-t-elle.

Outre les spectacles au Québec et en France, Sara interprètera la chanson thème et participera, le 17 septembre, au spécial 30ième anniversaire de la série-culte Watatatow dans laquelle elle incarnait le rôle de Laurence Bouchard dans les 3 dernières saisons. Elle fera aussi la première partie des Cowboys Fringants au Centre Bell le 27 novembre prochain, glorieuse façon de clore 2021.

La sortie du prochain album de Sara est prévu pour l’automne 2022.

- C’est beau, c’est vrai, et ça donne envie d’apprécier la vie. À découvrir, sans faute. - ICI Musique
- « .... un talent débordant, étincelant, pétillant, écumant. » - - ★★★★ - La Presse+

- « Toujours aussi authentique. Incomparable! » - Jean-François Côté, TJ Extra Saguenay-Lac-St-Jean

Source : Studio B-12


AHI

https://www.youtube.com/watch?v=ZNXTtye8mQo

Information : Simon Fauteux

En spectacle au Canada en 2022
16/02 – Toronto – The Great Hall
17/02 – Ottawa – Centre National des Arts (Studio Théatre)
18/02 – Montréal – L’Astral
19/02 – Québec – Palais Montcalm (Salle d’Youville)

Montréal, septembre 2021 - L'auteur-compositeur torontois AHI (prononcez Eye) partage une nouvelle démonstration de son écriture « édifiante, originale et émouvante » (NPR Music) avec l’extrait « Coldest Fire », une exploration vulnérable des défis de la défense la plus efficace possible pour l'unité et la justice.

« Coldest Fire » est tiré de son troisième album Prospect qui paraîtra le 5 novembre prochain via 22ND SENTRY/THIRTY TIGERS.

Écrite au plus fort des manifestations qui ont suivi la mort de George Floyd, Breonna Taylor et bien trop d'autres, la pièce « Coldest Fire » compte avec les frustrations qui, comme le décrit AHI : « pour moi et d'innombrables autres Noirs, cela peut souvent l'impression que nous devons faire taire une partie de nous-mêmes juste pour exister paisiblement… On me conseille souvent de rester neutre dans l'espoir de rassembler les gens… mais parfois, cela ressemble à une guerre intérieure lorsque vous refoulez vos sentiments ».

Dans le clip tourné au Ripley's Aquarium de Toronto, AHI donne vie aux paroles du refrain « come here darling, hold me» - et son sentiment de guérison - dans un moment émouvant avec son épouse et ses quatre enfants, s'appuyant sur la foi et la famille pour transcender ces sentiments submergés de douleur et de confusion.

Après avoir parcouru le monde avec son sac à dos, AHI a eu un réveil spirituel et a trouvé sa vocation à travers la musique. Il a appris seul à chanter et à jouer de la guitare avec une mission : écrire des chansons qui aideraient aussi les autres à trouver leur voix. Il a enregistré son premier album We Made It Through The Wreckage à Nashville en moins d'une semaine et il l’a lancé sur son propre label 22ND Sentry, en collaboration avec Thirty Tigers. Sa chanson « Ol’ Sweet Day » est devenue un hit viral mettant la table pour son deuxième album In Our Time, lancé en 2018.

AHI a tourné sans relâche jusqu'à la fermeture de l'industrie du spectacle l'année dernière, voyageant des heures pour donner des concerts d'un océan à l'autre, à travers les états méridionaux jusqu'au Nunavut, à travers Death Valley et les Prairies sans fin, passant parfois du lever au coucher du soleil derrière le volant, arrivant juste à temps pour monter sur scène. Cet engagement envers les tournées lui a également permis de se produire dans certains lieux mythiques, notamment le Red Rocks Amphitheatre au Colorado, le Radio City Music-Hall de New York et le Greek Theater de Los Angeles.

Avec Prospect, AHI offre un disque lumineux, apaisant et rempli d’humanité.

AHI sera en spectacle au Canada en février 2022 alors qu’il visitera Toronto (16/02), Ottawa (17/02), Montréal (18/02) et Québec (19/02). Retrouvez tous les détails de la tournée 2022 au https://ahimusic.com/

Source : 22ND SENTRY/Thirty Tigers


Buena Vista Social Club

https://www.youtube.com/watch?v=wp5CZA4aYZE&ab_channel=BuenaVistaSocialClub

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 - World Circuit/ BMG sont heureux d’annoncer les détails des différentes éditions 25e anniversaire du mythique album Buena Vista Social Club qui paraitront le 17 septembre, comprenant une version livre Deluxe avec 2LP + 2CD, une version-livre 2CD, une version 2LP en plus des formats numériques. Ces éditions lancées pour le 25e anniversaire de l'enregistrement de l'album contiendront également l'album original remasterisé par l'ingénieur lauréat d’un GRAMMY Bernie Grundman, ainsi que des morceaux inédits tirés des bandes originales de la session de 1996 dont la pièce « Vicenta ». S’y retrouveront également de nouvelles notes de pochette, des photos et des paroles inédites, des biographies additionnelles, des tirages d'art et une histoire écrite du légendaire Club Havana disponible exclusivement dans le format Deluxe.

« Vicenta » est le premier des morceaux inédits tirés des sessions d'enregistrement de 1996, qui ont été sélectionnés pour ces éditions par le réalisateur Ry Cooder et le producteur exécutif Nick Gold. Un duo vocal entre les stars du Buena Vista Eliades Ochoa et Compay Segundo, la chanson est une composition de Compay Segundo, et raconte l'histoire d'un incendie célèbre qui, le 1er avril 1909, a détruit presque tout le village de La Maya, près de Santiago de Cuba, où Eliades Ochoa est né et a vécu enfant, au milieu des plantations de bananes, de café et de cacao.

L'histoire, l'authenticité et le mythe du Buena Vista Social Club brûlent aujourd'hui plus que jamais pour les fans, nouveaux et anciens. Le 26 mars 1996, le trio composé du chef d'orchestre cubain Juan de Marcos González, du réalisateur et guitariste américain Ry Cooder et du producteur et propriétaire de label britannique Nick Gold a réuni un groupe de musiciens cubains dans les historiques studios EGREM/Areito des années 1950 du Centro Havana. La majorité des gens réunies étaient des vétérans célèbres de l'âge d'or de la scène musicale cubaine des années 1940 et 1950. Aucun d'entre eux n'avait la moindre idée que les enregistrements qu'ils étaient sur le point de produire changeraient la vie de nombreuses personnes, y compris la leurs, et changeraient à jamais le statut de la musique cubaine dans le monde. « Buena Vista Social Club » était le nom donné à la fois à ce groupe extraordinaire de musiciens et à l'album, enregistré en seulement sept jours. Le studio, propriété du label national cubain EGREM, a été installé à l'origine dans les années 1940 et est célébré comme un grand joyau de l'histoire de l'enregistrement. La grande pièce unique a permis à l'enregistrement d'avoir lieu avec l'ensemble complet enregistré en « live », ce qui place l'auditeur directement dans la pièce parmi les musiciens. Il ne fait aucun doute que cela a joué un rôle majeur dans le son magique des enregistrements finaux.

