Ada Lea

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 - La montréalaise Ada Lea (Alexandra Levy de son vrai nom) fera paraître son nouvel album one hand on the steering wheel the other sewing a garden le 24 septembre via Next Door Records.

Elle partage aujourd’hui l’extrait « partner ». Le texte, à propos d’une soirée introspective flotte au-dessus d'un piano, d'un synthé et d'une boîte à rythmes: « the cab lets me off at the diner // just for memory’s sake // and I sit at the same booth // with tears in my eyes // begging won't you admit you’re giving up on me too quick ».

Levy décrit « partner » comme « une chanson sur le déplacement à travers un souvenir involontaire qui vous vole la nuit après une colère ». Le clip, réalisé par Erica Orofino, présente Levy alors qu'elle se déplace à travers les souvenirs et la ville.

« partner » est l'une des histoires qui compose le nouvel album one hand on the steering wheel the other sewing a garden. Dans l'ensemble, ces chansons tracent une croissance inévitable qui vient avec l'expérience. D'une part, c'est une collection de chansons pop/folk cathartiques, et d'autre part un livre d'histoires déchirantes et rétrospectives de la vie urbaine. Faisant suite à son premier album what we say in private (2019), one hand on the steering wheel the other sewing a garden est d'une part une collection de chansons pop/folk cathartiques et d'autre part un livre d'histoires déchirantes et une rétrospective de la vie urbaine. L'album se déroule à Montréal, à la fois le lieu et le personnage de nombre de ces chansons qui existent comme un point sur une carte d'histoire personnelle de la ville où Levy a grandi.

Voyez et partagez l’extrait « hurt »

Voyez et partagez le clip « damn »

Les sons qui en résultent vont de la beauté soft-rock classique à des passages folk plus intimistes et à de l'art-pop nocturne. Les textures sont souvent surprenantes en raison du collage de sons lo-fi et hi-fi qui décorent l'album avec goût sans jamais assombrir le cœur des chansons. Inspirées d’expériences personnelles, de rêves quotidiens et des romans napolitains d'Elena Ferrante, les paroles centrent la narration à plus grande échelle. L'expérience et les émotions d'une année sont communiquées à travers les vignettes de la vie urbaine d’Alexandra. Sa prose est centrée aux alentours de la rue St Denis à Montréal, dessinant des souvenirs d’endroits comme Fameux, La Rockette et le Quai des Brumes. Elle a réussi à créer un « équilibre annuel » en divisant l'album de manière égale en quatre saisons.

Source : Next Door Records


April 6 - 7, 2022―Quebec City―Grand-Théâtre―Salle Octave-Crémazie (Preview)
April 21, 2022―Montreal―Théâtre Outremont (Premiere)

Information : Simon Fauteux

Montreal, September 2021―Jorane unveils HEMENETSET, the multi-faceted, collaborative and ambitious work she has been crafting for the past six years, which will come to life on disc on September 17 via L- A be and on stage in April 2022, on the 6th and 7th at the Grand Théâtre de Québec and on the 21st at the Théâtre Outremont in Montreal.

Jorane reveals a large part of the most ambitious project of her career today with her 11th album, HEMENETSET. Explorer of sound and creator of a rare form of freedom, Jorane takes listeners on an 80+ minute musical journey that centers around the concept of instinct and is the soundtrack to her upcoming show. HEMENETSET translates Jorane's natural instinctive strength, at the very source of her unique voice, the one that pierces the master code and allows her to express herself without being confined by the laws of language.

Co-produced by Jorane and Marc Bell (Troublemakers, Moment Factory), HEMENETSET is a modern symphony, a true odyssey. Jorane, who performs vocals, cello and harp, is in perfect harmony with the 10 musicians who have been with her since the project's beginnings: Geneviève Clermont (violin 1), Vanessa Marcoux (violin 2), Lana Tomelin (viola), Sophie Coderre (cello), Mathieu Désy (double bass), Martin Lizotte (piano and synthesizer), Geneviève Toupin (vocals), Chloé Lacasse (vocals), André Simard (modular synthesizers), Marc Bell (synthesizers, programming, percussion). All creative artists in their own right, these hand-picked musicians are actively involved in the work that Jorane leads with a masterful hand.

"Listen carefully...", suggests Normand Baillargeon, about the work presented on stage during a residency at Place des Arts, "Each of the talented musicians you will hear is a cog in a singular machine designed and orchestrated by Jorane: a machine to produce and convey meaning."

The concept is rooted in multiple inspirations, both philosophical and artistic, that inspire the artist, such as the work of authors Clarissa Pinkola Estés, Abdennour Bidar, Jill Bolte Taylor and Emanuele Coccia. From these texts, Jorane draws on the need to reconnect with oneself, with others and with nature. Within the vast musical world that she unfolds, Jorane embarks on a quest for her deepest nature by taking different paths. From a deconstruction is born a reconstruction to which Jorane invites listeners, inciting them to abandon themselves to a metamorphosis, to imagine an "after", to experiment a creative and liberating chaos. A concept that is in keeping with the current era, a period of independence, change, rebellion and transition.

The first single released last May, Les tectoniques, was warmly received by music lovers, earning a spot on several international music charts, including Tidal's Classical Crossover, alongside Nils Frahm, Sigur Rós, Ólafur Arnalds and Nick Cave. The work is accompanied by an interactive and playful video, directed by François Blouin (Cirque du Soleil, Felix & Paul), a major collaborator of the project and created by the Ottomata Studio. It features a musical herbarium, in the form of a video game, where the flowers come to life under the participant's control, a friendly nod to a phrase by Emanuele Coccia in which Jorane finds inspiration: "The world is above all what the plants have made of it." Through its form and content, HEMENETSET fights against orthodoxy and rectitude and promotes a radical manifestation of freedom.

Divided into distinct works, HEMENETSET is the meeting of art, cutting-edge technology and ritual on stage. The result of numerous experiments and artistic encounters over the past few years, HEMENETSET brings to life a passionate artistic language and an approach that aims to deconstruct codes and imagine new methods of creation.

Jorane is inspired by the open-source spirit in her relationship with her collaborators, who are encouraged to join in the creative process: François Blouin as director, Atomic3 as lighting designer, Ottamata as programmer, Debra Brown as choreographer, Julie Charland and Iso as costume designers. Accompanied by her musicians, Jorane appears magnified, in a spectacular and comprehensive work.

"The true value of an experience is measured by the inspiration it gives to others."
- Kathryn D. Sullivan

Jorane, new spokesperson for Le Phare, Enfants et Familles
Jorane recently agreed to become the very first spokesperson for LE Phare, Enfants et Familles. Located in the Rosemont district of Montreal, the organization offers palliative care to children suffering from a fatal illness and support services to their families throughout the illness, at the end of life and during the period of mourning.

Usually very discreet about her personal life, it is with great generosity that she accepted to tell her story and that of her oldest son Manolo. "If I accepted to be a spokesperson for Phare, Enfants et Familles, it is because I can testify to its importance in the lives of so many people. I want to raise awareness about this organization that deserves everyone's recognition and support, on behalf of the most vulnerable children and their families who must adapt their entire lives to support them," says the artist and mother of three boys.

Source : L-A be


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6 - 7 avril 2022 – Québec – Grand-Théâtre - Salle Octave-Crémazie (Avant-Première)
21 avril 2022 – Montréal – Théâtre Outremont (Première)

Information : Simon Fauteux

Montréal, septembre 2021 - Jorane dévoile HEMENETSET, l’œuvre plurielle, collaborative et ambitieuse sur laquelle elle travaille depuis six ans, qui prendra vie sur disque le 17 septembre via L-A be et sur scène en avril 2022, les 6 et 7 au Grand Théâtre de Québec et le 21 au Théâtre Outremont à Montréal.

C’est une grande partie du projet le plus ambitieux de sa carrière que révèle aujourd’hui Jorane avec son 11e album, HEMENETSET. Exploratrice sonore et créatrice d’une rarissime liberté, Jorane transporte ses auditeurs dans une grande fresque musicale de plus de 80 minutes qui s’articule autour du concept de l’instinct et qui correspond à la trame sonore de son spectacle à venir. HEMENETSET traduit la force naturelle instinctive de Jorane, à la source même de sa voix sans mots, celle qui perce le code maître et qui lui permet de s’exprimer sans se plier aux lois du langage.

