Karlof Galovsky

https://youtu.be/1FNUc449t9E

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

En spectacle
12/11 – Val-David – Café Bistro Mouton Noir

Montréal, octobre 2022 - KARLOF GALOVSKY is back! Sérieux? Il n'est pas mort lui? Ben non, il est plus vivant que jamais et son nouvel album – à paraître le 11 novembre - va vous faire le plus grand des biens! Le Chansonnier fantaisiste psychédélique est de retour après un Hiatus de plus de 15 ans pour présenter Chansons inutiles... Un album essentiel. Propulsé par l’envie de partager ces 15 pièces et de divertir les foules, l’étonnant personnage présentera également des concerts dans toute la province au cours des prochains mois.

Chansons Inutiles est une collection de pièces festives. Tantôt drôles, tantôt touchantes, inspirée par l’époque où écouter un album était une activité en soi, les pièces sont ainsi conçues pour interagir avec l’auditeur - dansez, riez, pleurer, chantez!  Chaque écoute risque de vous dévoiler une facette différente des chansons. Réalisé avec la précieuse collaboration du vétéran Éric Goulet, l’album est le résultat inespéré de plusieurs discussions sur le comeback de Karlof. Qu’on l’attendait ou pas, le voici!  Poète maudit, performer magnétique, polémiste sympathique, on ne s’en passera plus. L’homme derrière le mythique album “Fuck n shit baby love!” Revient avec toute la fougue qu’on lui connaît du temps du Karlof Orchestra et c’est tant mieux pour nous!

Karlof Galovsky fonde le Karlof Quartet au tournant de l’an 2000 en présentant ses premières maquettes aux radios locales de Montréal ainsi que sur les scènes underground. D’ailleurs, ses débuts sur scène attirent les amateurs de rock, de psychédélisme et de poésie pour noctambules. En avril 2002, il publie son premier album Fuck’n Shit baby Love! sous Le Karlof Orchestra et devient rapidement le poète maudit qui écume de nombreuses scènes du Québec. Il atteint le sommet des radios BDS avec les titres Riff commercial et Murmures, un fait d’armes pour ce groupe tout droit sorti de l’underground. S’ensuit la sortie des albums Fuzzy Trash Pop en 2004 et Motadine en 2006. Il enchaîne les concerts et se rend même jusqu’en France pour y présenter son travail.  Karlof participe par la suite au projet Ma blonde est une chanteuse en tant qu’accompagnateur et remporte les honneurs aux Francouvertes en 2006.

Il délaisse la création musicale au profit de la chaîne de télévision Musique Plus pour laquelle il sera producteur au contenu pendant plus d’une décennie. Son parcours se poursuit chez L-A be en tant que créateur de contenu. En effet, il y signe plusieurs vidéoclips et créations de contenus créatifs pour de nombreux artistes. Motivé par son désir de revenir sur scène, il entreprend l’écriture d’un nouvel album, Chansons inutiles sous l'étiquette L-A be dont la Face A est sortie le 3 juin 2022. La Face B complètera l'œuvre le 11 novembre.

Les paroles et la musique furent gribouillées par Karlof Galovsky.
Philippe « Honey Baby » Delorme : Guitares, basses, claviers
Karlof Galovsky : Voix, guitares
Pascal Gingras : Batteries, percussions
Éric Goulet : Guitares, claviers, percussions, saxophones, voix
DJ Horg : Scratch, beatmaking, claviers
Amélie Murdock : Voix
***Avec l’aimable participation à leur insu de Michel Sardou, Angèle Coutu, Lucien Francoeur, Robert Gravel, Horacio Arruda et Henri Bergeron***
Enregistré aux studios DeVizu et Os Parleurs.
Prise de son et mixage : Éric Goulet
Mastering : Marc Thériault (Le Lab Mastering)
Pochette : Marie-Claude Meilleur, Karlito Gasparov, Gisèle Guimond-Chartrand
Réalisation : Éric Goulet et Karlof Galovsky
Production : L-A be
Source: L-A be


Charlie Cunningham

https://www.youtube.com/watch?v=LOfUd91kRZ0

Information : Simon Fauteux

Montréal, octobre 2022 - L’auteur-compositeur britannique Charlie Cunningham qui s’est produit au Club Soda à Montréal en juillet dernier dans le cadre du Festival International de Jazz, partage « Downpour », sa première nouveauté musicale depuis plus de deux ans. Cette chanson représente un nouveau chapitre dans la carrière de Charlie, qui vient de dépasser 500 millions d’écoutes en ligne.

« Downpour est une tentative de confronter et de raisonner avec mon critique intérieur et les critiques qui viennent aussi de l’extérieur » explique Charlie. La pièce a été écrite par Cunningham, enregistrée chez lui dans le Buckinghamshire et réalisée par Sam Scott et Gareth Jones, ce dernier ayant également assuré le mix. L’été dernier, Charlie s'est produit dans plusieurs festivals sur la scène internationale dont le Festival International de Jazz Montréal,Le Ottawa Bluesfast, Reeperbahn, Whisper, Golden Leaves et Sacred Ground.

Charlie Cunningham a d'abord établi sa réputation avec une série d'EP qu'il a ensuite séquencé en une compilation avec le flux cohérent d'un album. Lines, son premier album officiel lancé en 2017, a été enregistré avec le réalisateur Duncan Tootill et sorti sur Dumont Dumont – le label d’artistes tels que RY X et Josin. Après avoir été découvert grâce à des pièces comme « Minimum » et « Lights Off », ila lancé « Permanent Way » en 2019 ainsi que l’EP « Pieces » en 2020.

Source : BMG


Philippe Dunnigan

https://www.youtube.com/watch?v=y4LdJ7NtcJA

Information : Simon Fauteux

EN SPECTACLE
09/11 – Montréal – Studio TD

Montréal, octobre 2022 – Après avoir lancé l’album Ensemble en mars dernier, le violoniste virtuose Philippe Dunnigan présentera Ensemble « en concert » à Montréal le 9 novembre au studio TD. Les billets sont disponibles ICI

Ensemble « en concert » est un voyage musical allant de la musique traditionnelle au jazz en passant par le répertoire classique et la musique pop. Philippe Dunnigan sera accompagné sur scène par la pianiste/arrangeure Fannie Gaudette, la violoncelliste Camille Paquette-Roy et Olivier Hébert à la contrebasse. Ensemble « en concert » est un spectacle intimiste évoquant le parcours du violoniste à travers ses expériences et les rencontres marquantes de sa carrière. Des arrangements somptueux ont été créés spécialement pour ce concert.

La musique est omniprésente dans la vie de Philippe Dunnigan. Formé dans la tradition classique, son intérêt pour la musique ne connait pas de frontières. Musicien aussi polyvalent que talentueux, Il a mis son talent au service des plus grands noms de la scène musicale québécoise et internationale. En plus d’avoir participé à plus de 500 enregistrements, il a également partagé la scène avec - outre Céline Dion avec qui il travaille depuis plus d’une décennie - une multitude d’artistes allant de Luciano Pavarotti, Charles Aznavour, Barbra Streisand et Michel Legrand, à Ginette Reno, Anne Murray, Diana Ross, Dionne Warwick, Natalie Cole, Rod Stewart, Diane Dufresne, André Gagnon, Yes et Jimmy Page et Robert Plant, pour ne nommer que ceux-là.

L’album Ensemble sur étiquette Spectra Musique a été enregistré à Montréal au Studio Piccolo et réalisé par Philippe Dunnigan et Denis Savage.

Source : Spectra musique


Bryan Adams

https://youtu.be/ZTY6RTas9-s

Information : Simon Fauteux

"I understand from Bryan that he thought it was wonderful to work with me.. I wish I could say the same. The smell of lentils was overwhelming…”  - John Cleese
“John was amazing on set, I’ve never worked with someone so woke.” - Bryan Adams

Montréal, octobre 2022 - Bryan Adams partage le nouveau clip officiel de la chanson, "Kick Ass", chanson tirée de son nouvel album studio, So Happy It Hurts, sorti plus tôt cette année via BMG. Réalisé par Adams, le vidéo met en vedette un monologue d'ouverture du légendaire acteur/comédien britannique John Cleese (Monty Python's Flying Circus).