Il était clair, d'après l'atmosphère des sessions d'enregistrement, que quelque chose de très spécial se déroulait, mais personne n'aurait pu prédire que le « Buena Vista Social Club » deviendrait un phénomène mondial – récompensé d'un Grammy en 1997 et, à 8 millions d'exemplaires, dépassant les ventes tout autre disque du même genre. L'impact de ces sessions se fait encore sentir 25 ans plus tard et le dynamisme et l'attrait séduisant de la riche histoire et de la culture de Cuba brillent plus que jamais dans ces enregistrements. Le succès de l'album original a élevé les artistes (dont Ibrahim Ferrer, Eliades Ochoa, Compay Segundo, Rubén González & Omara Portuondo) au statut de superstar, a inspiré un film primé de Wim Wenders et a contribué à populariser le riche patrimoine musical de Cuba. Réalisé par Ry Cooder pour World Circuit, la qualité intemporelle de la musique et la verve pure des interprètes chevronnés ont fait de cet enregistrement l'un des enregistrements phares du 20e siècle.

Cette nouvelle édition comprend des morceaux qui ont été enregistrés au cours de cette fameuse semaine de 1996 mais jamais sortis ; certaines conçues comme des suggestions de répertoire, des improvisations et des joyaux qui sont tout aussi bon que tout ce qui se trouve sur l'album original. Le réalisateur et guitariste Ry Cooder déclare : « Les garçons de Buena Vista volent haut et ne perdent jamais une plume. Si vous ratez le coche cette fois, vous aurez le blues pour toujours ». Juan de Marcos González déclare : « Le Buena Vista Social Club a probablement été l'album le plus important de la musique cubaine de la fin du 20e siècle, et certainement celui qui a rouvert les portes de la reconnaissance internationale pour ‘Son Cubano’. 25 ans plus tard, je ressens encore les ondes positives du studio et, bien sûr, le plaisir d'avoir contribué dans une certaine mesure à l'album qui a sauvé de l'ombre la musique de mon pays et nombre de ses grands interprètes ».

Eliades Ochoa déclare : « Le Buena Vista Social Club a réuni de grands musiciens de l'âge d'or de la musique cubaine et a réussi à faire connaître notre musique traditionnelle dans le reste du monde. Cela m'a permis d'être reconnu internationalement par les sones, guarachas et boléros que je faisais depuis que me jeunesse. Cela m'a aussi fait renouer avec des musiciens expérimentés que j'admirais. Buena Vista nous a réunis à travers la musique, et nous étions une famille bien gérée. En ce 25e anniversaire, nous nous souviendrons avec fierté de ces grandes légendes qui seront toujours présentes parmi nous. Nous célébrerons avec joie l'héritage du Buena Vista Social Club et la musique traditionnelle cubaine ».

Vingt-cinq ans après les jours heureux d'enregistrements, et alors que des légions de nouveaux fans continuent de découvrir l'attrait durable et séduisant de l'album, ces éditions 25e anniversaire nous donnent l'occasion de nous rapprocher de la mystique et de revivre les sessions qui ont donné naissance à un phénomène mondial.

Source : World Circuit / BMG


Ada Lea

https://www.youtube.com/watch?v=KCZ97Q0mOC0

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2021 - La montréalaise Ada Lea (Alexandra Levy de son vrai nom) fera paraître son nouvel album one hand on the steering wheel the other sewing a garden le 24 septembre via Next Door Records.

Faisant suite à son premier album what we say in private (2019), one hand on the steering wheel the other sewing a garden est d'une part une collection de chansons pop/folk cathartiques et d'autre part un livre d'histoires déchirantes et une rétrospective de la vie urbaine. L'album se déroule à Montréal, à la fois le lieu et le personnage de nombre de ces chansons qui existent comme un point sur une carte d'histoire personnelle de la ville où Levy a grandi.

Levy a écrit et fait les démos de ce lot de chansons durant une résidence d'artiste à Banff en Alberta. Elle s'est ensuite rendue à Los Angeles pour enregistrer avec le réalisateur/ingénieur Marshall Vore (Phoebe Bridgers) avec qui elle avait travaillé sur le EP woman, here en 2020. Après une longue marche jusqu'au studio chaque matin, Levy a passé ses journées à plonger dans les arrangements, laissant tout se mettre en place de manière ludique avec une confiance totale en ses collaborateurs. Elle note que « l'expertise et l'expérience de Marshall en matière de batterie et d'écriture de chansons étaient le mélange parfait pour ce dont les chansons avaient besoin. Il a su me soutenir dans un sens harmonique, lyrique et rythmique ». Parmi les autres collaborateurs qui ont laissé une empreinte notable sur le paysage sonore, citons le batteur Tasy Hudson, le guitariste Harrison Whitford (du groupe de Phoebe Bridgers) et l'ingénieur du son Burke Reid (Courtney Barnett). De nombreuses chansons sont un mélange de pistes de studio et d'éléments des démos précédemment enregistrés.

Les sons qui en résultent vont de la beauté soft-rock classique à des passages folk plus intimistes et à de l'art-pop nocturne. Les textures sont souvent surprenantes en raison du collage de sons lo-fi et hi-fi qui décorent l'album avec goût sans jamais assombrir le cœur des chansons. Inspirées d’expériences personnelles, de rêves quotidiens et des romans napolitains d'Elena Ferrante, les paroles centrent la narration à plus grande échelle. L'expérience et les émotions d'une année sont communiquées à travers les vignettes de la vie urbaine d’Alexandra. Sa prose est centrée aux alentours de la rue St Denis à Montréal, dessinant des souvenirs d’endroits comme Fameux, La Rockette et le Quai des Brumes. Elle a réussi à créer un « équilibre annuel » en divisant l'album de manière égale en quatre saisons.

Comme chanson d'hiver, la chanson d'ouverture « damn » lance le récit, relatant les événements d'une fête du Nouvel An maudite. La chanson semble intemporelle avec un groove AM Gold. Le clip, réalisé par Monse Muro présente une chorégraphie d'Axelle "Ebony" Munezero et Brittney Canda dans laquelle certains mouvements sont allongés et fluides, tandis que d'autres sont erratiques et brusques.