Coréalisé par Jorane et par Marc Bell (Troublemakers, Moment Factory), HEMENETSET se présente comme une symphonie moderne, une véritable odyssée. Centrale, Jorane qu’on retrouve à la voix, au violoncelle et à la harpe, est en symbiose avec les dix musiciens qui la suivent depuis les balbutiements du projet : Geneviève Clermont (violon 1), Vanessa Marcoux (violon 2), Lana Tomelin (alto), Sophie Coderre (violoncelle), Mathieu Désy (contrebasse), Martin Lizotte (piano et synthétiseur), Geneviève Toupin (voix), Chloé Lacasse (voix), André Simard (synthétiseurs modulaires), Marc Bell (synthétiseurs, programmation, percussions). Tous des créateurs à part entière, ces musiciens soigneusement choisis s’imbriquent activement dans l’œuvre que lead Jorane avec une main de maître.

« Prêtez l’oreille… », suggère Normand Baillargeon, à propos de l’œuvre telle que livrée sur scène dans le cadre d’une résidence à la Place des Arts, « Chacun des talentueux musiciens que vous allez entendre est un rouage d’une singulière machine conçue et orchestrée par Jorane : une machine à produire et à transmettre du sens. »

Le concept prend racines dans de multiples inspirations à la fois philosophiques et artistiques qui nourrissent l’artiste, tel que le travail des auteurs Clarissa Pinkola Estés, Abdennour Bidar, Jill Bolte Taylor et Emanuele Coccia. De ces lectures, Jorane retient la nécessité d’engager une reconnexion à soi-même, à l’autre et à la nature. À l’intérieur du vaste monde musical qu’elle déploie, Jorane part à la quête de sa nature profonde en empruntant des chemins de traverse. D’une déconstruction nait une reconstruction à laquelle Jorane convie l’auditeur, l’incitant à s’abandonner à une métamorphose, à imaginer un « après », à expérimenter un chaos créateur et libérateur. Une proposition qui s’inscrit allègrement dans l’époque actuelle, période d’indépendance, de changements, de rébellion et de transition.

Le premier extrait lancé en mai dernier, Les tectoniques, a reçu un accueil chaleureux des mélomanes, se taillant une place sur plusieurs listes d’écoute au niveau international, dont Classical Crossover de Tidal, auprès de Nils Frahm, Sigur Rós, Ólafur Arnalds et Nick Cave. La pièce s’accompagne d’une vidéo interactive et ludique, réalisée par François Blouin (Cirque du soleil, Felix and Paul), collaborateur majeur du projet et créée par le studio Ottomata. On y propose un herbier musical, sous forme de jeu vidéo, où les fleurs s’animent sous le contrôle du participant, clin d’œil sympathique à une phrase d’Emanuele Coccia en laquelle Jorane trouve l’inspiration : « Le monde est avant tout ce que les plantes ont su en faire. » Par sa forme et son contenu, HEMENETSET se bat contre l’orthodoxie et la rectitude et propose une manifestation radicale de liberté.

Divisé en tableaux distincts, HEMENETSET se veut la rencontre sur scène des arts, des technologies d’avant-garde et du rituel. Fruit de nombreux laboratoires et rendez-vous artistiques des dernières années, HEMENETSET donne suite à un langage artistique passionnel et à une approche qui vise à déconstruire les codes et à imaginer des méthodes de création inédites.

Jorane s’inspire d’ailleurs de l’esprit open source dans sa relation avec ses collaborateurs, invités à joindre cette construction en toute liberté de création : François Blouin à la mise en scène, Atomic3 aux éclairages, Ottamata à la programmation, Debra Brown à la chorégraphie, Julie Charland et Iso aux costumes. Accompagnée de ses musiciens, Jorane apparait magnifiée, dans une œuvre totale et grandiose.

« La vraie valeur d’une expérience se mesure à l’inspiration qu’elle donne aux autres. »
- Kathryn D. Sullivan

Jorane, nouvelle porte-parole du Phare, Enfants et Familles
Jorane a récemment accepté de devenir la toute première porte-parole du Phare, Enfants et Familles. Situé dans le quartier Rosemont à Montréal, l’organisme offre des soins palliatifs aux enfants atteints d'une maladie à issue fatale et des services d'accompagnement à leur famille tout au long de la maladie, en fin de vie et pendant la période de deuil.

Habituellement très discrète sur sa vie personnelle, c’est avec beaucoup de générosité qu’elle a accepté de raconter son histoire et celle de son fils aîné Manolo. « Si j’ai accepté d’être porte-parole du Phare, Enfants et Familles, c’est que je peux témoigner de son importance dans la vie de tant de gens. Je désire faire connaître cet organisme qui mérite la reconnaissance et l’appui de tous, au nom des enfants les plus vulnérables et de leurs familles qui doivent adapter toute leur vie pour les soutenir », confie l’artiste et mère de trois garçons.

Source : L-A be

Jay Scøtt

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, août 2021 - Après le succès retentissant de sa collaboration avec le prolifique rappeur FouKi sur sa chanson Copilote, Jay Scøtt nous revient brisé, mais recollé à la Krazy Glue.

Broken (Radio Edit) est une chanson qui s'inspire de la culture populaire, d'une relation houleuse et de la dépendance aux lendemains de veille. Jérémie nous livre avec honnêteté une version étoffée de cette chanson parue sur YouTube et toutes les plateformes de streaming en janvier 2020.

Comme dirait Boom Desjardins; après la pluie le beau temps mais l'orage peut durer longtemps. Pour Jay Scøtt, il est peut-être temps que le soleil sorte…

Les crédits
Auteur & Compositeur : Jay Scøtt
Mix par Seb Ruban
Master par Richard Addison
Artwork par Kristian Bolanos

Source : 117 Records

Flore Laurentienne

Information : Simon Fauteux


  • 19 septembre - Québec - Grand Théâtre
  • 1er octobre - Baie-du-Febvre – Théâtre Belcourt 
  • 2 octobre - Victoriaville - Le Carré 150 - Salle Les-frères-Lemaire
  • 3 octobre - Sainte-Marie – Salle Méchatigan
  • 7 octobre - Shawinigan – Culture Shawinigan
  • 14 octobre - Trois-Rivières – Anaïs-Allard-Rousseau
  • 15 octobre - Sherbrooke – Théâtre Granada
  • 16 octobre - Lavaltrie – La Chasse-Galerie
  • 17 octobre - Val-Morin - Théâtre du Marais - Mise en vente à venir
  • 19 octobre - Rouyn-Noranda - Théâtre du Cuivre - Mise en vente à venir
  • 21 octobre - Amos – Théâtre des Eskers
  • 22 octobre - Val D'Or - Salle Félix Leclerc - Mise en vente à venir
  • 23 octobre - Mont-Laurier - Espace Théâtre - Mise en vente à venir
  • 9 novembre - Baie-Comeau - Centre des arts de Baie-Comeau - Mise en vente à venir
  • 10 novembre - Sainte-Anne-des-Monts - Maison de la culture - Mise en vente à venir
  • 11 novembre - Rimouski - Salle Dejardins Telus - Mise en vente à venir
  • 12 novembre - Rivière-du-Loup - Rainbow Submarine - Mise en vente à venir
  • 18 novembre - Saint-Jérôme – Théâtre Gilles-Vigneault
  • 25 novembre - Drummondville – Maison des Arts
  • 26 novembre - Sainte-Thérèse - Odyscène 

Montréal, août 2021 - Mathieu David Gagnon travaille depuis longtemps dans l’ombre de projets remarquables. Arrangeur, orchestrateur, directeur musical ainsi que réalisateur, il est connu pour son travail sur les chansons de Klô Pelgag (coréalisation de l’année et album alternatif de l’année, ADISQ 2017) et sur le spectacle de l’opéra rock des Hôtesses d’Hilaire. Puisqu’un homme portant autant de chapeaux doit aussi prendre le temps de se recentrer, Mathieu travaille depuis quelques temps sur ses propres compositions sous le pseudonyme ‘’Flore Laurentienne’’.

Ce projet de musique instrumentale rend hommage à la diversité et à l’infinie beauté du paysage québécois.

On pourrait autant penser à un disque de la Living Strings Collection ou encore à la trame sonore d’un film en Technicolor, où se multiplieraient en arrière-plan des images de floraison printanière et de paysages grandioses. Le mariage étrangement naturel entre l’orchestre à cordes et les synthétiseurs des années 60 et 70 nous transporte tantôt sur la route du fleuve, tantôt dans un souvenir. Le premier album, intitulé Volume 1, prend vie sur scène grâce à un ensemble de 7 musiciens; un noyau de 3 multi-instrumentistes et un quatuor à cordes traité en quadriphonie afin de rendre l’expérience immersive et complète.

Mathieu David Gagnon offre avec Vol.1 un album intemporel, où l’humain s’efface pour laisser place à quelque chose de plus grand. Une véritable œuvre d’art.