Le 28 octobre, Adams fera paraître So Happy It Hurts (Super Deluxe) - un ensemble de 2 CD contenant son dernier album studio ainsi qu’un deuxième disque contenant 12 classiques réenregistrés. Il s'agit de son quatrième album sorti cette année, la liste d'entre eux est ci-dessous :

- Classic (Parts 1 & 2) - 2LP incluant 14 classiques ré-enregistrés et une gravure exclusive
- Pretty Woman - The Musical incluant 16 chansons
- So Happy It Hurts incluant 12 nouvelles chansons

So Happy It Hurts (Super Deluxe) 2CD Tracklisting
Disc 1
So Happy It Hurts
Never Gonna Rain
You Lift Me Up
I've Been Looking For You
Always Have, Always Will
On The Road
Kick Ass
I Ain't Worth Shit Without You
Let's Do This
Just Like Me, Just Like You
Just About Gone
These Are The Moments That Make Up My Life
Disc 2
Summer of ‘69
(Everything I Do) I Do It For You
Run To You
Heaven
Can’t Stop This Thing We Started
Cuts Like A Knife
Please Forgive Me
Straight From The Heart
When You’re Gone (ft. Melanie C)
Here I Am
Back To You
Have You Ever Really Loved A Woman

Source : BMG


Amay Laoni

https://youtu.be/_QSyWG81qCc

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

« Amay Laoni pratique une pop sophistiquée et est certainement une des autrices-compositrices les plus douées du moment » - Josée Lapointe (La Presse+)

Montréal, octobre 2022 – L’autrice-compositrice pop avant-gardiste Amay Laoni partage aujourd’hui l’extrait « Plus qu’assez », disponible sur toutes les plateformes. Composée par Amay Laoni et son complice réalisateur/multi-instrumentiste Etienne Chagnon, « Plus qu’assez » parle d'un grand désir de changement, questionne les choix que nous faisons par manque d'implication, par réflexe, sans nous demander vraiment si, cette vie qu'on s'est construite nous ressemble et annonce la tangente et les nouvelles couleurs musicales du prochain EP qui devrait voir le jour au printemps 2023.

Les derniers concerts de l’été dernier ont fait voyager Amay Laoni en France et au Québec avec des spectacle au Café de la danse de Paris et aux Francos de Montréal dans le cadre de « La Traversée ».  Elle retournera sur le territoire français au début novembre pour un concert au 3 Baudets de Paris, question d’officialiser sa signature avec l’agence de spectacle L’Artboristerie.

Amay Laoni brille par sa voix suave et unique ainsi que par la singularité de son univers sonore et un désir de pousser ses idées imagées, tant par l’écriture, la composition et la production. Les chansons d’Amay Laoni chansons cumulent jusqu'à maintenant plus de 2 500 000 d’écoutes sur les plateformes digitales.

Derrière le projet d’Amay Laoni se trouve Amélie Larocque, autrice-compositrice originaire de St-Paul d’Abbotsford qui vient de se mériter le prix Stéphane Venne au récent Gala de la SPACQ. « Ce prix souligne ma collaboration avec des interprètes. Je suis touchée, car j’adore cette partie de mon travail qui me permet de collaborer avec d’autres artistes, d’entrer dans d’autres univers et d'oser des choses que je ne ferais pas pour moi » a déclaré l’heureuse lauréate.

Source : Oblik Records


Nikki Yanofsky

https://youtu.be/n_JlIlicz-M

Information : Simon Fauteux

Montréal, octobre 2022 – La chanteuse de jazz montréalaise Nikki Yanofsky fera paraître son nouvel album, Nikki By Starlight, le 21 octobre prochain via MNRK Music Group. Véritable célébration du jazz autant pour les puristes que pour les nouvelles générations, Nikki By Starlight comprend 15 légendaires standards de Frank Sinatra, Chet Baker, Billie Holiday et plus encore. L’album a été co-produit par Nikki et Paul Shrofel, et comprend des contributions de Greg Phillanganes (Stevie Wonder), de Nathan East (Bobby Womack, Herbie Hancock, Michael Jackson) et du légendaire trompettiste Arturo Sandoval.

L'engagement de Nikki Yanofsky à réinventer les standards est sincère tout au long de l'album, allant même jusqu'à enregistrer avec un RCA 77C vintage; le micro qui a été utilisé par Ella Fitzgerald. La vibrante touche musicale de Yanofsky fait entrer le Great American Songbook dans le 21e siècle, offrant une chance à un nouveau public ainsi qu’à ses nombreux fans de tomber, ou retomber, amoureux du jazz.

Nikki décrit le processus d'enregistrement de l’album comme un moment revigorant et joyeux qui lui a permis de puiser à nouveau dans la partie la plus pure d'elle-même. Elle a renoué avec les classiques selon ses propres termes – en particulier en tant qu'artiste qui a fait son premier spectacle à seulement 12 ans qui s'est parfois sentie comme une « bête de cirque » en chantant des chansons d'une époque révolue quand elle était si jeune.

« Cet album est vraiment un retour aux sources. C'est moi qui retourne à mes racines, mais à mes propres conditions. J'ai co-produit ce disque, j'ai choisi chaque chanson et comment elle devait être interprétée. Dans le passé, quand je chantais du jazz, j'étais une enfant et je ne faisais qu'imiter mes héros, en chantant leurs arrangements. Cet album est entièrement composé d'arrangements originaux, l'approche était  - comment aurais-je chanté ces chansons avoir été en vie au moment de leur écriture? - . Ils devaient être différents de tout ce que j'avais entendu dans le passé, mais fidèles à l'époque à laquelle ils appartenaient. Avec ‘Nikki by Starlight’ est la première fois que j’ai pu avoir ma propre voix dans le genre qui a vraiment enflammé ma passion pour la musique en premier lieu » - Nikki Yanofsky

Pourtant, le jazz a été son premier amour, et ce disque est un véritable retour aux sources. Après s'être éloignée de la scène jazz pendant un certain temps, Nikki Yanofsky écrit, dans une lettre adressée au Jazz à propos de son retour: « Ma clé fonctionne toujours. Il n'est pas trop tard. En entrant selon mes propres conditions, même sans y être invité, je me sens chez moi. Tu es familier, sécurisant et chaleureux, et maintenant que je suis ici, je ne veux plus jamais connaître le froid. Ils disent que le premier amour est le plus difficile à surmonter. Je ne t'ai jamais vraiment oublié. J'ai noyé ton son. Je t'ai maintenu profondément là où ton écho était faible et facile à ignorer. J'ai suivi un chemin différent. Pourtant, après tout ce temps, ces pas de géant m'ont laissé arriver au pied de ta porte ». Nikki By Starlightest rempli d’une passion intense pour tout ce qui est jazz et l’engagement de Yanofsky à réinventer les standards sonne vrai tout au long de l’album.

Nikki By Starlight tracklisting
1. I Get Along Without You Very Well (Except Sometimes)
2. Comes Love
3. Crazy He Calls Me Ft. Greg Phillinganes
4. I Get A Kick Out Of You
5. Comment Allez Vous
6. Stella By Starlight
7. They Say It’s Spring
8. It Never Entered My Mind
9. C'est Si Bon
10. West Coast Blues
11. Let Me Love You
12. Quiet Nights of Quiet Stars (Corcovado) ft. Nathan East
13. Estate ft Arturo Sandoval
14. You Stepped Out Of A Dream
15. Some Other Time

À propos du Groupe de musique MNRK
MNRK Music Group est l'une des plus grandes sociétés de musique indépendantes au monde, avec des divisions d'enregistrement, d'édition musicale et de gestion opérant dans tous les principaux marchés musicaux. MNRK s'engage à découvrir et à guider les meilleurs créateurs et artistes musicaux et travaille avec certains des plus grands talents, notamment The Lumineers et Pitbull, le catalogue d'édition musicale de Chuck Berry, ainsi que les principales sociétés de musique Dualtone Music Group et Last Gang. Le département de musique de la société dessert des producteurs primés aux Oscars et aux Emmy Awards. Son catalogue dans toutes les divisions se compose de 54 000 morceaux, dont plusieurs gagnants de GRAMMY et des succès de vente.

Source : MNRK Group


Flore Laurentienne

https://www.youtube.com/watch?v=jgh6xp-yfNw

Information : Simon Fauteux 

EN SPECTACLE
10/11 - Utrecht (Pays-Bas) - Festival Le Guess Who
13/11 - Leipzig (Allemagne) - Festival TransCentury
15/11 - Berlin (Allemagne) - Silent Green
17/11 - Jena (Allemagne) - Trafo

Montréal, septembre 2022 – Flore Laurentienne, le projet de Mathieu David Gagnon, fera paraître son nouvel album Volume II, le 21 octobre prochain sous la prestigieuse étiquette américaine RVNG Intl, de même que sous la bannière montréalaise Costume Records.

Le Volume II de Flore Laurentienne offre une autre superbe palette sonore remplie d’orchestrations riches, inspirées par les forces changeantes de l'eau. Mathieu David Gagnon y reprend son voyage environnemental et sensible, s'inspirant du fleuve et de ses majestueuses perspectives.

Tout comme sur le Volume I, les auditeurs reconnaîtront sur Volume II, l'approche caractéristique de Gagnon pour retravailler et recadrer une mélodie ou un concept sonore, un processus qu'il compare à celui d'un peintre créant plusieurs croquis du même paysage. Dans la continuité du premier album, l'énigmatique série « Fleuve » se poursuit pour tenter de rendre la grandeur et le caractère insaisissable du fleuve Saint-Laurent, alors que les œuvres « Navigation III et IV » se penchent plutôt sur les micromouvements de l’eau.