Doit-on considérer ces chansons comme de la fiction ou des souvenirs, la question reste entière. « Pourquoi est-ce que j'essaierais d'écrire une histoire qui n'est pas la mienne ? A quoi cela servirait-il ? » dit Lévy. D'un autre côté, elle note les manières dont le langage échoue à décrire la réalité et à quel point cela rend difficile de raconter une histoire réellement vraie. Le détournement poétique du mot « sewing » dans le titre de l’album sert de clin d’œil aux limites des mots. Que signifie coudre le jardin ? Et comment pouvons-nous apprécier ses fleurs soigneusement tricotées alors que le rétroviseur est rempli d’émanations de voiture ?

Voyez et partagez l’extrait « hurt »

Voyez et partagez le clip « damn »

Source : Next Door Records


Charlotte Cornfield

https://www.youtube.com/watch?v=B9NihXdgdPQ&ab_channel=CharlotteCornfield

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 – L’autrice-compositrice torontoise Charlotte Cornfield partage aujourd'hui « Partner In Crime » extrait de son quatrième album Highs in the Minuses à paraitre le 29 octobre via Next Door Records. Le clip lancé simultanément est amoureusement inspirée du premier film de Wes Anderson en 1996, Bottle Rocket. « Dans le clip Charlotte retrouve un vieil ami, et le couple se lance dans une mission pour reconstituer son ancien groupe », explique Joe Cornfield, réalisateur du clip et le frère de Charlotte. « En hommage à Bottle Rocket, Charlotte et son groupe enfilent des combinaisons jaunes et décollent dans un bus VW pour exécuter un audacieux hold-up musical ». Charlotte ajoute: « Mon frère et moi avons grandi en regardant des films de Wes Anderson. Ils ont été une grande partie de notre enfance et de notre adolescence, et j'ai l'impression qu'ils se sont infiltrés dans notre ADN – les couleurs, les tenues, l'humour. Quand j'ai envoyé cette chanson à Joe et qu'il est revenu avec cette idée, il était évident que nous le ferions ».

Bien que les chansons de Highs in the Minuses soient très personnelles, Charlotte Cornfield voulait que leur qualité sonore transmette l'énergie des performances live. Dans cet esprit, elle et le groupe ont permis à leur connexion psychique de transmettre l'interconnexion émotionnelle qui accompagne les histoires de chagrin, de découverte de soi et de nouvel amour. Cornfield (guitare, piano, chant), la bassiste Alexandra Levy (Ada Lea) et le batteur Liam O'Neill (Suuns) se sont réunis à Montréal au studio de Howard Bilerman (Arcade Fire, Leonard Cohen) que Cornfield a rencontré lors d'une résidence au Banff Centre for Arts and Creativity. En seulement cinq jours, avec les contributions du guitariste Sam Gleason (Tim Baker) et de la chanteuse de Amy Millan (Stars) – ils ont transformé les mini-mémoires saisissantes de Cornfield en une véritable symphonie folk-rock.

Tout au long de Highs in the Minuses, il est tentant de considérer Charlotte Cornfield comme une narratrice, étant donné la nature autobiographique de la plupart des chansons, mais ce cadre ne tient pas compte de sa profonde considération pour l'auditeur. Elle ne diffuse pas des vérités absolues, mais elle invite plutôt à ressentir avec elle, à reconnaître le commun brut et chaotique que l'on trouve dans les expériences individuelles. Comme David Berman et John Prine, les paroles de Charlotte Cornfield résonnent avec précision - une clarté rythmique et poétique qui peut dévaster le cœur ou chatouiller les côtes en une simple tournure de phrase.

Source : Next Door Record


KNLO

https://www.youtube.com/watch?v=_x5q7wXlaXg

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2021 - À peine vient-il d'offrir sa dansante « CAMPING FT CARO DUPONT » et la touchante
« UNE SEULE LANGUE FT NAMANI » que le KNLO ouvre tout grand son SAC À SURPRISE, le nouvel album disponible le vendredi 10 septembre.

Frais sorti d’un « Album Rap de l'année » à l'ADISQ pour SAINTE-FOY, suivi du solide CLUB MIXTAPE 2020, KNLO est de retour avec un ovni musical fidèle à ses habitudes : collectif et de styles variés.

1 – GAME
2 – 365
3 – UNE SEULE LANGUE Feat. Namani
4
ÇA APPELLE feat. Alaclair Ensemble
5
CAMPING feat. Caro Dupont
6
NÉS PRÊTS
7
CONTINUER
8
FANTAISIE fet. SevDee & Modlee
9
C’EST BEAU

Telles sont les 9 plages contenues à l’intérieur de ce fameux package préparé par KNLO, coréalisé par son acolyte de longue date VLooper avec la contribution de Kheir, Koudjo, Bob Bouchard et Caro Dupont. Il s’est entouré également d’Eman et Claude Bégin d’Alaclair Ensemble ainsi que de sa complice de voix et d’écriture, Caro Dupont, qu’on a notamment entendue haut et fort sur « CAMPING » sur les ondes radiophoniques tout l’été durant. SAC À SURPRISE reconfirme l'état d'esprit fougueux de KNLO et son clan depuis longtemps, comme quoi le party n'est pas fini.

CRÉDITS: 
Musique par VLooper
Avec :
Koudjo & Kheir (03, 05)
Caro Dupont (02, 05, 06)
Bob Bouchard (06)
Production : Steve Jolin (Disques 7ième Ciel)
Réalisation : VLooper et KNLO
Mastering : Richard Addison au studio Trillium Sound Mastering
Design graphique : Étienne Bossé / Bosslab Design

Source : disques 7ième Ciel


Jean-Michel Blais

https://www.youtube.com/watch?v=nJQNb7HDJYU&ab_channel=Jean-MichelBlais-Topic

Une tournée de plus de 40 spectacles débutera en février 2022

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 - Deux ans après la sortie de la trame sonore du film Matthias & Maxime, le compositeur et pianiste Jean-Michel Blais partage aujourd’hui la pièce « murmures », premier extrait du nouvel album aubades à paraître en 2022.

Une tournée de plus de 40 spectacles débutera également en février 2022. Retrouvez toutes les dates et les détails au https://jeanmichelblais.com/#tour

aubades marque avec brio la transition de Jean-Michel Blais de pianiste à compositeur, alors qu'il collabore avec un ensemble pour la première fois de sa carrière. Le titre de l'album fait référence à « l'aubade », un terme du Moyen-Âge désignant une pièce chantée lorsque des amoureux se séparent à l'aube.