Source : Costume Records

Amay Laoni

« Amay Laoni pratique une pop sophistiquée et est certainement une des autrices-compositrices les plus douées du moment » - Josée Lapointe (La Presse+)

« Amay Laoni s’impose comme une réponse locale à la pop scandinave d’avant-garde avec Le tournant » - Catherine Genest (Journal 24h)

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021 – L'autrice-compositrice et chanteuse Amay Laoni fera paraitre, sur toutes les plateformes, la version Deluxe de son album Le tournant le 27 août via son propre label Oblik Records. Lancé en octobre 2020, Le tournant a reçu un accueil des plus chaleureux. Six chansons s’ajoutent maintenant à la version originale : La magnifique relecture de « Corps » de l’artiste française Yseult, « Un fil-Remix » par IIKINGS ainsi que sa version anglaise « Cards In The Wind », la collaboration avec Marie-Mai (« Sous les rivières »), la pièce « Isolée », ainsi qu’un duo avec Fanny Bloom sur la chanson « Je ne te connais pas ».

Cette dernière, co-écrite et co-composée par Amay Laoni, Étienne Chagnon et Fanny Bloom, parle du consentement dans une relation amoureuse et de cette ligne parfois très mince qu’il ne faut pas dépasser. Le mélange entre les univers des deux chanteuses apporte une couleur unique à la chanson.

Amay Laoni participera au Francos de Montréal en septembre prochain. Plus de détails seront annoncés sous peu.

Tout comme l’album précédent Sa couleur (2018), Le Tournant est réalisé par son complice Étienne Chagnon et brille par la singularité de son univers sonore et un désir de pousser les idées imagées, tant par l’écriture, la composition et la production. Les chansons d’Amay Laoni chansons cumulent jusqu'à maintenant plus de 2 000 000 de streams sur les plateformes digitales. Voix limpides, mélodies parfaitement ficelées, grooves soutenus et basses bien pesantes font de l’album Le tournant, le projet le plus accompli d’Amay Laoni.


  • Un fil
  • Ça va
  • T’auras rien
  • Comme il faut qu’on se quitte
  • Tout relâcher
  • Qu’est-ce que j’en sais
  • Arbre
  • À la prochaine
  • Du tout
  • Je veux tes aveux
  • J’te laisse aller
  • En vrai, je sais pas
  • Sous les rivières feat.Marie-Mai
  • Corps
  • Je ne te connais pas feat.Fanny Bloom
  • Isolée
  • Un Fil (IIKING Remix)
  • Cards in the Wind

Source : Oblik Records

Michel Cusson

En spectacle virtuel
18 août sur la chaine You Tube de Michel Cusson

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021 – L’as guitariste et compositeur Michel Cusson fera paraître « Omertà – L’intégrale » le 13 août, un coffret numérique qui incluera pour la première fois la trame sonore de la troisième saison de la série. Les pièces de la télésérie québécoise écrite par Luc Dionne, qui avait connu un énorme succès à la fin des années 1990, seront incluses dans un coffret numérique de 84 morceaux — soit quatre heures de musique! — comprenant l’ensemble des compositions des trois saisons et du film.

« J’avais ça en tête depuis quelques années, puisque de nombreuses personnes m’avaient demandé de les rendre disponibles. Alors j’ai écouté les bandes et je trouvais que ça avait bien vieilli, que j’aurais pu composer ces pièces la semaine passée. On reste dans une prémisse Ascenseur pour l’échafaud, c’est de la musique à l’image, mais les pièces de la saison 3 ont une saveur plus italienne, puisqu’on rentrait davantage dans les rouages de la mafia. »

Le mercredi 18 août à 15h et à 19h, Cusson recréera, en direct, la musique de la série culte sur sa chaîne You Tube en compagnie du batteur Paul Brochu, du trompettiste Benoit Glazer, du bassiste Jean-Bertrand Carbou et claviériste Dan Thouin.

Ce sera également l’occasion pour les fans de découvrir la vingtaine de capsules que Michel Cusson a présenté sur You Tube durant le confinement. La pandémie a forcé les créateurs à se réinventer. Reclus dans leur antre, loin de la scène et de leurs fans, ils se sont mis à peaufiner davantage leur art et à expérimenter, chacun à leur façon. En mars dernier, Michel Cusson a décidé de créer du matériel original dans son nouveau studio — qu’il appelle affectueusement son « vaisseau spatial » — en présence de ses fans, réunis devant leur écran pour des sessions Youtube live. Depuis, il a diffusé 21 de ces capsules, durant lesquelles il crée de toutes pièces des morceaux dont les plus aboutis se retrouveront sur l’album Studio Lombard volume 1 à paraître le 24 septembre.

« Ça faisait longtemps que j’avais ce projet en tête et la pandémie, la pause forcée, m’a permis de le concrétiser », explique Cusson. « Ça fait 30 ans que je vis dans un studio, alors je voulais pousser la note un peu plus loin, me challenger, d’où l’idée d’inviter des internautes dans mon space ship et de créer en direct de la musique. C’est une fenêtre que j’ouvre sur ma planète, si on veut. Et le flot de créativité que ça génère, c’est ahurissant. Je joue comme si j’étais en spectacle et le fait que des gens m’écoutent me procure un niveau d’attention supérieur. Cette énergie me fait pondre des trucs spontanément, qui ne seraient sûrement pas venus si j’avais été seul. Ainsi, à six ou sept pièces par semaine, je me suis retrouvé avec une centaine de nouveaux morceaux! ».

Duran Duran

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021 - Le légendaire groupe Duran Duran, partage aujourd’hui « MORE JOY! » feat CHAI, le nouvel extrait tiré de FUTURE PAST le quinzième album à paraitre le le 22 octobre via Tape Modern / BMG.

Sur « MORE JOY ! », Duran Duran offre exactement ça avec son énergie pop unique, tout en ajoutant une saveur J-pop-disco-punk avec ses collaborateurs CHAI, le groupe punk féminin en plein essor de Nagoya, au Japon. Avec 'MORE JOY!', Duran Duran démontre pourquoi ils sont toujours l'un des groupes les plus excitants et les plus avant-gardistes de la planète. Avec des synthés au rythme rapide, des percussions entraînantes et CHAI chantant « More Joy! » la piste évoque une pure exaltation.

À propos du nouvel extrait, le claviériste Nick Rhodes a déclaré depuis Londres : « La chanson ‘MORE JOY !’ est née d'un jam entre Duran Duran, Graham Coxon et Erol Alkan. C'était une pièce tellement inhabituelle que nous n'étions pas tout à fait sûrs qu'elle s'intégrerait au début. Ça m'a rappelé l'un de ces jeux vidéo japonais rétro que j'ai toujours aimé. Nous avons très tôt lancé le chant More Joy! et c'est devenu la clé du reste du morceau. Nous avons convenu que cela sonnerait bien avec des voix féminines japonaises et c'est à ce moment-là que Simon a eu l'idée de demander à CHAI s'ils pourraient éventuellement collaborer avec nous. À notre grande joie, elles ont accepté et le résultat a très certainement apporté une nouvelle énergie à la chanson. Elles sont si spéciales!»

En amenant CHAI à bord, Simon Le Bon révèle: « Nick a suggéré des voix de filles sur 'MORE JOY!' et je savais exactement où les trouver - CHAI, groupe de punk japonais post-moderne entièrement féminin, dont l'énergie et le pur sens du plaisir pourraient en fait vous épater les oreilles ! Nous sommes honorés qu’elles aient saupoudrés un peu de leur poudre magique rose néon sur notre chanson. Maintenant, c'est "MORE JOY!" (feat. CHAI). CHAI - aimé pour toujours ! ». CHAI déclare : « Nous sommes pleines de joie ! Lorsque Duran Duran nous a demandé de collaborer sur leur nouvelle chanson, nous l'avons écoutée et nous nous sommes dit « c'est vivant, rock, cool et amusant », et nous avons dansé ! Nous avons ajouté nos voix à leur son rock, le rendant encore plus MORE JOY! Parce que nous sommes PLUS DE JOIE. Merci Duran Duran! »

Avec l'aide de certains des noms les plus excitants des 50 dernières années, avec « FUTURE PAST », Duran Duran livre une autre œuvre incroyable couvrant tous les genres qui les distingue une fois de plus du peloton. Travaillant aux côtés du DJ / producteur britannique Erol Alkan et du mythique compositeur/producteur italien Giorgio Moroder, le groupe a fait appel à certains des artistes les plus inattendus et inspirants de la pop - dont la hitmaker suédoise Tove Lo, 'Queen of Drill ' Ivorian Doll, et les japonaises CHAI. De plus, Graham Coxon (Blur) a co-écrit et prêté sa guitare à plusieurs morceaux du disque, et l'ancien pianiste de David Bowie, Mike Garson ajoute une couche sonore exquise à la dernière pièce de l’album « FALLING ». Le disque, qui a été enregistré à Londres et à Los Angeles pendant le confinement présente également un collaborateur de longue date, Mark Ronson qui a co-écrit et joué sur « WING». L’album a été mixé par Mark «Spike» Stent.