Dans le monde de Flore Laurentienne, la complexité émerge de la simplicité, alors que le compositeur parcourt des environnements familiers en constante évolution. Gagnon extrait la beauté par la répétition et la contrainte, en utilisant le contrepoint, style d'écriture pour lequel l'une de ses plus grandes inspirations musicales - Johann Sebastian Bach - est reconnue.

Gagnon poursuit avec Volume II son expansion des archétypes de la composition classique d’où émerge un tout nouveau domaine de romantisme sonore.

Source : Costume


SYML

https://youtu.be/uddh9Gswark

Information : Simon Fauteux
English Canada press: Cristina Fernandes

Montréal, octobre 2022 - The Day My Father Died, le nouvel album de SYML, le projet solo de l’auteur-compositeur-interprète et réalisateur Brian Fennell, paraîtra le 3 février 2023 via Nettwerk. L’extrait « Howling feat.Lucius » est disponible dès maintenant sur toutes les plateformes. Le vidéoclip, lancé simultanément, a été tourné à Montréal et réalisé par Benjamin Lussier de Parce Que Films. Il met en vedette les danseurs montréalais Kevin Maddripp et Miranda Chan.

« Il s'agit d'adorer votre partenaire et de vouloir être sauvé par sa beauté » déclare Fennell à propos de « Howling ». « Cette idée d'être insatiable... on dit souvent que c'est une pensée pécheresse et quelque chose d'hédoniste. Mais vous êtes cet ouragan de sexualité et d'épanouissement - être comblé par quelqu'un d'autre. J'aime cette tempête ».

L’album de 15 pièces voit Fennell raconter une histoire de connexion interpersonnelle et de parenté choisie après la mort de son père adoptif en 2021. Plus un album de croissance et de guérison que de perte, The Day My Father Died relate le parcours de Fennell pour comprendre comment aller de l'avant après un changement fondamental et insoluble dans sa vie.

Enregistré et réalisé à Seattle - ville natale de Fennell - avec son compatriote Phil Ek (Band of Horses, Father John Misty, Fleet Foxes), également natif de Seattle, The Day My Father Died est le premier album sur lequel il s’est adjoint un groupe complet. En plus de Lucius, ce nouveau LP comprend des contributions de Guy Garvey, Sara Watkins et Charlotte Lawrence.

« Travailler avec Phil était passionnant, humiliant et mémorable » déclare Fennell. « Ce mec a produit des disques insensés qui sont adorés par tous ceux que je connais. La musique que Guy, Sara, Charlotte et Lucius font est toute belle et unique. Je suis chanceux de dire que nous avons tous maintenant des chansons ensemble. Encore une fois, je veux répéter que je ne peux pas croire que ce soit arrivé, mais c'est le cas! »

SYML a fait paraître son premier album éponyme en 2019, qui comprenait le succès « Where's My Love ». SYML est le terme gallois pour « simple » et se prononce sim-muhl. Avec plus d'un milliard d’écoutes, sa musique a établi une connexion particulière avec le public à cause de son écriture honnête et sa voix émouvante. Né et élevé à Seattle, Fennell a étudié le piano à l'université et est devenu un producteur, programmeur et guitariste autodidacte. Sa musique s’est retrouvée dans une multitude de films, séries télévisées et campagnes publicitaires, y compris la série originale de Netflix Behind Her Eyes dans laquelle figurait sa version de Mr. Sandman comme chanson thème.

Après avoir tourné en première partie de Dermot Kennedy lors de sa dernière tournée américaine, SYML s'est lancé à la fin de 2021 dans une vaste tournée américaine et européenne dans certaines des plus belles églises du monde pour promouvoir son album live Sacred Spaces. Avec des spectacles à guichets fermés à l'emblématique Union Chapel de Londres, au Café de la Danse de Paris en passant par le Het Zonnehuis d'Amsterdam, la tournée l'a ramené à la cathédrale Saint-Marc où l’album a été enregistré.

Source : Nettwerk


Ponteix

https://www.youtube.com/watch?v=1rzH9Odjlno&ab_channel=PONTEIX

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, octobre 2022 – Ponteix, le projet du multi-instrumentiste Fransaskois Mario Lepage, fait paraître aujourd’hui – au Canada et en France - le EP Amélia Deluxe. Cette nouvelle édition de six titres du EP lancé originalement en 2021 est un parfait condensé de grooves hypnotiques aux saveurs R&B et psyché-pop qui laisse place à des chansons pop soignées et franches, entièrement façonnées par Lepage.

On retrouve en bonus, les deux extraits « La bohème », où Ponteix rends un magnifique hommage à Charles Aznavour ainsi qu'une nouvelle mouture de la chanson « Les Années » avec la participation de l’artiste Belge Témé Tan, chanson évoquant l’intemporalité de l’amour avec une touche de nostalgie.

Tirant son nom d'une petite bourgade francophone isolée dans l’immensité des prairies canadiennes, Ponteix apparaît tel un symbole de résilience. Avant le projet Ponteix, le multi-instrumentiste Fransaskois Mario Lepage publiait sa musique sous son propre nom, se produisant principalement en tant que musicien solo. C’est en 2016 que Ponteix se concrétise avec un premier EP J’Orage, suivi de Bastion, son premier album (2019). On découvre alors au travers de ces œuvres une affirmation identitaire portée par la recherche d’authenticité.

TRACKLISTING
Amélia
Les années
La bohème
Cette Fumée
Never Settle
Les années feat. Témé Tan

CRÉDITS
Musique: Mario Lepage
Paroles: Mario Lepage, Témé Tan (sur Les années feat.Témé Tan)
Réalisation / Prise de son: Mario Lepage, Tanguy Haesevoets (sur Les années feat.Témé Tan)
Mix: Fred Levac
Musiciens : Mario Lepage et Blaise Borboën-Léonard (sur Les années ft Témé Tan et Les années)
Arrangement de cordes : Blaise Borboën-Léonard (sur Les années ft Témé Tan et Les années)
Matriçage: Richard Addison (Trillium Sound)


Men Without Hats

https://youtu.be/3zUUtf7gOe8

Information : Simon Fauteux

EN SPECTACLE
23/02 - Gatineau - Maison de la Culture
24/02 - St-Hyacinthe - Centre des arts Juliette-Lassonde
28/02 - Terrebonne - Théâtre du Vieux-Terrebonne
01/03 - Trois-Rivières - Salle J-Antonio-Thompson
02/03 - Laval - Salle André Mathieu
03/03 - Victoriaville - Salle Les Frères-Lemaire
04/03 - Drummondville - Salle Léo-Paul Therrien
05/03 - Québec - Salle Albert-Rousseau

Montréal, octobre 2022 - Après avoir lancé le EPs Again Pt.1 en 2021 - qui rendait hommage à certains de leurs artistes préférés - et Again Pt 2, premier album de chansons originales en 10 ans le printemps dernier, le mythique groupe Men Without Hats composé d’Ivan et Colin Doruschuk et du guitariste guitariste Sho Murray, amorcera sa tournée québécoise le 23 février à la Maison de la culture de Gatineau.

Le groupe visitera ensuite St-Hyacinthe (24/02), Terrebonne (28/02), Trois-Rivières (01/03), Laval (02/03), Victoriaville (03/03) et Drummondville (04/03) pour terminer à Québec le 5 mars à la Salle Albert-Rousseau. Retrouvez tous les détails au https://tour.safetydance.com/

Heureux et excité d’enfin revenir jouer au Québec – là où tout a commencé, le groupe interprètera des nouvelles chansons tirées des deux EP, ainsi que les chansons phares de son large répertoire. Cette tournée « retour-aux-sources » marquera les premiers spectacles de Men Without Hats depuis 2020 et s’annonce déjà comme étant mémorable!

« Enregistrer ce disque a été une expérience presque magique. Nous avons monté notre propre studio dans une maison au sommet des montagnes surplombant l'océan Pacifique sur l'île de Vancouver et avons passé sept mois dans un isolement total à faire de la musique du lever au coucher du soleil, avec seulement une famille de 13 paons comme compagnie. Certaines des chansons sont nouvelles, certaines ont été écrites au cours des 10 dernières années sur la route, faisant des démos à l'arrière du bus de tournée, et certaines ont été écrites dans les années ‘80 et n'ont jamais été enregistrées jusqu'à présent. Le nouvel album est une bonne fenêtre sur la situation actuelle du groupe après s'être reformé en 2010, et c'est un excellent aperçu des choses à venir »

- Ivan Doroschuk à propos de l’enregistrement des EP Again pt.1 et Again pt.2

Depuis 10 ans, Men Without Hats fait le tour du monde avec la crème de la royauté des années 1980, jouant pour des foules en Amérique du Nord et du Sud, en Europe, en Scandinavie, en Jamaïque, en Australie, au Mexique et en Afrique du Sud, atteignant en fait encore plus de fans et de pays qu’à l’époque. Le son unique et le message de Men Without Hats résonne auprès d'une nouvelle génération de fans qui désirent ardemment comprendre et apprécier les influences des années 1980 dans leur son actuel.