Il compte aujourd’hui trois albums à son actif - IIDans ma main et Matthias & Maxime - rendant tous hommage au piano et lui ayant valu deux nominations au Prix Polaris, quatorze #1 au Billboard Classical, un Libera Award, un Cannes Soundtrack Award et une place au sein du Top 10 des meilleurs albums de l’année du Time Magazine.

La pandémie nous a tous beaucoup affectés. Et nos histoires individuelles racontent trop souvent tristesse, conflits et changements. Heureusement pour Jean-Michel, ce fut aussi une période de catharsis et d’inspiration, avec comme résultat un nouvel album à la direction audacieuse, aubades. « Personne n’a échappé aux évènements de la dernière année, mais pour moi, ce moment a aussi été fructueux et créatif. Des lièvres sont apparus dans le parc et soudainement, de sublimes papillons volaient partout. C’était un moment d’épanouissement. Et c’est justement pendant cette période que je me suis aussi épanoui, passant de pianiste à compositeur. »

Quand le monde s’est refermé sur lui-même en mars 2020, l’ingéniosité improvisatrice de Jean-Michel Blais avait donné naissance à plus de 500 différentes improvisations qui se sont transformées en 11 compositions jouées sur aubades par un ensemble de 12 musiciens, dirigé par Nicolas Ellis, assistant de Yannick Nézet-Séguin à l'Orchestre Metropolitain, et récipiendaire du prix Goyer Mécénat Musica. Après avoir appris l’orchestration par lui-même grâce à un livre acheté en ligne, Jean-Michel a eu la chance de collaborer avec Alex Weston, originaire de Brooklyn, ex-assistant de nul autre que Phillip Glass pendant plus de sept ans.

Côté technique, Jean-Michel a enregistré toute la musique avec des microphones rapprochés. Cette pratique tient davantage de la pop et contraste avec une réverbération plus naturelle et distante de la tradition classique créant une atmosphère intime qui capture l'humain derrière chaque instrument, de la mécanique des touches des bois au claquement d'une corde de contrebasse.

Alors que Jean-Michel composait, différents paramètres venaient s’ajouter à sa décision d’écrire pour ensemble. « Avec cet album, je réagissais probablement à certaines tendances d’une musique dite néoclassique » estime-t-il.

« Je pense entre autres au son mélancolique du piano solo, souvent feutré, et aux cordes languissantes qui s’étiolent. C’est certes touchant, mais sur un terrain un peu trop connu. Je voulais aller plus loin. C’était d'ailleurs la première fois que j’écrivais autant en majeur, plutôt qu’en mineur. Le défi, en fait, c’était d’éviter le kitsch. »

« La musique possède cette capacité à permettre un temps, un espace pour se retrouver et se recueillir. Cet album est porteur d’une immense joie et de beaucoup d’espoir. Et après coup, je constate que je composais mon propre remède, mon autothérapie. J'écrivais la joie dont j’avais besoin, à ce moment précis. Et me voilà impatient de la partager avec le monde »

Tournée 2022
04.02.2022 — Saint-Eustache
06.02.2022 — Beloeil
08.02.2022 — Brossard
10.02.2022 — Joliette
11.02.2022 — Sorel-Tracy
12.02.2022 — Baie-du-Febvre
17.02.2022 — Longueuil
19.02.2022 — Trois-Rivières
22.02.2022 — Drummondville
24.02.2022 — Lac-Mégantic
25.02.2022 — Sherbrooke
26.02.2022 — Victoriaville
28.02.2022 — Saint-Jérôme
01.03.2022 — Gatineau
03.03.2022 — Québec
06.03.2022 — Saint-Jean-sur-Richelieu
09.02.2022 — Laval
11.03.2022 — Sainte-Thérèse
13.03.2022 — Sainte-Geneviève

Source : Arts & Crafts


Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens

La sensation pop-alternative Ariane Roy et le finaliste au Prix de musique Polaris Mustafa remportent le Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur émergent 2021, présenté par le Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens 

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 – La sensation pop-alternative Ariane Roy et le polyvalent auteur-compositeur-interprète Mustafa sont les deux lauréats du Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur émergent 2021, présenté par le Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens. Créé en 2017, le Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur émergent souligne les succès récents et les perspectives d’avenir d’auteurs-compositeurs canadiens sur la voie du succès.

En plus de l’obtention d’une bourse et de la chance de participer à des camps d’écriture, la lauréate et le lauréat seront à l’honneur au gala torontois de la SOCAN Awards au printemps 2022.

« L'écriture et la composition de chansons sont la pierre angulaire de l'industrie musicale canadienne; par conséquent, il est essentiel que nous soutenions, encourageions et inspirions la prochaine génération de créateurs et, plus important encore, que nous mettions en lumière la profondeur et la diversité des auteurs-compositeurs talentueux au sein de nos communautés », a déclaré Nicholas Fedor, directeur du Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens. « Félicitations à Ariane Roy et Mustafa ; nous sommes ravis de faire partie de votre trajectoire musicale et de votre succès continu (ainsi qu’encore plus de bonne musique) à venir. Merci à Slaight Music et à tous les fans qui ont voté en ligne pour montrer leur soutien aux finalistes de cette année. »

« Je suis heureuse de recevoir cet honneur et d’être en compagnie d’artistes que j’admire et qui m’inspirent tellement! » - Ariane Roy

Ariane Roy est une autrice-compositrice-interprète de qui s’est intéressée à l’écriture il y a quelques années, avant de créer son projet solo. Elle fait paraître une première chanson, « Adèle », en mai 2019 avant de lancer en mars 2020 son EP « AVALANCHE” (n.f.) » qui s'est retrouvé en nomination dans la catégorie EP pop de l’année au GAMIQ (Gala de l’alternative musicale indépendante de Québec). En octobre 2020, la finaliste des Francouvertes 2020 dévoilait « Ta main », chanson grâce à laquelle elle s’est retrouvée finaliste au Prix de la chanson SOCAN 2021. « Je me réveille », lancée récemment annonce son premier album, qui sortira en 2022.

« Je suis vraiment honoré que ma tentative de dépeindre la vie de quartier, ce monde à part, puisse être célébrée. J’aimerais que les jeunes des quartiers pauvres à travers le pays puissent raconter leur histoire pour ne pas qu’elle soit oubliée. Espérons que des moments comme celui-ci puissent continuer à les encourager à chercher des débouchés positifs et créatifs comme je l'ai fait à travers ma musique » - Mustafa  

Après avoir perdu plusieurs amis victimes de violence armée, le poète et auteur-compositeur-interprète torontois Mustafa s’est d’abord consolé en interprétant de la musique folk. Dédié à ceux qu’il a perdus, « Stay Alive », son premier extrait, témoigne de la résilience des habitants du quartier populaire torontois de Regent Park.