FUTURE PAST sera disponible sur toutes les plateformes numériques. En plus du CD standard, un format CD/livre relié de luxe en édition limitée sera disponible avec trois titres supplémentaires. L'album sera également disponible sur vinyle coloré. La boutique d'albums officielle proposera des formats exclusifs de vinyles et de cassettes avec des tirages signés en édition limitée. Le groupe poursuit la tendance d'être des pionniers à la fois dans la technologie et la musique avec une collaboration spéciale avec 360 Reality Audio, une nouvelle expérience musicale immersive utilisant les technologies de son spatial de Sony. Une version séparée de « FUTURE PAST » avec des mixes 360 sortira ainsi que de nouvelles versions 360 de leur catalogue. 360 Reality Audio est sur les services d’écoute Amazon Music HD, TIDAL HiFi et Deezer HiFi.

GIVE IT ALL UP (Feat. Tove Lo)
HAMMERHEAD (Feat. Ivorian Doll)
FALLING (Feat. Mike Garson)

Source : Tape Modern

Edith Butler

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021Le tour du grand bois, le nouvel album de la mythique Édith Butler, réalisé par Lisa Leblanc paraîtra le 27 août prochain via Spectra Musique.

Voici un album unique, né d’une rencontre musicale sur un plateau de télévision animée par Pénélope McQuade, entre Édith Butler, la « mère de la musique Acadienne », et Lisa Leblanc, sans contredit l’une des artistes acadiennes s’étant le plus démarquée au cours des dernières années. Leur duo musical ce soir-là a soulevé l’enthousiasme et inspiré Lisa à demander à Édith si elle accepterait de se laisser diriger par elle dans un nouvel album. Le reste de l’histoire se retrouve sur Le tour du grand bois

« Je voulais faire ressortir le meilleur d’Édith, garder son naturel, mais la faire briller davantage en la poussant dans une direction plus « edgy » qui resterait super organique et cru » raconte Lisa. « Je savais qu’avec son énergie débordante, Édith était capable de rocker et j’ai voulu en plus, avec elle, aller explorer des sonorités modernes. Dans le fond, je voulais la pousser à se rendre un peu plus loin dans le rock’n’roll, tout en restant elle-même comme si elle avait fait cela depuis toujours ». Lisa Leblanc a en quelque sorte réinventé Édith Butler, comme Jack White a réinventé Loretta Lynn sur l’album Van Lear Rose.

La recherche musicale a conduit à un album dont la sonorité est tout à fait nouvelle pour Édith. Il comporte neuf chansons, dont « Dans l’bois », une collaboration entre Édith, Lisa et Lise Aubut, en plus de trois courts interludes. Il y a aussi quelques duos dont « Ti-gars », « Marie Mouri » et « Tit galop pour Mamou », et beaucoup d’inventivité et de dextérité musicale de la part du band - particulièrement musclé – choisi et dirigé de main de maître par Lisa.

Le tour du grand bois c’est une aventure humaine et musicale spéciale, presqu’un passage de flambeau. C’est pratiquement toute l’histoire musicale de l’Acadie du début jusqu’à aujourd’hui que représente la réunion de ces deux artistes sur un même enregistrement. Il y a près de 50 ans d’écart entre Édith la pionnière et Lisa, sa jeune réalisatrice. L’énergie est similaire, la complicité évidente, les timbres de voix d’une parenté indéniable et le groove contagieux.

Intronisée au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens en 2019, Édith Butler ambassadrice incontestée de la culture acadienne et de ses traditions a fait revivre les personnages de son pays, colorés, chaleureux et remplis de cette joie de vivre propre aux Acadiens. À la fois chanteuse, musicienne et conteuse, sa signature musicale unique embrasse et amalgame ingénieusement des sonorités traditionnelles et contemporaines.

Édith Butler est officier de l’Ordre du Canada, Chevalier de l’Ordre National du Mérite de la Culture Française, Chevalier de l’ordre des Francophones d’Amérique, Chevalier de l’Ordre de la Pléiade., et chevalier des Arts et des Lettres de la République Française.

Source : Spectra Musique

Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens

POUR LA PREMIÈRE FOIS cette année, le Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens invite les amateurs de musique à VOTER pour  l’auteur-compositeur ou l’autrice-compositrice de leur choix  

Le vote prend fin le 15 août; rendez-vous sur

Information : Simon Fauteux

Montréal, Qc (3 août 2021) – Le Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens (PACC) a le plaisir d’annoncer le nom des finalistes du Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur en émergence 2021. Créé en 2017, ce concours célèbre les réalisations actuelles et les promesses d’avenir d’auteurs-compositeurs et autrices-compositrices sur le chemin du succès. La classe de finalistes de cette année compte cinq artistes francophones et six artistes anglophones originaires de partout au Canada. En plus d’un prix en argent, ce concours offre aux lauréats la chance de participer aux camps d’écriture de la SOCAN, de bénéficier d’occasions de mentorat et de se voir reconnaître par l’industrie dans le cadre des Galas 2021 et 2022 de la SOCAN.

POUR LA PREMIÈRE FOIS cette année, le Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens invite les amateurs de musique à découvrir de nouvelles œuvres musicales et à VOTER pour l’auteur-compositeur ou l’autrice-compositrice de leur choix dans le cadre du second tour de scrutin du jury. Les fans peuvent exprimer leur vote tous les jours sur jusqu’au 15 août à 23 h 59 (HNE) afin de mériter une participation-prime à l’artiste de leur choix. Le nom des lauréats francophone et anglophone sera annoncé au début de septembre.

Les précédents lauréats du Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur en émergence sont Charlotte Cardin, Jessie Reyez, Lowell et Les Louanges.

« La classe de finissants de cette année renferme certains des artistes les plus emballants et les plus novateurs de la musique actuelle », a affirmé le président de Slaight Music Derrick Ross. « Leur métier d’auteur-compositeur est nourri par un besoin d’introspection et une volonté de s’exprimer pleinement en partageant fièrement la richesse des expériences et des histoires qui illustrent la diversité de nos communautés et de notre paysage musical. Nos plus sincères félicitations à l’ensemble des finalistes. Nous sommes ravis de voir que les Canadiens auront l’occasion de découvrir la musique de ces talentueux auteurs-compositeurs et d’exprimer leur vote en faveur d’artistes qui seront peut-être un jour intronisés au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens. »

Le concours du Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur en émergence de cette année a donné lieu à 40 candidatures de haute qualité. La liste des finalistes a été établie par un jury de professionnels de l’industrie musicale.

Les finalistes de la catégorie francophone du Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur en émergence 2021 sont : 

Ariane Roy (Québec, Qc) – Sacrée Révélation Radio-Canada 2021-2022, Ariane Roy est autrice-compositrice-interprète. Elle a fait paraître son premier EP, AVALANCHE (n.f.) en 2020. Elle a été finaliste aux Francouvertes 2020 ainsi qu’au Prix de la chanson SOCAN. Son premier album doit sortir en 2022 sur l’étiquette La Maison Fauve.

Klô Pelgag (Montréal, Qc) – Autrice-compositrice-interprète aussi talentueuse qu’originale, elle partage avec le public son univers éclaté et résolument intègre. L’album Notre-Dame-des-Sept-Douleurs ne cesse de récolter les éloges depuis sa sortie, autant au Québec, au Canada, qu’en France et aux États-Unis.

Laurence-Anne (Kamouraska, Qc) – Originaire de Kamouraska, Laurence-Anne est une autrice-compositrice-interprète basée à Montréal. Coqueluche des radios étudiantes et de la critique, elle offre avec Musivision, un deuxième album aux teintes dream pop, art rock, funk cosmique et synthwave marque un tournant dans la carrière.

P’tit Belliveau (Baie Sainte-Marie, N.B) – Auteur-compositeur-interprète incomparable, P’tit Belliveau a une approche unique de la musique où le banjo rencontre l’électro. Son premier album Greatest Hits Vol. 1 transcende les genres et les mots. Son lexique particulier se décline dans un portrait jeune et préoccupé par rapport à la vie adulte et ses aléas.

Sarahmée (Montréal, Qc) – Désormais une incontournable dans le paysage rap québécois Sarahmée s’est fait remarquer avec son deuxième album Irréversible, un album aux propos assumés, renforcé par des « flows » peaufinés et des rythmes afro-latins habilement maîtrisés. Après avoir explosé aux yeux du grand public en 2020, Sarahmée continue son chemin avec l’annonce d’un nouvel album à paraître en 2021.