Dans le cadre de leur 40e anniversaire, Men Without Hats a vu ses chansons « The Safety Dance » et « Pop Goes The World » intronisées au Temple de la renommée des auteurs-compositeurs canadiens. 2022, est également le 40e anniversaire du premier album Rhythm Of Youth. Le groupe planifie une tournée canadienne ainsi que des tournées aux États-Unis, en Grande-Bretagne et en Europe.

Source : Men Without Hats

Billets : https://tour.safetydance.com/


Paul DesLauriers et Annika Chambers

https://youtu.be/BUjh0N1EILg

Information : Simon Fauteux

Montréal, octobre 2022 - Tous deux reconnus internationalement, l’as-guitariste québécois Paul DesLauriers et la chanteuse américaine Annika Chambers fusionnent leurs carrières et feront paraître l’album Good Trouble le 4 novembre via Disques Bros. Ce premier album du duo est puissant, engagé et met en lumière leurs incroyables talents respectifs. Good Trouble est une rencontre entre la puissante voix d’Annika Chambers et la virtuosité guitaristique de Paul DesLauriers, comme si Mavis Staples rencontrait Joe Bonamassa.

Enregistré à West Palm Beach et réalisé par DesLauriers et Chambers, Good Trouble est composé de chansons originales influencées par le mouvement Black Lives Matter et de relectures soigneusement choisies dont « Isn’t It A Pity » (George Harrison), « Walk A Mile In My Shoes x (Joe South) ou encore l’immortelle « Mississippi Queen » de Mountain,

« La production de l’album s’est étalée sur plusieurs mois. Ce qui était à l’origine une « thérapie Covid » avec nos talentueux amis JP Soars et Chris Peet, s’est transformé en un merveilleux projet musical. Nous avons enregistré les chansons tous rassemblés dans la même pièce, juste pour le plaisir. Nous avons capturé bien plus que ces moments particuliers, une réelle énergie brute anime l’album » - Paul DesLauriers

Annika Chambers a remporté deux titres de « Soul Blues Female Artist of the Year » aux Blues Music Awards aux États-Unis et Paul DesLauriers a été élu « Entertainer of the Year » deux fois au Maple Blues Awards en plus de terminer deuxième au International Blues Challenge à Memphis en 2018.

CRÉDITS
Paul DesLauriers : Guitares, voix (6), choeurs (5), Cigar Box Guitar et Dobro (4), Mandoline (1), Basse (10 & 11), Handclaps & Gang Vocals (2 & 11)
Annika Chambers : Voix, Handclaps & Gang Vocals (11)
JP Soars : Guitare (1,2,3,4,5,7,8,10), Basse (4 & 11), Handclaps & Gang Vocals (2 & 11)
Chris Peet : Batterie & Percussion (1,2,3,4,5,7,8,10,11), Basse (1,2,3,8), Handclaps & Gang Vocals (2 & 11)
Gary Davenport : Basse (5 & 7)
Alec McElcheran : Basse (6 & 9)
Bernard “Bingo” Deslauriers : Batterie (6 & 9)
Barry Seelen : Orgue Hammond B-3 (3,5,6)
Kim Richardson : Choeurs (1,2,4,5,7)

TRACKLISTING
1 - You’ve Got to Believe (Chambers, DesLauriers, Peet, Soars, Davenport)
2 - Stand Up (Chambers, DesLauriers, Peet, Soars)
3 - Isn’t It a Pity (George Harrison)
4 - Heavy Load (Chambers, DesLauriers, Peet, Soars)
5 - Walk A Mile in My Shoes (Joe South)
6 - Need Your Love So Bad (William Edward John, Mertis John Jr.)
7 - We Got the Blues (Cassie Taylor)
8 - I’m Going To Live The Life I Sing About In My Song (Dorsey, Chambers, DesLauriers, Peet, Soars)
9 - Money’s Funny (B. Washington)
10 -Mississippi Queen (Laing, Rea, Pappalardi, West)
11 - I Need More Power (Public Domain)


Radio Radio

https://www.youtube.com/watch?v=bM6qlhaWfT8

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, octobre 2022 – Le dynamique duo Radio Radio partage aujourd’hui l’extrait Bitcoin Blowup tiré de son album À la carte et lance par la même occasion une collection NFT (non-fungible token / jeton non fongible). Dès son arrivé sur la scène musicale canadienne Radio Radio a su utiliser les technologies émergentes afin de rejoindre son public de façon créative, que ce soit avec ses vidéoclips originaux ou en développant des relations avec ses fans via l’internet avant que cela devienne pratique courante.

« Je m’en souviens quand on est arrivé avec notre offre de merch unique de Belmundo Régal; notre Livre de Recette et suggestions de style de vie, ainsi que le souper 10 services à 1000$, les médias étaient impressionnés de voir qu’on utilisait l’internet de cette façon pour connecter avec nos fans » explique Gabriel.

« Faut aller où est-ce que le puck s’en vas » déclare Gabriel. « Dans le contexte de l’industrie musicale, le puck s’en va vers le Web 3.0 (et les NFT). Un NFT garantit la propriété exclusive d'un actif numérique et est un projet qui permet de démocratiser l'industrie de la musique et d'offrir un meilleur partage de revenus. Nos fans, certainement ceux plus adeptes aux technologies, seront content de savoir que le groupe offre maintenant une collection qui comprend trois NFT de Bitcoin Blow-up sur la plateforme d’échange NFT  Foundation : https://foundation.app/@radioradio ». Radio Radio offre donc le premier NFT de l’histoire créé par un artiste/groupe Acadien et le premier par un artiste/groupe francophone Canadien

UNE COLLECTION DE TROIS NFT
La collection NFT de Bitcoin Blow-up comprend 3 œuvres NFT : Chaque œuvre comprend un certificat d’authentification prouvant que l’acheteur est seul propriétaire unique de l’œuvre.

Or (11 000 $) (1/1)
Vous rêvez que votre groupe préféré vous immortalise sur le web en poésie et en chanson? Lorsque vous achetez ce NFT unique, original et authentifié, Radio Radio s’engage à écrire une chanson à votre nom dont vous serez le seul et unique propriétaire. Notre inspiration pour écrire votre toune proviendra de votre empreinte numérique (par exemple du contenu de votre compte Instagram). Vous recevrez 100 % des droits des bandes maîtresses, ce qui vous permettra de recevoir des revenus à perpétuité pour la diffusion de votre chanson.

Argent (10 000 $) (1/1)
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Bronze (500 $) (20/20)
Vous serez ajouté (avec +1) à la guest list de tous les shows de Radio Radio et ça, pour la vie. (*Ne s’applique pas aux shows de festivals.)

LES ŒUVRES - Unique, originale et authentifiée : La création de l’art numérique du visuel a été conçu avec BLNK, une agence créative multidisciplinaire qui en plus de créer des œuvres digitales offre des conseils pour la mise en marché de cette nouvelle forme d’œuvre. Le visuel d’arrière-plan a été créé par l’équipe du photographe Félix Renaud et le concepteur 3D Philippe Richelet.

IMPACT ENVIRONNEMENTAL : Pour contrer l’empreinte carbone, créé par la création du NFT, Radio Radio investira dans des projets durables du site https://offsetra.com.

CRÉDITS MUSICAUX : Bitcoin Blow-up a été réalisée par Real Mind (Jeff-Marco Martinez Lebron ) en collaboration avec France Book ( Vallaire) et du guitariste Kim Ho.

Source : Radio Radio
Pistage : Torpille


FouKi

https://youtu.be/DWYFl9F_14U

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

EN SPECTACLE
08/04/23 – Laval – Place Bell

Montréal, octobre 2022 - Dans une Merco, dans un bateau, à pied ou à vélo, FouKi en a fait du chemin depuis ses débuts dans le paysage musical québécois.

L’interprète masculin de l’année à l’ADISQ en 2021 et figure de proue du rap québécois est à la poursuite du bonheur dans son nouvel extrait « Zayon », cet endroit idyllique où il prépare son nouvel album dont la sortie est prévue au début 2023.

Sur une production musicale signée FouKi, Pops and Poolboy, Ruffsound & QuietMike, l’agent 00-Zay et sa partner de vie, vous donnent rendez-vous en direction du Zayon, ainsi qu’à sa première Place Bell de Laval le 8 avril 2023. FouKi et sa troupe sont impatients de vivre avec vous cette soirée historique en direction du Zayon, restez à l’affût… Des annonces de luxe des plus ZayZay sont à venir ! 