C’est dès la septième année que le jeune Mustafa a entamé sa démarche artistique en interprétant sa composition « A Single Rose » à l’école publique du parc Nelson Mandela de Toronto. Depuis, il a réalisé un documentaire intitulé Remember Me, Toronto, qui porte sur la culture hip-hop au Canada, en plus d’écrire pour les artistes tels The Weeknd, Shawn Mendes, Justin Bieber et les Jonas Brothers. Mustafa a fait partie des listes d’artistes à surveiller de la plateforme i-D, de British Vogue et de Complex Magazine, pour ne nommer que ceux-là. Lancé en mai 2021, « When Smoke Rises », son premier album, s’est retrouvé sur la courte liste du prix Polaris 2021.

Au nombre de 40, les remarquables candidatures au Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur émergent 2021 ont été évaluées par deux jurys – un jury francophone et un jury anglophone – composés de 13 experts reconnus de l’industrie musicale. Un lauréat anglophone et une lauréate francophone ont été sélectionnés après deux tours de scrutin. Les précédents lauréats et lauréates du Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur émergent sont Lowell (lauréate anglophone), Les Louanges (lauréat francophone), Jessie Reyez (lauréate anglophone) et Charlotte Cardin (lauréate francophone). Pour en savoir plus sur le prix, rendez-vous au https://cshf.ca/fr/songwriter-award/

AU SUJET DE SLAIGHT MUSIC 
Slaight Music a été créé en 2011 par Allan et Gary Slaight (Allan Slaight est connu comme le pionnier de la diffusion au Canada, un leader de ‘industrie musicale et un éminent philanthrope canadien), avec pour mandat de soutenir la communauté musicale canadienne à travers une variété d'initiatives et de développer le talent canadien via des partenariats stratégiques avec des pairs de l'industrie. Slaight Music travaille avec des artistes de tout le pays et de tout le spectre musical, aidant à faire avancer leur carrière et à faire entendre de la bonne musique. Slaight Music investit également dans la sphère technologique, aidant les entrepreneurs canadiens de la musique à développer la prochaine génération de plateformes et de services numériques. L'entreprise soutient également une variété d'événements, de causes et d'œuvres de bienfaisance liés à la musique.

AU SUJET DU PANTHÉON DES AUTEURS ET COMPOSITEURS CANADIENS
Le Panthéon des auteurs-compositeurs canadiens (PACC) honore et célèbre les auteurs-compositeurs canadiens et ceux qui ont consacré leur vie à l'héritage de la musique, et s'efforce de sensibiliser le public à ces réalisations. Organisme national et à but non lucratif, le PACC est guidé par son propre conseil d'administration qui comprend à la fois des créateurs et éditeurs de musique anglophones et francophones ainsi que des représentants de l'industrie du disque. En décembre 2011, la SOCAN (Société des compositeurs, auteurs et éditeurs de musique du Canada) a acquis le PACC. Le mandat du Panthéon s'harmonise avec les objectifs de la SOCAN en tant qu'organisme composé de membres et d'auteurs-compositeurs. La PACC continue d'être gérée comme une organisation distincte.

Source: Pantheon des auteurs et compositeurs canadiens


Le Canal Auditif

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2021 - C’est une année de fête pour Le Canal Auditif qui célèbre ses 10 ans d’existence!

Pour lancer les célébrations, un concert de Marie-Pierre Arthur et Joe Grass aura lieu le samedi 4 septembre à 16h au Cabaret de la Dernière Chance de Rouyn dans le cadre du FME. Le public montréalais ne sera pas en reste, car ce n’est qu’un premier événement pour commémorer ce jalon important dans l'existence du média culturel. D’autres événements et nouveautés seront annoncés tout au long de la prochaine année.

Le copropriétaire et rédacteur en chef, Louis-Philippe Labrèche, était invité à l'émission Tout un matin pour en parler avec Eugénie Lépine-Blondeau. Écoutez l’entrevue ici

Le Canal Auditif est un média numérique qui couvre le monde musical, pointant son regard vers la musique émergente. Fondé modestement en août 2011 par Stéphane Deslauriers et porté par les plumes passionnées de ses collaborateurs, le média a connu un essor considérable ces dernières années. En septembre 2011, grâce à la mise en relation par des amis en communs, Louis-Philippe Labrèche commence à écrire pour le site. Si de prime abord, le média a été mis sur pied par des amis fanatiques de musique, il compte aujourd’hui sur l’apport de 25 collaborateurs, deux employés et deux copropriétaires toujours aussi déterminés à braquer le projecteur sur les artistes qui repoussent les limites de la créativité.

D’abord axé sur la critique de disque, c’est en 2013 que le média provoque une première vague après une entrevue avec Louis-Jean Cormier qui le nomme publiquement : « le Pitchfork québécois », ce qui fait rougir ses collaborateurs. Le Canal Auditifrejoint en 2016, la coopérative de médias indépendants Culture Cible qui compte dans ses rangs Atuvu.ca, Baron Mag, Bible Urbaine et Sors-tu. Louis-Philippe Labrèche prend au même momentles rênes du média en tant que rédacteur en chef.

En 2017, Le Canal Auditif fait peau neuve pour enfin atteindre ses objectifs initiaux : devenir un média offrant une couverture complète de l’actualité musicale, qui critique les albums qui paraissent et qui offre une importante vitrine francophone pour les mélomanes. Depuis, il a remporté deux fois, en 2019 et 2020, le Lucien du média numérique de l’année au GAMIQ (gala de l’association de la musique indépendante du Québec). On peut y lire les plumes pertinentes de Louis-Philippe Labrèche, Stéphane Deslauriers, Bruno Coulombe, Eloïse Léveillé-Chagnon, Philippe Desjardins, Mathieu Robitaille, Félix Lefebvre-Massey, Yara El-Soueidi, les photos magnifiques d’Alexanne Brisson et bien plus!

Source : Le Canal Auditif


Chris De Burgh

https://www.youtube.com/watch?v=kYTxecnktPA&ab_channel=JustinTime

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021 - The Legend of Robin Hood, le nouvel album du légendaire Chris De Burgh sera disponible le 3 septembre via le label montréalais Justin Time Records. On y retrouve l’auteur-compositeur au meilleur de sa forme, racontant l'histoire de Robin Hood avec une vision cinématographique couplée à une musique puissante et émouvante.