Les finalistes de la catégorie anglophone du Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur en émergence 2021 sont Lu Kala, Mustafa, Savannah Ré, Shay Lia, TOBi et William Prince. 

Pour le texte intégral des biographies, pour l’écoute en continu, pour le vote et pour en savoir plus sur le Prix Slaight Music pour un auteur-compositeur en émergence, rendez-vous sur

Slaight Music a été créé en 2011 par Allan et Gary Slaight (Allan Slaight est connu comme le pionnier de la diffusion au Canada, un leader de ‘industrie musicale et un éminent philanthrope canadien), avec pour mandat de soutenir la communauté musicale canadienne à travers une variété d'initiatives et de développer le talent canadien via des partenariats stratégiques avec des pairs de l'industrie. Slaight Music travaille avec des artistes de tout le pays et de tout le spectre musical, aidant à faire avancer leur carrière et à faire entendre de la bonne musique. Slaight Music investit également dans la sphère technologique, aidant les entrepreneurs canadiens de la musique à développer la prochaine génération de plateformes et de services numériques. L'entreprise soutient également une variété d'événements, de causes et d'œuvres de bienfaisance liés à la musique.

Le Panthéon des auteurs-compositeurs canadiens (PACC) honore et célèbre les auteurs-compositeurs canadiens et ceux qui ont consacré leur vie à l'héritage de la musique, et s'efforce de sensibiliser le public à ces réalisations. Organisme national et à but non lucratif, le PACC est guidé par son propre conseil d'administration qui comprend à la fois des créateurs et éditeurs de musique anglophones et francophones ainsi que des représentants de l'industrie du disque. En décembre 2011, la SOCAN (Société des compositeurs, auteurs et éditeurs de musique du Canada) a acquis le PACC. Le mandat du Panthéon s'harmonise avec les objectifs de la SOCAN en tant qu'organisme composé de membres et d'auteurs-compositeurs. La PACC continue d'être gérée comme une organisation distincte. 

Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021 - L’incontournable chanson « Vivre dans la nuit » du groupe Nuance sera intronisée au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens le mardi 10 août à 21h lors de l’émission BONSOIR BONSOIR sur les ondes d’ICI télé. Pour l’occasion, la chanson sera interprétée par Fanny Bloom et Patsy Galant en présence de Sandra Dorion.

Écrite et composée par le groupe composé de Sandra Dorion (voix), Denis Lalonde (guitare), Mario Dubé (claviers), Daniel King (batterie) et Mario Laniel (basse), « Vivre dans la nuit », qui a passé 16 semaines au #1 du palmarès, est un hymne pour les noctambules qui se résignent à leur sort, une complainte rock gorgée de désillusion. Lorsque Nuance lance Vivre dans la nuit en 1984, c’est tout un pan de la population active qui se sent interpellée par les paroles. Les gardiens de sécurité dans les tours à bureaux vides, les barmans qui ont pris un shooter de trop avec les clients avant le close, les danseuses qui ont dû composer avec le pire dans l’isoloir, les chauffeurs de taxi qui, trop souvent, épongent les restes d’une soirée trop arrosée sur leur banquette arrière. Les gens à qui, habituellement, les poètes ne pensent pas.

Vendu à 88 000 d’exemplaires, au creux d’une période difficile pour l’industrie de la musique francophone dans la Belle Province, le 45-tours de Vivre dans la nuit permettra aux Gatinois de loger pendant plusieurs semaines au palmarès. Pas mal, pour une chanson écrite sous pression. « En 1983, on est entré en studio rapidement parce que notre chanson Amour sans romance avait quand même connu du succès sur les palmarès, se souvient Sandra. Très vite, on nous a demandé de réécrire un hit ».

L’album Vivre dans la nuit sortira plus tard en 1984, incluant, outre la pièce-titre, les succès « Libre » et « Sans être aimée ». Si le public adore et entonne les mots face à la scène en concert, l’intelligentsia d’alors se moque vertement de la prose des cinq paroliers originaires de l'Outaouais. La rançon de la gloire, sans doute. Sandra Dorion, aujourd’hui réorientée vers l’enseignement au primaire, se remémore les critiques acerbes de Nathalie Petrowski et des autres chroniqueurs avec un pincement au cœur. « On a été très jugés au niveau de la langue. Moi, je suis anglophone à la base. Je viens d’Aylmer, j’ai enseigné l’anglais… On m’a demandé de chanter et d’écrire en français avec un groupe qui, quand même, était francophone. [...] Évidemment, on a une des maladresses au niveau de l’écriture. J’en conviens aujourd’hui, je le reconnais ». Maladresses ou pas, leurs mots résonnent fort. L’interprétation, sentie et vive, marque durablement les esprits.

Plutôt que de se laisser miner par les mauvaises langues, les membres de Nuance s’accrochent à leurs deux nominations aux Prix Juno et aux trois prix remportés au Gala de l’ADISQ: Découverte de l’année en 1986, 45-tours le plus vendu et Groupe francophone de l’année en 1987. Nuance lance l’album Journal intime, un dernier effort paru en 1988 qui sonnera le glas des carrières musicales de tout le monde. Ou presque.

Seul Mario Dubé continuera sa route dans le milieu du spectacle, notamment à titre de directeur de tournée. Sandra, elle, s’autorisera un bref retour avec le disque Sandra telle quelle en 2011, avant de définitivement faire une croix sur sa vie d’artiste. Mario Laniel est à présent informaticien au gouvernement, Denis Lalonde vend aujourd’hui des assurances et Daniel King, maintenant a la retraite, a passé les dernières 30 années dans le milieu des garderies.

Plus personne, à ce jour, ne vit dans la nuit. Les membres de Nuance travaillent pour leurs gagne-pains, ils ont des jobs comme tous les autres.

Le Panthéon des auteurs-compositeurs canadiens (PACC) honore et célèbre les auteurs-compositeurs canadiens et ceux qui ont consacré leur vie à l'héritage de la musique, et s'efforce de sensibiliser le public à ces réalisations. Organisme national et à but non lucratif, le PACC est guidé par son propre conseil d'administration qui comprend à la fois des créateurs et éditeurs de musique anglophones et francophones ainsi que des représentants de l'industrie du disque. En décembre 2011, la SOCAN (Société des compositeurs, auteurs et éditeurs de musique du Canada) a acquis le PACC. Le mandat du Temple de la renommée s'harmonise avec les objectifs de la SOCAN en tant qu'organisme composé de membres et d'auteurs-compositeurs. La PACC continue d'être gérée comme une organisation distincte.

Source : Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens

Ada Lea

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021 - La montréalaise Ada Lea (Alexandra Levy de son vrai nom) fera paraître son nouvel album, one hand on the steering wheel the other sewing a garden le 24 septembre via Next Door Records.

Elle partage aujourd’hui l’évocateur et séduisant extrait / vidéo « damn ». Faisant suite à son premier album what we say in private (2019), one hand on the steering wheel the other sewing a garden est d'une part une collection de chansons pop/folk cathartiques et d'autre part un livre d'histoires déchirantes et une rétrospective de la vie urbaine. L'album se déroule à Montréal, à la fois le lieu et le personnage de nombre de ces chansons qui existent comme un point sur une carte d'histoire personnelle de la ville où Levy a grandi.

Levy a écrit et fait les démos de ce lot de chansons durant une résidence d'artiste à Banff en Alberta. Elle s'est ensuite rendue à Los Angeles pour enregistrer avec le réalisateur/ingénieur Marshall Vore (Phoebe Bridgers) avec qui elle avait travaillé sur le EP woman, here en 2020. Après une longue marche jusqu'au studio chaque matin, Levy a passé ses journées à plonger dans les arrangements, laissant tout se mettre en place de manière ludique avec une confiance totale en ses collaborateurs. Elle note que « l'expertise et l'expérience de Marshall en matière de batterie et d'écriture de chansons étaient le mélange parfait pour ce dont les chansons avaient besoin. Il a su me soutenir dans un sens harmonique, lyrique et rythmique ». Parmi les autres collaborateurs qui ont laissé une empreinte notable sur le paysage sonore, citons le batteur Tasy Hudson, le guitariste Harrison Whitford (du groupe de Phoebe Bridgers) et l'ingénieur du son Burke Reid (Courtney Barnett). De nombreuses chansons sont un mélange de pistes de studio et d'éléments des démos précédemment enregistrés.

Les sons qui en résultent vont de la beauté soft-rock classique à des passages folk plus intimistes et à de l'art-pop nocturne. Les textures sont souvent surprenantes en raison du collage de sons lo-fi et hi-fi qui décorent l'album avec goût  sans jamais assombrir le cœur des chansons. Inspirées d’expériences personnelles, de rêves quotidiens et des romans napolitains d'Elena Ferrante, les paroles centrent la narration à plus grande échelle. L'expérience et les émotions d'une année sont communiquées à travers les vignettes de la vie urbaine d’Alexandra. Sa prose est centrée aux alentours de la rue St Denis à Montréal, dessinant des souvenirs d’endroits comme Fameux, La Rockette et le Quai des Brumes. Elle a réussi à créer un « équilibre annuel » en divisant l'album de manière égale en quatre saisons.