J’suis parti au Zayon
Dans un bateau, ou
Sur la route du Zayon
Sur un radeau, ou
Là où tout rayonne
À pied ou à vélo
Sur la route du Zayon
Vers l’El Dorado

Crédits
Interprété par : FouKi
Écrit par : Léo Fougères, Clément Langlois-Légaré, Adel Kazi-Aoual, Marc Vincent, Tom St-Laurent
Réalisation : FouKi, Pops and Poolboy, Ruffsound, QuietMike
Mix & Master : Nikola Feve ‘’Nk.F’’

Source : Disques 7ième Ciel


Daniel Bélanger

https://youtu.be/U9rLnyBNBAE

Information : Simon Fauteux

EN SPECTACLE AU MTELUS LES 16 ET 17 MAI PROCHAIN
À LA SALLE WILFRID-PELLETIER LE 16 JUIN DANS LE CADRE DES FRANCOS DE MONTRÉAL

Montréal, octobre 2022 - L’album tant attendu de Daniel Bélanger « Mercure en mai » sera disponible partout dès vendredi via Secret City Records. Aujourd’hui, Daniel dévoile un dernier extrait avant la sortie, la pièce « Il faut s’accorder ».

« Je me crée une toute petite
Toute petite Californie
Il faut s’accorder en genre et en nombre
Même dégenré, même dénombré
Il faut s’accorder »

Précommandez « Mercure en mai »

Daniel Bélanger est heureux d’annoncer les premiers spectacles de cette nouvelle offrande. Deux dates au MTelus, les 16 et 17 mai constitueront sa rentrée montréalaise au printemps. Les concerts au MTelus sont une présentation de Bonsound, alors qu’un mois plus tard les Francofolies de Montréal accueilleront l’auteur-compositeur-interprète le 16 juin à la salle Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts. Les billets seront en vente dès vendredi (14 octobre) à midi. Achetez vos billets ICI.

Le premier extrait « J’entends tout ce qui joue (dans ta tête) » enflamme la province depuis sa sortie fin août ! La pièce a été #1 des ventes des chansons francophones deux semaines d’affilée et l’extrait est toujours en réaction forte au palmarès BDS. L’extrait poignant « Dormir dans l’auto » est disponible depuis le 22 septembre sur les plateformes numériques.

Daniel Bélanger vient également de faire paraître un recueil de poésie intitulé « Poids lourds » aux éditions des Herbes rouges, disponible ICI.

Par une froide matinée de février 2021, au cœur de la énième vague pandémique, Daniel Bélanger déambulait sur une rue du quartier Mile-Ex. Les mains au fond des poches, la tête dans les épaules, il était perplexe devant les mille et une conséquences de l’urgence sanitaire et en particulier devant l’impossibilité de s’asseoir au chaud dans un café, comme il aime tant le faire.

Après un arrêt à un comptoir où il a ses habitudes, où il venait de commander un latte pour emporter, il a reconnu quelqu’un parmi un petit groupe de badauds agglutinés autour d’un banc public. Salutations, présentation aux uns et aux autres, début de discussion : Daniel Bélanger ne le savait pas encore, mais il venait de se faire de véritables amis, avec qui, à coup d’échanges autour d’un gobelet fumant, il a traversé les semaines de confinement qui s’amorçaient.

On pourrait dire que chacun des dix titres de Mercure en mai provient d’un tel hasard, comme un fruit de l’inattendu. Des mots attentifs aux étonnements, au soudain, à ces « petites Californies » qui dorment au fond de nous ; des musiques naviguant entre le minimal et le luxuriant, avec motifs en boomerangs et passages secrets : tout ici raconte l’impromptu, ce qui échappe aux agendas et à la raison.

À ses côtés, une équipe légère formée de Guillaume Doiron (basse) et Robbie Kuster (batterie), qui ont fait quelques arrêts au studio de Daniel avant que Pierre Girard n’assure le mixage de ce Mercure en mai hypnotisant, la bouffée d’oxygène dont nous avions toutes et tous besoin.

Daniel Bélanger n’a plus besoin de présentation. Un auteur-compositeur-interprète adoré du public avec plus de dix albums derrière lui, une multitude de Félix remportés et de Disque d’Or et de Platine attribués à son œuvre, Bélanger poursuit sa création librement. Récipiendaire du Félix pour l’album instrumental de l’année au dernier gala de l’ADISQ, le public a pu le voir lors de récents concerts dans quelques festivals cet été.

Liste des morceaux :
Au vent des idées
Soleil levant
Dormir dans l'auto
Joie
Oh no !!!
J'entends tout ce qui joue (dans ta tête)
Pendu aux étoiles
Avec des fleurs
Hiatus
Il faut s'accorder


Gabrielle Shonk

https://youtu.be/VIMSvniTg3Y

Information : Simon Fauteux

EN SPECTACLE
19/11 - Victoriaville - Cabaret Guy Aubert
24/11 - Jonquière - Côté Cour
25/11 - Montmagny - Salle Promutuel
2023
27/01 - Lasalle - Cabaret des Pas Perdus - Theatre Desjardins

Montréal, octobre 2022 - L'autrice-compositrice-interprète de Québec Gabrielle Shonk partage l’extrait « How We Used To Be », sa première nouveauté musicale depuis cinq ans. La chanson, tirée de son prochain album à paraître à l’hiver 2023 via sa nouvelle étiquette Arts & Crafts, raconte le chagrin et l'espoir qui accompagne les fins et les nouveaux départs.

« How We Used To Be » marque un nouveau chapitre dans la carrière de la talentueuse Gabrielle Shonk.

Après avoir quitté le label qui a lancé son premier album, elle a utilisé sa nouvelle liberté de création pour collaborer avec des amis de longue date - le co-compositeur Jessy Caron (Men I Trust) et le réalisateur Jesse Mac Cormack (Helena Deland). Le résultat en est un extrait aux douces teintes de R&B, explorant la nostalgie romantique en se remémorant une relation avant qu'elle ne s'effondre.

« How We Used To Be est une balade émotive qui raconte l’histoire d’une relation amoureuse difficile à quitter » explique la chanteuse nommée aux prix JUNO. De délicates lignes de piano et une douce guitare acoustique accompagnent la magnifique voix de Gabrielle Shonk, rappelant un moment dans une relation avant qu'elle ne devienne toxique. ‘I hate you, I love you, I miss you,’ chante Shonk avant que l’émouvant refrain ne reflète sur des temps plus heureux -  ‘Touch my hand, gently / Talk to me, it’s soothing / Make me see how we used to be.’

 « Comment reconnecter avec son amour propre? Il est d’abord important de reconnaître et comprendre qu’on s’est perdus et écartés du chemin. Comment ensuite commencer à se reconstruire et se réinventer? » Cinq ans après son premier album, voici le voyage que Gabrielle Shonk propose avec son deuxième album dont la sortie est prévue pour l'hiver 2023.

Source : Arts & Crafts


poolblood

https://youtu.be/9ZVE0TCFIL4

Co-réalisé avec Shamir et Louie Short avec les participations de Christian Lee Hutson, Eliza Niemi, Dorothea Paas et Grant Pavol

Information : Simon Fauteux

Montréal, octobre 2022 - poolblood (she/they), nom-de-plume de la torontoise Maryam Said, fera paraître son premier album, mole, le 13 janvier via Next Door Records (The Weather Station, Ada Lea, Charlotte Cornfield, Patrick Holland, Hua Li 化力). Elle partage l’extrait « shabby », accompagné d’un clip qu’elle a réalisé, mettant en vedette ses amis proches et collaborateurs créatifs Shamir et Drew Harmon – qui jouent de la guitare et de la batterie sur l’extrait – alors qu'ils explorent de manière ludique le nord-ouest du Pacifique. « C'est une vidéo trippante célébrant l'amitié ! » dit Maryam. « J'ai écrit ça en pensant à l'un de mes meilleurs amis car je voulais vraiment écrire quelque chose pour exprimer mon amour pour mes amis. »

Il est donc normal que l'album soit rempli de collaborateurs, chacun apportant ses talents et ses compétences uniques dans le mélange. Louie Short et Shamir ont travaillé avec Said en tant que réalisateurs sur le projet et ont joué sur un certain nombre de morceaux en plus de musiciens comme Christian Lee Hutson, Eliza Niemi, Dorothea Paas, Grant Pavol, Victoria Bury, Annie Truscott, Nick Short et Drew & Jeremy Harmon. L'impact de la connexion entre les musiciens est non seulement au centre des chansons, mais au cœur de ceux qui créent le paysage musical sous-jacent qui se fait sentir alors que la sensibilité de chaque nouveau batteur, guitariste ajoute un élément nouveau au disque.

Avec mole, poolblood a conçu un album centré sur des histoires d'amitiés profondes et durables, romantiques et platoniques, qui coulent si profondément sous la surface qu'elles deviennent la racine de tout ce qui pousse au-dessus. « Je voulais capturer tous les moments inconfortables de toutes mes relations, écrire sur l'inconfort et ne pas le sensibiliser » explique-t-elle. mole est un album plein d'humour et d'émerveillement, dansant de manière ludique et tendre, groovant au rythme d'un cœur qui bat.