Voyez le EPK

Le concept du 27e album studio de Chris De Burgh est né de son implication dans « Robin Hood », une comédie musicale sur le célèbre noble de la forêt de Sherwood et sa bande de hors-la-loi. Il a été invité à contribuer aux scénarios et aux mélodies de la comédie musicale, qui sera produite plus tard cette année en Allemagne « Pendant que j'écrivais des chansons pour la comédie musicale, je me suis dit Pourquoi ne pas développer l'histoire et sortir un album aussi ? » raconte Chris. Il était éminemment qualifié et capable de le faire à plusieurs niveaux. Plus important encore, avec son album « Moonfleet » (2010), basé sur le livre du même nom, il avait conçu une interprétation musicale très réussie d'une histoire déjà existante.

Rien de tout cela n'a nécessairement facilité la création de l’album « J'ai beaucoup appris de « Moonfleet », en particulier comment mettre en place une histoire en séquence », dit-il. « Si j’avais un problème à faire avancer l’histoire en chanson, j’allais simplement relire le livre. Cette fois, nous n'avions pas de livre, en fait, il n'y a pas de livre ! Je devais donc créer ma propre histoire, ma propre version de ce conte classique. Dans mon histoire, Robin Hood n'est pas un héros, mais les circonstances et l'injustice envers les autres en ont fait le héros qui est maintenant connu dans le monde entier. Il apparaît d'abord comme un jeune homme odieux à la fin de son adolescence, mais il montre par la suite un côté différent et compatissant et les qualités d'un leader né. »

Comme cela a été que très récemment suggéré par un historien respecté, Robin Hood aurait été une cible clé du roi Jean, de son fils le roi Henri III et de leur puissant justicier (législateur) Hubert De Burgh - qui, presque incroyablement, est un ancêtre de Chris lui-même. Compte tenu des incohérences concernant les dates auxquelles Robin Hood aurait vécu, Chris raconte sa version de la légende comme si c'était de nombreuses années après la mort de Robin, avec comme décor une taverne aux chandelles où un petit public s'est réuni pour entendre l’histoire racontée par un conteur et mise en scène par ses musiciens, acteurs et chanteurs.

The Legend of Robin Hood, dixième album de Chris De Burgh réalisé par Chris Porter, est, comme 'Moonfleet', une autre extravagance sonore, jouée à la perfection par des musiciens chevronnés et talentueux à travers une pléthore de styles musicaux, du médiéval au 'traditionnel ', comptine, folk et celtique imprégnée de rock, classique et de chant choral.

Indépendamment de son thème central, l'album est aussi une nouvelle collection de chansons imprégnée du son Chris De Burgh, comme « Live Life, Live Well » et « Open Your Eyes » et comprend notamment une nouvelle version de « Light A Fire » – de son album « The Getaway » de 1982.

Source : Justin Time Records


Duran Duran

https://www.youtube.com/watch?v=KW4CEh-KjEk&ab_channel=DuranDuran

Montréal, août 2021 - Le légendaire groupe Duran Duran partage aujourd’hui « ANNIVERSARY », co-réalisé par le groupe et le DJ/réalisateur britannique Erol Alkan, et troisième extrait de son quinzième album studio FUTURE PAST à paraitre le 22 octobre via TAPE MODERN pour BMG.

Écoutez et partagez Anniversary

« ANNIVERSARY », c’est Duran Duran à son meilleur et continue de montrer pourquoi le groupe est toujours l’un des groupes les plus excitants et progressifs de la planète. Célébrant son 40e anniversaire cette année, la chanson sera certainement un grand favori en direct.

S'exprimant depuis Londres, où ils répètent pour une série de concerts à venir au Royaume-Uni, le bassiste et membre fondateur John Taylor, déclare : « ANNIVERSARY », est une chanson spéciale pour nous. Évidemment, nous étions conscients de notre 40e anniversaire à faire de la musique ensemble, mais nous voulions que le sens de la chanson soit inclusif de la manière la plus large possible.

Après avoir joué et travaillé ensemble pendant si longtemps, nous apprécions beaucoup ce que "être ensemble" et "rester ensemble" peuvent vraiment signifier, ce n'est pas quelque chose que nous aurions pensé digne d'une chanson il y a 40 ans, mais nous le faisons aujourd'hui. C'était aussi amusant de construire une piste avec des allusions aux succès précédents de Duran, ils sont comme des « easter eggs », pour les fans à trouver. »

Avec l'aide de certains des noms les plus excitants des 50 dernières années, avec FUTURE PAST , Duran Duran livre une autre œuvre incroyable couvrant tous les genres qui les distingue une fois de plus du peloton. Travaillant aux côtés du DJ / producteur britannique Erol Alkan et du mythique compositeur/producteur italien Giorgio Moroder, le groupe a fait appel à certains des artistes les plus inattendus et inspirants de la pop - dont la hitmaker suédoise Tove Lo, 'Queen of Drill ' Ivorian Doll, et les japonaises CHAI. De plus, Graham Coxon (Blur) a co-écrit et prêté sa guitare à plusieurs morceaux du disque, et l'ancien pianiste de David Bowie, Mike Garson ajoute une couche sonore exquise à la dernière pièce de l’album "FALLING". Le disque, qui a été enregistré à Londres et à Los Angeles pendant le confinement présente également un collaborateur de longue date, Mark Ronson qui a co-écrit et joué sur « WING». L’album a été mixé par Mark «Spike» Stent.

FUTURE PAST sera disponible sur toutes les plateformes numériques. En plus du CD standard, un format CD/livre relié de luxe en édition limitée sera disponible avec trois titres supplémentaires. L'album sera également disponible sur vinyle coloré. La boutique d'albums officielle proposera des formats exclusifs de vinyles et de cassettes avec des tirages signés en édition limitée. Le groupe poursuit la tendance d'être des pionniers à la fois dans la technologie et la musique avec une collaboration spéciale avec 360 Reality Audio, une nouvelle expérience musicale immersive utilisant les technologies de son spatial de Sony. Une version séparée de « FUTURE PAST » avec des mixes 360 sortira ainsi que de nouvelles versions 360 de leur catalogue. 360 Reality Audio est sur les services d’écoute Amazon Music HD, TIDAL HiFi et Deezer HiFi.