Comme chanson d'hiver, la chanson d'ouverture « damn » lance le récit, relatant les événements d'une fête du Nouvel An maudite. La chanson semble intemporelle avec un groove AM Gold. Le clip, réalisé par Monse Muro présente une chorégraphie d'Axelle "Ebony" Munezero et Brittney Canda dans laquelle certains mouvements sont allongés et fluides, tandis que d'autres sont erratiques et brusques.

Doit-on considérer ces chansons comme de la fiction ou des souvenirs, la question reste entière. « Pourquoi est-ce que j'essaierais d'écrire une histoire qui n'est pas la mienne ? A quoi cela servirait-il ? » dit Lévy. D'un autre côté, elle note les manières dont le langage échoue à décrire la réalité et à quel point cela rend difficile de raconter une histoire réellement vraie. Le détournement poétique du mot « sewing » dans le titre de l’album sert de clin d’œil aux limites des mots. Que signifie coudre le jardin ? Et comment pouvons-nous apprécier ses fleurs soigneusement tricotées alors que le rétroviseur est rempli d’émanations de voiture ?

Source: Next Door Records


En spectacle au Canada en 2022
16/02 – Toronto – The Great Hall
17/02 – Ottawa – Centre National des Arts (Studio Théatre)
18/02 – Montréal – L’Astral
19/02 – Québec – Palais Montcalm (Salle d’Youville)

Information : Simon Fauteux

Montréal, août 2021 - L'auteur-compositeur torontois AHI (prononcez Eye) fera paraitre son troisième album Prospect le 5 novembre prochain via Thirty Tigers.

Enregistré à Nashville et réalisé par Paul Mabury, lauréat d’un GRAMMY, Prospect, une collection de dix chansons s'appuie sur une écriture enracinée dans un esprit de communauté, d'élévation et d'unité, est un album introspectif sur lequel AHI réfléchit sur sa propre identité ainsi que sur ce qu'il a vu dans sa communauté locale.

À l’évidence, le puissant nouvel extrait « Danger ».

La chanson, qui est à l'origine arrivée à AHI dans un rêve, raconte l'histoire d'une mère qui perd son fils à la suite d'un acte de violence armée. Peu de temps après avoir écrit « Danger », AHI a été mis en contact avec Evelyn Fox, une compatriote torontoise dont la perte tragique de son enfant faisait écho à l'histoire de la chanson. Fox a exhorté AHI à partager la chanson comme un moyen de mettre la lumière sur ce problème criant et d'apporter du réconfort aux autres, et ce faisant, il a été rassuré que dans cette vie, il n'y a pas de coïncidences.

« Cet univers peut souvent nous laisser nous sentir petits et insignifiants, mais je crois vraiment que nos vies font partie de quelque chose de plus grand et de plus significatif que nous ne le comprenons. Vous et moi sommes la perspective, et il est important de vivre nos vies comme si elles valaient quelque chose parce que notre impact les uns sur les autres est bien plus immense que nous ne pouvons l'imaginer » dit AHI. Evelyn Fox apparaît d’Ailleurs dans l’émouvant vidéoclip aux côtés d'AHI. Le clip, réalisé par Hyst Films a été tourné sur Adelaide Street à Toronto, rue à laquelle AHI fait référence dans les paroles de la chanson.

Pour AHI, Prospect est un voyage de découverte de soi, de libération et de pleine acceptation de lui-même. « En tant qu'homme noir, j'ai toujours été très conscient de la façon dont les gens peuvent vous classer avant même d'avoir entendu votre musique J'ai intentionnellement pris la décision de ne pas mettre mon visage sur mes deux premiers albums parce que je voulais que les gens écoutent la musique avant de porter un quelconque jugement ».

Avec Prospect, AHI offre un disque lumineux, apaisant et rempli d’humanité.

AHI sera en spectacle au Canada en février 2022 alors qu’il visitera Toronto (16/02), Ottawa (17/02), Montréal (18/02) et Québec (19/02). Retrouvez tous les détails de la tournée 2022 au

Source : 22ND SENTRY/Thirty Tigers

Jean-Michel Pilc

Information : Simon Fauteux

« Il n’y a probablement pas de pianiste jazz aussi diversifié et imprévisible que Jean-Michel Pilc » — Jazz Times

 Montréal, juillet 2021 – Le renommé pianiste français Jean-Michel Pilc fera paraitre son nouvel album de piano solo intitulé Children’s Scenes le 23 juillet via le mythique label montréalais Justin Time.

Faisant suite au EP Visions lancé en mars dernier, Children’s Scenes est composé d’improvisations et de pièces dérivées d'improvisations inspirées par les enfants de Jean-Michel et de leur chaton bien-aimé. « Leurs visages et leurs voix sont présents dans chaque note et je les revois dans ma tête à chaque fois que j'écoute cette suite. Il évoque aussi une de mes pièces classiques préférées du même nom, écrite par Robert Schumann » explique Jean-Michel.

Menant une riche carrière internationale depuis de nombreuses années, Jean-Michel Pilc dépasse le cadre du jazz, captivant tous les publics avec ses performances viscérales et hautement originales. Il a travaillé avec plusieurs légendes du jazz ainsi qu’avec Harry Belafonte en tant que directeur musical et pianiste et a joué en duo avec la légendaire Jessye Norman.

Lors de ses performances en tant que soliste et pianiste en trio, Jean-Michel improvise et fusionne le jazz, le classique et la chanson, avec une grande invention mélodique et rythmique, un toucher magique, et une technique exceptionnelle.

Caramel Wakes Up
First Light
Prince Albert Park
All My Friends
On The Way Home
It‘s Been A Good Day
Your Lullaby
Caramel Goes to Sleep

Jean-Michel Pilc - Piano

Source: Justin Time Records

Rufus Wainwright

Enregistré dans la mythique Paramour Mansion de Los Angeles en partenariat avec All Arts et WNET Group

Information : Simon Fauteux

Montréal, juillet 2021 - Rufus Wainwright fera paraître Rufus Wainwright: Unfollow The Rules – The Paramour Session le 10 septembre prochain via BMG.

Rufus Wainwright: Unfollow The Rules - The Paramour Session voit Wainwright interpréter des chansons de son album Unfollow The Rules, nommé aux GRAMMY® en 2020, ainsi que d'autres chansons de son extraordinaire répertoire, enregistrées « en direct » dans la mythique salle de bal du célèbre Paramour Mansion de Los Angeles. Il est accompagné d'un guitariste, pianiste et quatuor à cordes. L’album comprend deux chansons inédites « Treat A Lady » et « Happy Easter ».

Enregistrés lors de la première vague COVID, les musiciens et producteurs ont suivi toutes les consignes de sécurité pour assurer la santé de toutes les personnes impliquées. Le concert - qui a été créé pour la première fois l'été dernier en partenariat avec ALL ARTS, Arte/ZDF et le groupe WNET (à travers lequel il est nommé pour un New York EMMY®) - comprend une nouvelle et saisissante interprétation de « Peaceful Afternoon », chanson tirée de Unfollow The Rules, disponible dès maintenant sur toutes les plateformes.

Actuellement en tournée solo en Europe, Rufus Wainwright a un horaire chargé au cours des prochains mois, y compris des concerts en solo; Performances européennes de Mother, un programme de chansons populaires et classiques sur les mères et la maternité interprétées avec sa sœur Martha Wainwright ; Des spectacles en tête d'affiche aux États-Unis avec Aimee Mann en première partie et d'autres dates en tête d'affiche aux côtés de José González, en plus d’une tournée complète « Unfollow The Rules » au Royaume-Uni. Des spectacles supplémentaires seront annoncés prochainement. Visitez le pour les détails.

Louangé par le New York Times pour sa « véritable originalité », Rufus Wainwright s'est imposé comme l'un des grands chanteurs, auteurs-compositeurs et compositeurs de sa génération. Né à New York et élevé à Montréal, il a sorti dix albums studio à ce jour, trois DVD et trois albums enregistrés en spectacle, dont Rufus Does Judy, nommé aux GRAMMY®, au Carnegie Hall. Il a collaboré avec des artistes tels que Elton John, Burt Bacharach, Robert Wilson, David Byrne, Boy George, Joni Mitchell, Pet Shop Boys, Heart, Robbie Williams, Jessye Norman, Billy Joel, Paul Simon, Sting et le producteur Mark Ronson, entre autres. Wainwright a écrit deux opéras, de nombreuses chansons pour le cinéma et la télévision, et travaille actuellement sur sa première comédie musicale.