Élevée dans une famille religieuse à l'écart de la musique populaire, Maryam s'est néanmoins retrouvée attirée par la musique de Yusuf Islam (Cat Stevens) et plus tard par des artistes comme Fiona Apple, Nick Drake, Ichiko Aoba, Yuck, Title Fight, The Apples in Stereo, Mitski et Deftones pour ne nommer que ceux-là. Canalisant ces influences, ainsi que des films comme My Own Private Idaho, Said choisit à travers de l'art qu'elle absorbe et utilise certains éléments dans ses propres créations, en tirant les leçons de ce qui l’a le plus marqué pour perfectionner son art.

Tout au long de mole, poolblood sert de guide à travers un monde qu’elle a créé, luxuriant, dense et beau tout en étant clairsemé, tendre et révélateur. poolblood est une invitation au voyage, l'offre de l'étendue d'un univers musical en constante expansion.

Source : Next Door Records


Sébastien Lacombe

https://www.youtube.com/watch?v=BPHpRZJrOOs

Information : Simon Fauteux

En spectacle
07/11 – Montréal – Le Ministère (Coup de cœur francophone) / plateau double avec Lonny

Montréal, octobre 2022 –L’auteur-compositeur-interprète Sébastien Lacombe partage aujourd’hui l’extrait « Tout est parfait » tiré de son 6e album studio Le chemin des possibles, lancé en avril dernier. Écrite une première fois au début du projet et complètement réécrite à la fin, « Tout est parfait » est la chanson centrale du disque qui parle de la résilience sur le chemin parcouru et celui à venir. Lacombe revient tout juste d’une randonnée en survie dans la nature de la Californie sur la High Sierra Trail et présente le nouveau clip de la chanson sur des images à couper le souffle.

Comme une bonne nouvelle ne vient jamais seule, Lacombe est en nomination aux prochains Canadian Folk Music Awards dans la catégorie French Songwriter(s) of the Year / Auteur-compositeur(s) francophone de l’année pour Le chemin des possibles. Le gala se tiendra en mars 2023 à Vancouver.

Je marche sur un highway
Tout me dépasse
Et je m’en fous
Je m’en vais à mon rythme 

I’m doing it my way
Comme un seul homme
Et avec l’aide de tous les miens 

Tout tout tout tout est parfait comme ça 

Sébastien Lacombe montera sur la scène du Ministère le 7 novembre prochain en plateau double avec Lonny dans le cadre du Coup de cœur francophone. Il livrera une version intimiste de l’album Le chemin des possibles, un voyage musical à travers la vie humaine, en passant par ses combats et ses moments précieux. Lacombe y raconte à la fois notre fragilité et notre force sur le chemin de la vie, avec tous ses imprévus et ses points tournants.

Le chemin des possibles a été coréalisé par Sébastien Lacombe et Olaf Gundel, sous la direction artistique d’Erik West-Millette. L’album marque un retour vers le français, langue maternelle de Lacombe, qui lui était essentiel afin de bien exprimer l’esprit du disque, qui se veut son plus personnel en carrière. « Cet album a été écrit pendant une époque tumultueuse avec la pandémie comme décor mais aussi, et en avant plan, la maladie incurable de mon grand frère qui finit par avoir raison de lui, j’ai eu l’honneur d’être son proche aidant pendant cette période » explique Sébastien.

Source : L-A be


Oscar Peterson

https://www.youtube.com/watch?v=G5YC3q8Si5Y

Information : Simon Fauteux

Montréal, octobre 2022 - Le légendaire pianiste et compositeur légendaire Oscar Peterson a mené une carrière riche en histoire, s'étendant sur plus d'un demi-siècle, atteignant de nouveaux sommets créatifs à chaque tournant. En 1971, Peterson fait à nouveau le tour du monde en compagnie du bassiste Niels-Henning Ørsted Pedersen et le batteur Louis Hayes. Comme entendu dans cet enregistrement live inédit de Zurich, en Suisse, la collaboration et le talent artistique entre ces musiciens sont inégalés. Ce groupe n'a joué ensemble qu'en 1971 et On a Clear Day est le seul autre album enregistré mettant en vedette les trois musiciens, à l'exception d'un album studio intitulé Great Connection.

Comme le savent tous ceux qui comprennent le grand art du jazz, plus un ensemble joue ensemble, plus la connexion est grande, plus la synergie est parfaite et, par conséquent, plus l'expérience d'écoute est enrichissante.

Cette performance, enregistrée à la toute fin de leur seule tournée, montre le groupe au sommet de sa majestueuse maîtrise créative. Peterson n'était pas un leader qui s'attendait simplement à ce que ses accompagnateurs se conforment à sa propre idée préconçue de ce que la musique devrait être. Au lieu de cela, il s'est nourri de leur talent artistique individuel pour former une entité unique pour chaque manifestation particulière de son concept de trio.

Alors que la longévité de sa relation avec le mythique bassiste Ray Brown (notamment avec le batteur Ed Thigpen), et une séquence plus courte mais non moins percutante avec le tandem de Sam Jones et Louis Hayes, démontrent toutes deux la magie inhérente aux interactions musicales intenses, une collaboration avec un esprit créatif aussi magistral qu'Ørsted Pedersen peut être tout aussi enrichissante - comme le prouve parfaitement cet album. Comme Peterson l'a écrit dans ses mémoires sur le maître danois de la basse « Son sens mélodique est impeccable, son choix de séquences harmoniques est un pur délice à jouer, et son temps est sans faille ». De sa relation avec Hayes, il a succinctement déclaré « Cela m'a brisé le cœur quand Louis Hayes et moi avons dû nous séparer ». S'inspirant puissamment de la nouvelle combinaison jouant avec lui, Peterson s'en est délecté dès le premier soir. « Je me suis totalement amusé, jetant tout dans cette nouvelle sensation derrière moi ».

Cette étincelle est évidente sur cet album, encore affinée par la fusion naturelle des trois artistes magistraux en une seule force créative à trois volets.

MUSICIENS
Oscar Peterson – piano
Niels-Henning Ørsted Pedersen – bass
Louis Hayes – drums

Tracklisting

  1. The Lamp is Low 7:35
  2. Younger Than Springtime 7:00
  3. On a Clear Day 6:15
  4. Young and Foolish / A Time for Love 10:27
  5. Soft Winds 8:08
  6. Mack the Knife 8:58
  7. Where Do I Go From Here? 7:39
  8. On the Trail 6:42

Source : Two Lion / Mack Avenue


O.R.k.

https://www.youtube.com/watch?v=uuiubi2idrw&ab_channel=Kscope

Information : Simon Fauteux

Montréal, octobre 2022 - Le nouvel album du groupe O.R.k. composé de l'ex-bassiste de Porcupine Tree Colin Edwin, du compositeur/chanteur LEF, du batteur Pat Mastelotto (King Crimson) et de Carmelo Pipitone (Marta Sui Tubi) à paraître le 21 octobre via Kscope. Expansif et émotif, Screamnasium est l'album le plus essentiel de la formation O.R.k à ce jour. Spontané et intense, c’est sans contredit la déclaration la plus concise des objectifs sonores du groupe.

La pièce d’ouverture et premier extrait « As I Leave » offre une forme distillée de l'esprit de O.R.k. La voix puissante de Lef, les riffs énergiques de Carmelo Pipitone, les rythmes inventifs de Pat Mastelotto et les basses distinctives de Colin Edwin insufflent à Screamnasium une nouvelle intensité. Les niveaux d'énergie sont maintenus tout au long des 42 minutes de l’album sur lequel O.R.k. plaide en faveur de l'optimisme, de la tolérance et de l'empathie à travers des hymnes remplis d'espoir pour un monde…de plus en plus incertain.

Un des points forts de l’album est « Consequence », pièce sur laquelle Lef est en duo avec le phénoménale Elisa, connue hors de son Italie natale pour sa collaboration avec le légendaire Ennio Morricone sur la bande originale de Django Unchained de Quentin Tarantino. La pièce de clôture « Someone Waits » met en vedette la violoncelliste virtuose Jo Quail qui propose des mélodies séduisantes pour amener Screamnasium à une finale dramatique et inattendue.

« En ce moment, Screamnasium me semble être l'album que nous essayons de faire depuis que nous avons conçu le groupe, à la fois sur le plan sonore qu’en termes d'écriture et de sujet. Nous jouons tous les quatre avec nos forces naturelles et nous avons réussi à exprimer à la fois la lumière et l'ombre et toutes sortes de couleurs entre les deux. Il reflète nos passés récents et dirige une certaine énergie vers un avenir plus prometteur. Pour moi, l'album est une sorte de dépuratif, j'espère vraiment que c’est le sentiment qui en ressortira » - Colin Edwin

Le duo créatif composé du directeur artistique Adam Jones (de Tool) et de l'illustrateur Marvel/DC Comics Denis Rodier a géré l'illustration et le design et créé une pochette emblématique avec un visuel remarquable. Le mix et le mastering ont été confié à Machine (Lamb of God, King Crimson, Clutch).