INVISIBLE
ALL OF YOU
GIVE IT ALL UP (Feat. Tove Lo)
ANNIVERSARY
FUTURE PAST
BEAUTIFUL LIES
TONIGHT UNITED
WING
NOTHING LESS
HAMMERHEAD (Feat. Ivorian Doll)
MORE JOY! (Feat. CHAI)
FALLING (Feat. Mike Garson)

Source : Tape Modern


La Traversée

https://www.youtube.com/watch?v=q7Knt9Q5nzI&ab_channel=%C3%89colenationaledelachanson

Avec Eli Rose, Marie-Gold, Mat Vézio, Miro, Arthur Ely, Elbi, Jaïa Rose et Leo fifty-five

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 - Depuis 2018, l’École nationale de la chanson agit comme maître d’œuvre et producteur du projet La Traversée, en partenariat avec Le Fair et Les Francos de Montréal.

La Traversée consiste en une rencontre artistique et professionnelle entre quatre artistes canadiens et quatre artistes français ainsi que leurs gérants. Les talentueux artistes de l’édition 2021 de La Traversée sont Eli Rose, Marie-Gold, Mat Vézio et Miro du Québec, ainsi qu’Arthur Ely, Elbi, Jaïa Rose et Leo fifty five de la France. À défaut de pouvoir créer et présenter un spectacle collectif au Canada et en France à cause de la pandémie comme pour les éditions précédentes, les partenaires ont produit un enregistrement sonore et un documentaire illustrant l’expérience.

L’album, réalisé par Bastien Doremus (Christine and the Queen, Colombine, Toys) sous la direction artistique de Gaële, sera disponible sur toutes les plateformes le 10 septembre. Il est composé de huit chansons originales créées et enregistrées en collaboration et à distance entre Montréal et Paris Le documentaire, réalisé par Jonathan Brisebois et produit par Parceque Films illustre le processus de création et d’enregistrement. Il sera disponible le 10 septembre via les Francos de Montréal et sur la chaîne YouTube de l’École nationale de la chanson.

LA TRAVERSÉE
Toucher toi - Auteur-compositeur: Elbi – Miro
Au détail - Auteur-compositeur: Leo fifty five – Eli Rose
Quelque part - Auteur-compositeur : Eli Rose – Arthur Ely – Miro
Voice Message - Auteur-compositeur: Marie-Gold – Jaïa Rose
Compositeur : Elbi – Marie-Gold – Jaïa Rose
Chaleur 10 - Auteur-Compositeur: Mat Vezio – Elbi
Je me demande - Auteur-compositeur : Arthur Ely
À quoi ça sert - Auteur- Compositeur: Miro - Leo fifty five
Rupture - Auteur-compositeur : Jaïa Rose – Miro

Cliquez ici pour télécharger les photos des artistes

Le projet La Traversée, a par le passé permis d’offrir des retombées significatives pour les artistes et les professionnels impliqués et a aidé au développement de la carrière de plusieurs artistes dont Mike Clay, Sara Dufour, Antoine Corriveau, Pomme et Foé.

ARTISTES DU QUÉBEC

ELI ROSE 
Sacrée Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ 2020, Eli Rose s'impose dans le paysage musical québécois. Forte de plus de 10 années d’expérimentation musicale, elle s’est entourée de collaborateurs de renom pour créer une pop accrocheuse aux fortes influences américaines. Son premier album, paru sous l'étiquette Maison Barclay Canada en 2019, dépasse les 10 millions d'écoutes en continu et cumule les succès radios; Tôt ou tard, Origami (feat. FouKi), Emmène-moi et Carrousel.

MARIE-GOLD
Marie-Gold bouscule et renverse tout sur son chemin. Les moyens de ses ambitions sont de ceux qu’elle se donne volontiers. En mars 2020, elle fait paraître Règle d’or, son premier album complet, fruit de collaborations avec des producteurs de Montréal, Paris et Bruxelles. Moins d’un an plus tard, elle réitère avec le EP Règle deux. Le message assuré se détache et se confirme.

MAT VEZIO
Entre la vie et la mort d’amitiés, les expéditions marines et l’ennui en général, Mat Vezio s’inspire de la poésie d’Alain Bashung, d’Elvis Perkins et de John Lennon pour gréer ses pièces. L’album Garde-fou lancé en 2019 vis Simone Records s’ancre dans un univers tanguant où l’errance, les contradictions et la recherche d’équilibre font loi.

MIRO
Mélange accrocheur de sonorités hip-hop, R&B, pop et soul, l’album En retard sur ma vie permet à Miro de recevoir une première nomination comme révélation de l’année au Gala ADISQ 2020. En août 2020, il est devenu le premier artiste à performer sur le toit du stade olympique et ce, en direct devant plus de 20 000 spectateurs.

ARTISTES DE LA FRANCE

ARTHUR ELY
Chanson d'Amour à renfort de grosses basses. De L'alliance unique de la chanson française, du rap et de la musique électronique est né Arthur ELY. Un concentré de musiques actuelles entrainantes porté par un charisme hors norme et un physique glorieux

ELBI
Attirée en premier lieu par le chant Gospel et Jazz, elle trouve refuge dans les jams d’improvisation et dans la musique électronique. Remarquée par le dispositif FAIR en 2018, elle sort alors deux EP en anglais qu'elle compose et réalise entièrement, accueillis avec brillo par la presse française. ELBI pioche dans des influences variées allant de Erykah Badu à Laurent Voulzy, en passant par TLC ou encore MC Solaar.

JAÏA ROSE 
Jaïa Rose, talent aux multiples facettes. Elle l’exprime d’abord par la danse, passionnée depuis son enfance c’est à 19 ans qu’elle intègre l’Académie Internationale de la Danse à Paris, c’est lors d’un tournage de clip que la musique revient, comme une évidence, en première ligne. À travers l’écriture et le chant elle confie ses joies et ses doutes, révèle ses forces et ses failles, nous prend par la main pour nous emmener dans un univers aux couleurs pop et r’n’b.

Leo fifty five 
Leo fifty five, jeune musicien belgo-indonésien aux multiples casquettes, est un vent de fraîcheur sur la scène musicale francophone. L'ancien joueur de hockey sur glace devenu chanteur est notre invité et nous parle de ce premier titre, de ses influences old school, de son amour de la langue française ou encore de l'effervescence de l'actuelle scène musicale belge.

Crédits
Artistes: Arthur Ely, Elbi, Eli Rose, Jaïa Rose, Leo fifty-five, Marie-Gold, Mat Vezio, Miro
Producteur : École nationale de la chanson
Partenaires: Le Fair et les Francos de Montréal
Direction artistique : Gaële
Réalisateur : Bastien Dorémus
Mixage et prise de son additionnelle: Ghyslain-Luc Lavigne
Distribution et consultant : L-A Be – Let artists be

Ce projet a été rendu possible en partie grâce au gouvernement du Canada.