L'année dernière a vu la sortie de Unfollow The Rules, premier nouvel album pop de Rufus Wainwright depuis 2012. Réalisée par Mitchell Froom (Crowded House, Paul McCartney, Randy Newman) dans divers studios de Los Angeles, la collection trouve Wainwright au sommet de ses pouvoirs, entrant dans la maturité artistique avec passion, honnêteté et une nouvelle intrépidité. Unfollow The Rules s'est avéré être l'une des sorties les plus récompensées de l'année dernière, acclamée par la critique internationale et nommée aux GRAMMY® Award dans la catégorie « Best Traditional Pop Album » et au Juno Award pour « Adult Alternative Album of the Year ».

Source : BMG


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juillet 2021 - « Les apparences ». Un titre puissant qui lui sort des entrailles. Des écrans cathodiques, des ampoules clignotantes et des coupures de journaux. Réalisé par Usef Naït, le vidéoclip de ce nouveau legs de trois minutes et trente-huit secondes présente le prince de Limoilou à huis clos.

Entre les quatre murs qu’il tapisse de mots, Souldia y va d’une critique acerbe, et d’un crachat de fiel, quant aux faits saillants de cette actualité populaire qui lui lève le cœur. Bullseye. Sans gants blancs et avec le crayon coupe-gorge entre les doigts, il frappe encore une fois dans le mille.

Laisse-moi repeindre le monde par la pointe de mes mots
Je me regarde dans une glace avec les yeux des autres
Je t’aime et veux te crucifier à la moindre des fautes
Parce que le diable se cache derrière les apparences
Ici y’a que Dieu et le juge qui pèsent dans la balance

Avec près de 150 000 abonnés sur les réseaux sociaux et plus de 20 millions de visionnements sur YouTube, Souldia brasse la cage collective et fédère, vraisemblablement. Les chiffres s’en font le témoignage, et ils parlent fort.

Après avoir lancé l’impressionnant nombre de trois albums en un an, la prolifique bête de scène poursuit sur sa lancée avec « Les apparences ». À travers une robuste production peaufinée auprès de ses fidèles acolytes Christophe Martin et Farfadet, Souldia met aujourd’hui la table et positionne l’aplomb de ses mots comme élément central de ce dixième album.

 Source : Disques 7ième Ciel


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juillet 2021 – Quelques semaines après avoir lancé la dansante « CAMPING », KNLO partage aujourd’hui l’extrait « UNE SEULE LANGUE ft. Namani », annonciateur de son nouvel album à paraître le 10 septembre via Disques 7ième Ciel.

J'te parle de maintenant
Dis-moi pas ça va bien aller
Y faut ça aujourd'hui
On s'met un bon vieux soca
Dont on connaît toutes les notes ah oui

Sur « UNE SEULE LANGUE ft. Namani», le prolifique KNLO s'allie à nouveau aux producteurs Kheir, Koudjo & VLooper. Cette fois en conversation avec le Londonien Namani au sujet de la sincérité dans les relations, il y va d’un habile clin d’œil à la chanson « Turn Me On » de Kevin Lyttle, qu’il revisite en français, sur une musique aux influences électro brit, produite ici, chez lui.

 On a deux joues
Bien accotées sur deux lèvres
Deux beaux yeux
Mais une seule langue
Une seule langue
Une seule langue

À propos de KNLO
KNLO (alias KenLo Craqnuques) est un artiste multidisciplinaire né en 1984 à Sainte-Foy. Porteur du récit afrobascanadien et fort des albums Long jeu (2016), Sainte-Foy (2019) et Club Mixtape 2020 (2020), on le connaît aussi comme membre du groupe Alaclair Ensemble.

Source : Disques 7ième Ciel

Ampersounds / Rufus Wainwright

Information : Simon Fauteux

Montréal, juillet 2021 - Les légendaires DJ et producteurs de house Fred Falke et Zen Freeman alias AMPERSOUNDS lanceront le EP Where the Sun Sets and the Stars Rise le 16 juillet via West End Records/BMG. Ils sont rejoints par Rufus Wainwright sur deux morceaux dont « Technopera », lancé en juin, et le nouvel extrait « Solitude Of Heart ».

Le EP comprend la pièce « Technopera », accompagnée d'un clip créé par le célèbre directeur créatif de Daft Punk et la moitié de Daft Arts Crew, Cédric Hervet. Il déclare : « Quand Fred et Zen m'ont demandé d'écouter Technopera, j'explorais déjà depuis quelques temps les animations autour de lignes continues. Dès que j'ai entendu la chanson, je me suis dit que ça pouvait être le parfait concept pour le clip à la fois simple et poétique. Quand ils ont mentionné qu'ils utilisaient un synthétiseur Oscilloscope, je savais que les étoiles s'étaient alignées. Cette animation était destinée à cette chanson ».

Where the Sun Sets and the Stars Rise propose aussi un nouveau remix du classique de Raw Silk « Do It To The Music » de Fred Falke et Zen Freeman. « Do It To The Music » est sorti pour la première fois en 1982 et a été le plus gros succès de Raw Silk à ce jour, initialement publié via West End Records et culminant à la 5e place du palmarès Billboard Hot Dance Club et au 18e rang du palmarès UK Singles. La chanson était un incontournable de la scène disco de New York et l'une des préférées de l'emblématique Paradise Garage.

À propos du remix, Fred Falke et Zen Freeman révèlent : « Nous avons été vraiment honorés lorsque West End Records nous a demandé de faire un remix de Do it to the Music, car la pièce a toujours été un élément   incontournable pour remplir le plancher de danse dans notre set de DJ. La voix a une sensation tellement moderne même si elle date du début des années 80 et elle a de bons éléments que nous avons gardés dans le mix. Notre remix a modernisé un classique, l'amenant dans le futur avec notre propre son tout en gardant l'âme de la version originale »

À la sortie de « Technopera », Wainwright a révélé en exclusivité à Variety : « Je suis très fier du travail que j'ai fait avec Zen et Fred. C'était libérateur en tant qu'auteur-compositeur d'avoir une plate-forme à partir de laquelle sauter et de n'avoir qu'à penser à la mélodie et aux paroles et laisser quelqu'un d'autre créer la piste. Cela ne ressemble à rien de ce que j'ai fait, mais d'une manière ou d'une autre il y a encore beaucoup de Rufus dedans. J'espère que les gens feront la fête sur les pistes, en toute sécurité bien sûr, mais nous méritons tous une petite fête je pense ».

Zen et Fred ont ajouté : « Rufus est un talent exceptionnel et nous avons passé un moment fantastique à collaborer avec lui sur ce projet. Nous avons créé des textures riches avec des éléments électroniques puissants qui, selon nous, résonnent parfaitement avec la profondeur et l'intensité de Rufus »

“Technopera” (feat. Rufus Wainwright)
“Solitude of Heart” (feat. Rufus Wainwright)
“Do It To The Music” (2012 Club Mix Remastered)
“Do It To The Music” (Fred Falke x Zen Freeman Club Mix)

Source : BMG

Chilly Gonzales
21/01/22 – Toronto – Massey Hall
24-25-27/01/22 – Montréal – Théâtre Rialto
29/01/22 – Ottawa – Centre National des Arts
31/01/22 – Québec – Grand Théâtre

Chilly Gonzales avec Stella Le Page (violoncelle), Marine Goldwaser (clarinette basse), Yannick Hiwat (violon mezzo Amandine Robillard (theremin) et Victor Le Masne (percussion)

Réalisation : Toddla T

“Music is back and the shows are back to back
Music is back like the clap on a backing track
Music is back so grab your mask and a vax
Now scratch the past this is the aftermath

Music is back like Johann Sebastian Bach
Like Burt Bacharach or Ratatat
Music is back and abstract like yackety-yack yak when I rapidly rap rap
And you have to react

Music is back with the heaviest gravitas
But so is the laughing gas
Music is back and I’m jacked with this battery pack strapped to my back
And that ass just has to be slapped

Music is back
Music is back and I can’t relax
Music is back
No caveats
Music is back
Music is back just imagine that
Music is back
No caveats

Music is back and I’m back in my habitat
Doing my tightrope act like acrobats
Music is back two shows for half of the cash
We just had to adapt to get back in the black

Music is back and it’s got two hands attached
To this Bechstein, that’s a Cadillac

 Music is back, music is smack, music is crack
Music is that which you lack when you’re trapped that’s a fact
Music is back not the crap on your Apple Mac
Fuck a stream, fuck a screen, I get cataracts
Music is back cut the crap no panic attacks
Now I just laugh in the bath now that we have it back

 Music is back
Music is back and I can’t relax
Music is back
No caveats
Music is back just imagine that
Music is back
No caveats”

Source : Gentle Threat


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2021 – L’album « QCLTUR » est un symbole d’unité de la scène rap québécoise : On y retrouve des talents allant de Québec à Québec. Ainsi s'y croisent Souldia, FouKi, Connaisseur Ticaso, Shreez, Cupidon ou encore Nissa Seych pour ne citer qu'eux. En deux volets de 7 titres chacun, la Face A, lancée le 21 mai, a reçu un accueil des plus chaleureux du public et de l'industrie suscitant de l'excitation et de l'enthousiasme pour la deuxième partie dont la sortie est le 2 juillet.