Englobant un large éventail de paysages émotionnels, Screamnasium est l’antidote parfait pour nos temps troublés.

O.R.k. :
Lorenzo Esposito Fornasari a.k.a LEF - voix
Pat Mastelotto – batterie
Colin Edwin – basse
Carmelo Pipitone – guitares

Source : Kscope


Minor Empire

https://youtu.be/FpwqIqFVLus

Information : Simon Fauteux

EN SPECTACLE
Sonic Colliders Kick-Off Series featuring Avi Bortnick
28/10 – Toronto - Small World Music
29/10 – Montréal - Olympia Reception Hall

2023
Sonic Colliders International Series featuring Norway’s Eivind Aarset
12/01 – Toronto - Small World Music
13/01 – Ottawa – Arts Court
14/01 – Montréal - Sala Rosa

Sonic Colliders Middle Eastern Series featuring Ara Dinkjian
24/03 – Toronto - Small World Music
25/03 – Montréal – Gesù

Montréal, octobre 2022 – Le groupe torontois Minor Empire présentera une série de concerts collaboratifs sous la bannière Sonic Colliders à Toronto, Ottawa et Montréal au cours des prochains mois. La série verra Minor Empire partager la scène avec le guitariste américain de renommée mondiale Avi Bortnikle le 28 octobre (Toronto) et le 29 octobre (Montréal), pour ensuite inviter le guitariste norvégien Eivind Aarset les 12, 13 et 14 janvier prochain à Toronto, Ottawa et Montréal respectivement. 

La série Sonic Colliders se terminera le 24 et 25 mars 2023 alors que le oudiste arméno-américain new-yorkais Ara Dinkjian sera de la partie à Toronto et Montréal respectivement.

« …la façon dont leur son brouille les frontières entre la musique turque électronique et traditionnelle est exceptionnelle... sinistre et psychédélique » - CBC Radio à propos de la musique de Minor Empire

La musique de Minor Empire transporte les auditeurs dans un voyage musical imaginaire. Leur son et leur style unique défie largement les catégorisations et les stéréotypes. Leur mélange de musique moyen-orientale, de rock, de jazz et d'ambiances sonores contemporaines a attiré des fans de partout. Leurs vidéos sur internet ont accumulé des millions de vues à travers le monde. Cette série de concerts en trois parties mettra en vedette Minor Empire se produisant et collaborant en temps réel avec ses invités spéciaux. Des grooves profonds aux solos scintillants et aux explorations inattendues, ces concerts promettent d'être des expériences sonores uniques pour les fans de musique cinématographique, diversifiée et émouvante.

Le coleader Ozan Boz a déclaré à propos de la série: « Ce sont les musiciens qui ont façonné nos goûts musicaux et qui ont eu un grand impact sur la façon dont nous abordons la création musicale. Le rythme puissant et propulsif d'Avi, les paysages sonores d'un autre monde fourmillant d'Eivind et les mélodies émouvantes d'Ara nous ont tous inspiré et nous ont influencé au fil des ans. Nous sommes plus qu'enthousiasmés par la magie qui sera créée et partagée sur scène ». 

SONIC COLLIDERS – LES INVITÉS

* Avi Bortnick est un guitariste de jazz américain qui est reconnu grâce à son association avec le légendaire John Scofield. Bortnick a rejoint le groupe de Scofield en 2000 et apparaît sur Überjam, Up All Night et Überjam Deux en tant que musicien et coréalisateur. Avi est l’un des musiciens les plus originaux de la scène musicale et son groove sera assurément un moment fort de la série d'ouverture.

** L'un des improvisateurs les plus innovants de notre époque, le guitariste Norvégien Eivind Aarset possède une technique originale et tout à fait singulière. Il est un collaborateur vorace et a travaillé sur des dizaines d'albums avec de nombreux musiciens révolutionnaires dont Jon Hassell, Nils Petter Molvaer, Bill Laswell et Dhafer Youssef. Il a également lancé plusieurs albums sous son propre nom sur le label Jazzland. Son premier album en tant que leader ont été décrit par le New York Times comme « l'un des meilleurs albums de jazz électrique post-Miles ». Eivind poussera assurément encore plus loin les horizons sonores déjà vastes du groupe lors de ces concerts uniques.

*** Ara Dinkjian est un joueur de oud arméno-américain de New York. Tout au long de sa vie musicale, Ara a développé un style de composition très personnel qui mélange harmonieusement ses racines orientales et occidentales. Il a enregistré quatre CD pour RCA/BMG et Universal/Polygram. Son œuvre montre comment la musique peut être progressive et créative tout en conservant la dignité et l'âme de sa culture. Considéré comme l'un des meilleurs joueurs de oud au monde, ses compositions ont été enregistrées dans 13 langues différentes. Attendez-vous à une soirée d'explorations musicales du Moyen-Orient profondément enracinées dans cette conclusion spéciale de la série Sonic Colliders.

Un espace portail spécial Hightail avec mp3 haute résolution, photos, biographies et vidéos célébrant la musique de Minor Empire et de leurs trois invités très spéciaux dans la série Sonic Colliders peut être trouvé ici : https://spaces.hightail.com/space/c5pgS6k5va

Source : Minor Empire


Maneige

https://www.youtube.com/watch?v=uo2dazo2sbs

Information : Simon Fauteux

7 et 8 octobre – Repentigny - Théâtre Alphonse-Desjardins à 20h
Billets

Montréal, octobre 2022« Maneige est le groupe de rock progressif québécois qui renait lorsque l'on s'y attend le moins » peut-on lire sur la page Facebook du mythique groupe progressif instrumental actif de 1972 à 1984. Comme de fait, le temps d’une nouvelle renaissance est venu!

Maneige effectuera son retour sur scène les 7 et 8 octobre en exclusivité au Théâtre Alphonse-Desjardins de Repentigny.

Après presque 40 ans d’absence, les membres originaux de Maneige - Alain Bergeron (flûte, saxophone), Yves Léonard (basse), Gilles Schetagne (batterie), Denis Lapierre (guitare,1975-1982) et Paul Picard (percussions 1973-1984) - seront accompagnés du vibraphoniste Jean Vanasse et du claviériste Jean-François De Bellefeuille pour ce retour sur scène où ils présenteront un répertoire tiré principalement du disque Libre-Service de 1978 ainsi que des pièces choisies des albums Ni vent, ni nouvelle (1977), Montréal 6 AM (1980) et Images (1983).

En 2018, tous les membres ayant participé à l’album Libre-Service se sont rencontrés dans un but simplement amical, pour le plaisir de jouer cette musique qui conserve encore aujourd’hui son originalité. Après quelques répétitions, il fut convenu d’ajouter des pièces des albums Ni vent ni nouvelle, Composite (le live de 1979), Montréal 6 am et de Images. Tous les musiciens furent fort heureux et excités de constater qu’après près de quarante ans sans jouer ensemble, tout baignait dans l’huile…comme autrefois!

Maneige, Libre-service 2022. Une musique intemporelle, 7 musiciens exceptionnels, de retour sur scène, pour vrai!

À propos du Théâtre Alphonse-Desjardins 
Pièce maîtresse de l’Espace culturel de Repentigny, le Théâtre Alphonse-Desjardins est un lieu animé, vivant et accessible où la culture se déploie sous toutes ses formes! Les formidables capacités acoustiques ainsi que les différentes configurations de cette nouvelle salle, dont l'ouverture a eu lieu au printemps 2021, permettent au public de maximiser leur expérience en assistant aux spectacles de leurs artistes préférés dans une ambiance sur mesure.

Source : Théâtre Alphonse-Desjardins


Greg Beaudin

https://www.youtube.com/watch?v=__kFT4b-3WI

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, septembre 2022 – Après avoir lancé la chanson Woah là! en juin dernier, l’auteur-compositeur-interprète Greg Beaudin partage aujourd'hui « Big boy », nouvel extrait de son album à paraître bientôt. Dans cette chanson, le rappeur dresse un portrait de lui-même à travers les yeux d’une femme dont il serait amoureux et idéalise une relation éventuelle entre lui et elle, tout en se contemplant dans le reflet de ses yeux.

« Regarde-moi dans les yeux que j’puisse me voir »

Greg Beaudin a toujours su se démarquer sur la scène hip-hop québécoise. Étant un passionné d’impro et de rap battles, il débute sa carrière en participant à plusieurs WordUp! Battles où il fait d’ailleurs la connaissance d’autres artistes avec qui il forme en 2011 le groupe Dead Obies ; une référence hip-hop au Québec.

Accompagné de son frère David Beaudin-Kerr (alias Jam), et de son père d’origine jamaïcaine Robin Kerr (Uprising), le groupe Brown Family voit le jour en 2016. De cette union familiale découle le premier album Brown. Juxtaposant hip-hop, reggae, soul et dancehall, leur premier album fut un franc succès. Suivra le EP POPLUV (2017) et l’album brown baby gone (2019).