Source : L’École nationale de la chanson


Gael Faure

https://www.youtube.com/watch?v=XxAbfu60jss

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 : L’auteur-compositeur français Gael Faure fera paraître le EP « L’eau et la peau » le 10 septembre prochain. « L’eau et la peau » est un projet pop aux propos existentialistes. Dans le viseur, une alliance du synthétique et de l’organique, des ritournelles chamaniques et son amour pour l’extensibilité infinie du ciel et de la mer. Dans cet EP, Gael Faure libère sa voix et questionne notre pouvoir de « changer notre relation à soi, aux autres et au monde, en se reconnectant à sa propre nature ». Avec « L’eau et la peau », il montre un nouveau visage où il accepte son propre désordre et nous permet, à nous aussi, de lâcher prise.

Gael Faure a écrit et composé seul ces nouvelles chansons, qu’il a choisi de co-réaliser avec son batteur et ami Emiliano Turi. Il s’est également chargé de la production avec le label Zamora afin d’être complètement autonome. Une trame pop pour « L’eau et la peau », une alliance du synthétique et de l’organique.

Près de quinze ans après ses débuts, Gael Faure s’est imposé le désir de s’affranchir des règles et des rouages de l’industrie musicale.

Crédits :
Écrit et composé par Gael Faure
Coréalisé par Gael Faure et Emiliano Turi
Mixé par Frederic Deces
Masterisé par Adrien Pallot (Chab Mastering)
Producteur : Grand Bois / Zamora
Label éditeur : Grand Bois / Zamora Publishing

Source : Grand Bois / Zamora


le.Panda

https://www.youtube.com/watch?v=iX-m8NcGkao

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 - Sous un air inspiré de la bossa brésilienne, tout gardant sa signature sonore unique, le.Panda, gagnant du Festival International de la Chanson de Granby 2019, partage « Jeu dangereux », premier extrait de son album à paraître au début 2022.

« Jeu dangereux » annonce la direction musicale que prendra ce tout premier album : riche en saveurs musicales, en authenticité et en textes, valsant entre l’humour, la véracité satirique et le romantisme millénial. « Jeu dangereux » se veut une critique du dating game moderne; fréquentations, situations non-définies, ambiguïtés, et autres joies du genre…

J’ai passé la nuit
À convaincre mes envies, t’étais pu là
On s’fréquente à temps partie
Y’existe aucun manuel pour mon coeur
IKEA

Le vidéoclip lancé simultanément est signé Anthony Coveney (Les Louanges, Rymz, Simon Kearney, Marie-Gold) Toujours sur un ton satirique, le.Panda se retrouve au milieu d’un concours de hot-dog avec les pieds dans les plats, une image qui se veut poétique.

Il sera possible d’entendre certaines des chansons du premier album de le.Panda lors du Guroue Fest - 5 @ Sunset au pied du mont Sutton en Estrie le samedi 28 août.

le.Panda, auteur-compositeur-interprète-musicien-multi-instrumentiste, est le parfait hybride entre Erykah Badu, Bob Marley et DJ Khaled. Grand gagnant du Festival International de la Chanson de Granby en 2019, il fait sa marque notamment grâce à son système d’homme-orchestre basé sur des boucles sonores enregistrées en temps réel qui le distingue et forge son style musical teinté de soul, de hip hop et de reggae.

Musicien de rue à Québec pendant plus de 7 ans, le.Panda travaille à façonner un son unique et à enregistrer ses créations avec ses acolytes Simon Kearney, Simon Lachance et Martin Plante (tous deux du projet Raton Lover). Encouragé par ses parents, mais refusé à La Voix, le.Panda créé des chansons parfois malaisantes, parfois émouvantes, mais toujours accrocheuses, qui feront assurément tomber votre grand-mère en bas de sa chaise berçante.

Source : Kartel Musik


Casper Skulls

https://www.youtube.com/watch?v=i443R1utj8I

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 - Le groupe torontois Casper Skulls partage aujourd'hui « Thesis », extrait de son deuxième album Knows No Kindness à paraître le 12 novembre via Next Door Records. Le clip lancé simultanément est coréalisé par la chanteuse/guitariste Melanie St-Pierre, Paul Los et Nora Burns avec des animations de Gaia Alari.

« Thesis » présente un changement de direction pour Casper Skulls, remplaçant certaines sensibilités plus shoegaze et rock alternatif par des sonorités folk plus vastes et oniriques inspirées par Neko Case, Neil Young et Gillian Welch.

Sur « Thesis » les cordes du guitariste Neil Bednis et du bassiste Fraser McClean scintillent là où elles auraient autrefois crié, le premier trouvant quelque chose de plus lyrique dans son jeu, tandis que la batterie d’Aurora Bangarth remue, là où elle martelait auparavant, permettant à la voix de Melanie d’être mis en vedette.

Knows No Kindness est un disque profondément personnel pour Casper Skulls, en particulier pour St-Pierre qui raconte des histoires vécues en grandissant dans le nord de l'Ontario, en particulier à Sudbury et à Massey. En partie, "« Thesis » se veut un clin d'œil à son professeur d’anglais au secondaire qui l'a encouragé à trouver sa propre voix et son propre style d'écriture, plus proche du processus de réflexion et de l'état d'esprit créatif de Melanie.

La pièce agit comme une réflexion sur le disque lui-même avec Melanie reprenant les premières lignes d'une autre chanson de l'album qui documente une époque où elle a dû témoigner devant le tribunal parce qu'elle avait été témoin du meurtre du père de son meilleur ami qui était abattu par un voisin dans leur jardin.

Knows No Kindness fait suite au EP Lips and Skull (2016) et au premier album Mercy Works (2017). En 2018, Casper Skulls fut nommé au Prix de la composition de chansons SOCAN pour « Lingua Franca ».

Source : Next Door Records


Lwazo Sirois & le dernier rodéo

https://www.youtube.com/watch?v=mo8teCarlg4&t=55s&ab_channel=LwazoSiroisetledernierrod%C3%A9o

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 - L’hétéroclite Lwazo Sirois, après être passé par le hip hop, la chanson et le stoner rock dans ses différents projets, se plonge dans le country hors-la-loi avec Lwazo et le dernier rodéo.

À l’est pis au sud, le premier extrait de l’album à paraître en janvier 2022 est un ode au camionnage à haute vitesse, attitude hors-la-loi et country frénétique.

Composé d’excellents musiciens de la scène musicale de Québec, dont André Lavergne (Dans L’Shed) à la réalisation et à la guitare, le Dernier Rodéo revisite l’héritage country américain à travers des interprétations libres et des réécritures en français de ses plus grandes œuvres, parsemé de quelques créations originales.

Source : Groupe Fovéa