Crédits Big boy
Auteurs :
Gregory Beaudin (Greg Beaudin)
Charles Couture Madore (Worry)

Compositeurs :
Charles Couture Madore (Worry)
Jean Michel Frédéric (JMF)

Source : Disque 7ième Ciel


SYML

https://youtu.be/9106N-EhQH0

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2022 – L’auteur-compositeur-interprète et réalisateur Brian Fennell aka SYML partage aujourd’hui l’hypnotique extrait « Lost Myself », mettant en vedette le chanteur et leader Guy Garvey de la formation Elbow. Fennell, fan de longue date du vénérable quatuor britannique Elbow, a contacté le chanteur pour voir s'il prêterait sa voix à la chanson. Garvey a non seulement accepté mais il a retravaillé son couplet, apportant sa perspective unique à l'enregistrement final.

Le vidéoclip lancé simultanément raconte l'histoire de Brian rencontrant Guy pour la première fois à Londres, après avoir travaillé ensemble sur le morceau à distance. « Je suis fan de Guy et Elbow depuis que leur album Cast of Thousands s'est retrouvé coincé dans le lecteur CD de ma voiture quand j'étais à l'université. Il jouait toujours très fort chaque fois que je démarrais ma voiture. J'ai pu lui raconter cette histoire lors du tournage du vidéo de Lost Myself et nous en avons bien ri. Chanter avec Guy, c'est comme avoir une bonne conversation autour d'une pinte. C’est familier et chaleureux » déclare SYML. Guy Garvey a ajouté: « J'ai été accroché par l’écriture fluide de Brian et très flatté d'être invité à le rejoindre sur cette chanson. J'ai aussi découvert qu'il est adorable et vraiment très drôle. J’ai hâte à notre prochaine sortie ».

SYML a fait paraître son premier album éponyme en 2019, qui comprenait le succès « Where's My Love ». SYML est le terme gallois pour « simple » et se prononce sim-muhl. Avec plus d'un milliard d’écoutes, sa musique a établi une connection particulière avec le public à cause de son écriture honnête et sa voix émotive. Né et élevé à Seattle, Fennell a étudié le piano à l'université et est devenu un producteur, programmeur et guitariste autodidacte. Sa musique s’est retrouvée dans une multitude de films, séries télévisées et campagnes publicitaires, y compris la série originale de Netflix Behind Her Eyes dans laquelle figurait sa version de Mr. Sandman comme chanson thème.

Sa musique possède une qualité sacrée, les thèmes puisent dans les instincts qui nous poussent vers des lieux de refuge, que ce soit un lieu ou une personne. « Cela revient à votre identité d'être humain; au fil du temps, nous avons partagé la même énergie » explique-t-il. Sa propre éducation - entremêlée d'expériences d'abandon, d'adoption, de perte, de chagrin et d'amour - est ce qui le pousse à se demander comment les liens entre les gens nous façonnent en tant qu'individus.

« Nous avons cette formidable capacité d'être conscients et de savoir ce que c'est que d'être ici ». Cette perspective l'a aidé à gérer la mort de son père adoptif en 2021, ainsi qu'à être là pour ses amis et sa famille. Cela s'est traduit dans son émouvant EP DIM, écrit et sorti l’an dernier.

Après avoir tourné en première partie de Dermot Kennedy lors de sa dernière tournée américaine, SYML s'est lancé à la fin de 2021 dans une vaste tournée américaine et européenne dans certaines des plus belles églises du monde pour promouvoir son album live Sacred Spaces. Avec des spectacles à guichets fermés à l'emblématique Union Chapel de Londres, au Café de la Danse de Paris en passant par le Het Zonnehuis d'Amsterdam, la tournée l'a ramené à la cathédrale Saint-Marc où l’album a été enregistré.

Soyez à l’affût pour les nouvelles à venir à propos de SYML en 2022.


Jill Barber

https://www.youtube.com/watch?v=Z64IKo_25KQ

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2022 – L’autrice-compositrice-interprète Jill Barber partage aujourd’hui Instant Cash for Gold, premier extrait de son album Homemaker, à paraître le 10 février 2023 via Outside Music.

« Instant Cash for Gold est une réflexion sur le gouffre qui existe entre la valeur que la musique représente pour les gens, par rapport à sa valeur commerciale. Malheureusement, la sous-évaluation persistante de la musique peut obliger plusieurs musiciens à se défaire de leurs biens les plus précieux par pur désespoir d'avoir de l'argent en main Il arrive un moment où chaque musicien est confronté à la question : l'éclat de ma carrière s'est-il estompé ? À quel point les choses doivent-elles devenir désespérées avant que j'échange tout cela contre autre chose ? Dans une industrie musical brisée qui rend les disques jetables et qui valorise les algorithmes plutôt que le sens des chansons et qui aime tout ce qui brille et est nouveau, j'ai écrit cette chanson sur ce que vaut un rêve pour moi » - Jill Barber

Après avoir passé les 20 dernières années à jouer dans une multitude de festivals Folk et Jazz au Canada et à captiver les auditoires au Japon, en Europe, en Australie, au Mexique, en Amérique du Sud, aux États-Unis et au Moyen-Orient, Jill Barber livre avec Homemaker dix nouvelles chansons portant sur les complexités de la maternité, du mariage et de la lutte pour se sentir chez soi, avec sa propre identité.

Au cours des dernières années, Jill a commencé à ressentir une disparité croissante entre son image publique et la réalité de sa vie domestique en tant qu'épouse et mère épuisée. « J'avais peur de rompre le charme de la version plus romantique de moi-même que j'ai diffusée dans le monde et qui a contribué à définir ma carrière, mais j'ai finalement atteint un point de rupture où j'avais besoin d'écrire cet album afin de concilier ces deux versions de moi-même, et je me sens bien dans tous les aspects de qui je suis aujourd’hui »

Homemaker est une déclaration sur l'humilité et la force qu'il faut pour créer un foyer pour les siens, tout en gardant de la place pour ses propres rêves. C'est une déclaration forte contre la notion – usée - de ce que signifie être « juste une femme au foyer ». Musicalement, elle revient à ses racines Folk et aux influences américaines de ses premiers disques Oh Heart (2004) et For All Time (2006), tout en rendant hommage aux artistes dont les disques l'inspirent le plus actuellement : Brandi Carlisle, Kacey Musgraves, Patty Griffin et Courtney Marie Andrews, entre autres.

Écrit et enregistré à Vancouver, ville d'adoption de Barber où elle vit avec son mari et ses deux enfants, Homemaker est le premier disque que Jill réalise, en tandem avec Erik Neilsen et qui met en vedette certains des meilleurs musiciens de session de Vancouver. « Ces chansons sont tellement personnelles et reflètent si profondément mon âme que j'ai ressenti un instinct presque maternel de les protéger et de les réaliser moi-même » déclare Barber.

« J'ai vraiment l'impression d'avoir pris ma place en tant que réalisatrice sur ce disque - avec beaucoup d'aide de l'ingénieur/réalisateur Erik, qui a vraiment défendu mes capacités en studio ».

Source : Outside Music


Bønanza

https://www.youtube.com/watch?v=RY4gJJBCPxw

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

EN SPECTACLE
13/10 – Québec – Kundah Hotel (lancement)
18/10 – Montréal – Le ministère (lancement)

« Prince Limonade c'est l'alter-égo que j'ai toujours voulu être…une version exponentielle de moi. Il sait quoi dire, il sait comment dire, il sait comment vivre »

Montréal, septembre 2022 – Bønanza, le nouveau projet musical de l’auteur-compositeur-interprète et réalisateur Dominic Pelletier (Caravane) fera paraître son premier album, Prince Limonade, le 14 octobre prochain via L-A be.

Prince Limonade c’est une aventure sonore qui se trouve à mi-chemin entre délire psychédélique et mise à nu touchante. C’est un album qui rend hommage à l’humain, aux bonheurs simples, aux émotions candides et à la nature grandiose qui nous entoure.

Dominic Pelletier, via son projet musical déjanté Bønanza, espère toucher les gens droits au coeur et peut-être les inspirer à voir les choses d’un nouvel œil…possiblement le troisième.

Bønanza présente une musique aux accents Funk, Soul et Pop, mettant de l’avant à parts égales plaisir, sincérité, nostalgie et douceur. Cumulant à travers ses différents projets plusieurs nominations, des millions d’écoutes et plus de 700 spectacles, Pelletier a su tracer son propre chemin grâce à sa fougue, sa détermination et son talent.

S’étant activement illustré sur la scène musicale québécoise depuis l’adolescence au sein des formations The Hunters, Caravane et plus récemment New Bleach, il plonge tête première en solo avec Bønanza afin de se dévoiler de manière plus personnelle et décomplexée.

PRINCE LIMONADE TRACKLISTING
Mon Sang
Downtown
Jaune
Prince Limonade
Le fantôme de Saint – Ferréol
NBT
Entre tes doigts
Au bout du monde
Yukon
Violence
Y installer le soleil

Source : L-A be
Pistage : Torpille