Aux rappeurs présents sur l’album s'ajoute une florissante lignée de producteurs reconnus en KNY Factory de Banx & Ranx (Dua Lipa, Nicky Jam, Sean Paul), Benny Adam (SCH, Niro) et à surveiller comme Alain (Tizzo, White-B), Gary Wide (Rohff) ou encore le jeune prodige Kheir.

La liste des rappeurs présent sur l’album : Benny Adam, Boris Levrai, Connaisseur Ticaso, DawaMafia, FouKi, Gnino, JPS (validé par Alpha Wann), Le Ice (validé par Freeze Corleone), Loussa, Cupidon, Misa, MikeZup, Mouss, Nawfal, Nissa Seych, Raccoon (révélation Rap Radio-Canada 2020), Rosalvo, Sael, Shreez, Souldia et T.K.

Pour bien comprendre l'ampleur du projet QCLTUR: les artistes du projet totalisent plus de 250 000 abonnés sur Instagram, plus de 550 000 auditeurs mensuels sur Spotify, 45 millions d’écoutes sur YouTube et Spotify. À cela s’ajoute les 24 000 abonnés sur les réseaux sociaux de QCLTUR et plus de 100 000 abonnés sur les réseaux sociaux de Disques 7ième Ciel (Facebook, Instagram, YouTube).

Sael et FouKi vous présentent « Mami » le son de l’été !

Que ce soit en duo ou en équipe, la magie opère comme avec Sael et Fouki qui signent le banger de l'été "Mami", mixé par le génie des consoles Nk.F (Angèle, Booba, PNL, Damso).

Sur un beat entraînant signé KNY Factory (Banx & Ranx), Moe et Vaï, les deux rappeurs craquent et dévoilent leurs sentiments à la fille qui occupe leurs pensées.

Rosalvo et Boris chante un hymne à la beauté de la femme sur un rythme langoureux.

Quant à Rosalvo et Boris Levrai, les deux lovers livrent "Belle", le son le plus sensuel de ce rap jeu. Sur un rythme Kompa drill produit par le jeune phénomène Alain, ils se laissent aller à des paroles luxuriantes et nous embarquent dans une intense étreinte.

QCLTUR, c’est quoi ?

Pensé en 2018, QCLTUR (Prononcé culture) est officiellement créé en 2019 et est présent sur Instagram, YouTube, Facebook ainsi que Twitter. En un an, QCLTUR a su se faire une place stratégique dans le paysage médiatique numérique du Québec. Reconnu pour son contenu original, ses entrevues de qualité et sa capacité à révéler sans cesse de nouvelles pépites aux yeux du grand public, le média montréalais se porte comme un ardent promoteur de l’art francophone. La mission de QCLTUR est de dynamiser la francophonie à travers des rencontres de personnalités passionnantes.

Ainsi, à 5000 km de Paris, Montréal ou « la ville aux mille clochers » a été source d’inspiration pour des artistes comme Hamza ou Freeze Corleone. Jouissant d’une double culture francophone et anglo-saxonne, la ville influence déjà le rap français. Il n’y a qu’à voir l'impact du roi Heenok, devenu une référence ou encore l’intérêt de certains (dont Alpha Wann) pour JPS. Ce projet a pour mission de faire valoir l’influence du rap québécois aux yeux de la scène rap francophone !

Les rappeurs québécois sont conscients qu’ils n’ont pas forcément besoin de sortir physiquement de leur pays pour exister. Souldia a vendu près de 8000 albums en première semaine tandis que Loud a rempli le centre Bell (l’équivalent du Bercy) 2 soirs d’affilée. Il était temps de mettre sous les projecteurs la diversité de la scène rap du Québec.

Source : Disque 7ième Ciel / QCLTR


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel
En spectacle
02/07/21 – Rimouski – Coop Paradis
03/07/21 – Mont Saint-Louis – La Pointe-Sec
24/07/21 – Baie St-Paul – Le Festif (Complet)
13/08/21 – Sherbrooke – La Petite Boîte Noire
14/08/21 – Gatineau – Minautore
21/08/21 – St-Hyacinthe – Le Zaricot

« Drogue prescrit une bonne dose de rock sale et saignant, prouvant que la modération n’a pas meilleur goût » -  Patrick Baillargeon (PanM360)
« Rock’n’Roll aussi carré que libidineux et frondeur » - André Péloquin (Journal de Montréal)
« les chansons de DROGUE sont provocatrices et revendicatrices; la pédale au plancher, on appuie sur les bobos du monde. Une grosse critique sociale baveuse efficace qui frappe de plein fouet » - Jocelyn Legault (ARP media)

Montréal, juin 2021 – Après avoir lancé un EP éponyme fort bien accueilli en février dernier, le groupe DROGUE transporte sa folie et son rock corrosif sur scène cet été avec des spectacles à Rimouski, Mont Saint-Louis, Baie St-Paul, Sherbrooke, Gatineau et St-Hyacinthe. Retrouvez tous les détails au

C’est par ennui de mettre trop de guitares et trop d’amplis dans un truck pour aller jouer trop fort quelque part que la formation Drogue apparaît. Amis de longue date, Stéphane Papillon et Jean-Sébastien Chouinard (XLarge) avaient envie de ramener le rock énergique, revendicateur et explosif dans un paysage où le style a pris une tangente un peu plus cérébrale depuis quelques années.

Détonateur prêt à exploser, DROGUE c’est une force de frappe, une critique sociale, de l’Entertainment pur et brut qui arrache tout. C’est un mirage, une forte hallucination, une maladie incurable. C’est le ROCK fort, trop fort qui fait se coucher trop tard, qui provoque des convulsions, qui assure qu’on ne retient pas la leçon et que ça recommencera encore et encore.

Fortement inspirés des Hives, des Sonics et d’Iggy Pop avec leur rock décapant, DROGUE sature ses guitares autant que possible avant d’envoyer quelques esquisses à Ludwig Wax qui viendra compléter le cocktail. Le chanteur renommé pour ses prestations scéniques déchaînées et téméraires se joint à Jean-Philippe Roy qui viendra lui prêter main forte pour l'écriture des textes de ce premier EP et confirmera le ton désinvolte, corrosif et dadaïste de DROGUE.

Source : L-A be

Simon Leoza

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

July 30th – Victoriaville – Place Ste-Victoire
August 5th - Gaspé - Festival de musique du bout du monde
August 7th – Sherbrooke – Théâtre Granada
August 15th - Val-Morin
November 21st – Shawinigan – Centre des Arts de Shawinigan

Leoza managed to create a soundtrack for images that move behind each window, whether the latter’s made of glass, an eyepiece, or a guarded soul. And suddenly, when you are listening to Albatross, you’re listening to music made for you. - Headphone Commute

Une très très belle découverte! - Catherine Brisson (98.5)

Montréal, June 2021 – Following the success of his recent virtual concert at the Maison Symphonique de Montréal, which to date has more than 184,000 views on Facebook and YouTube, Montreal composer Simon Leoza (previously known as Tambour) will present a mini-documentary on the creative process of his first album Albatross on June 29 at 6 p.m. on his YouTube channel.

Released last April via Rosemarie Records, Albatross is Simon Leoza's first full-length album, bringing together unique pieces that Simon has accumulated and shaped over the past six years. Like the course of the seabird that flies great distances, the composition and production of Albatross has spanned the artist's musical explorations and overseas journeys. The album, containing 10 original pieces, goes from the grandiose to the intimate, characteristic of the composer's universe. Rich in instrumentation and electronic textures, Albatross is a daring emotional journey. Mixed in a subtle way by Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant), Albatross portrays a personal and authentic travel account of wonder and curiosity, somewhere between the vertigo of the mystic and the comfort of reality...

In addition to the shows he will be performing in Victoriaville, Gaspé, Sherbrooke, Val-Morin and Shawinigan by the end of the year, Simon has contributed music for the documentary The New North Pole of The Winds, directed by Sean Curtis Patrick, who just won an award at the Regional Emmy Awards in the '' Best Director - Long form Content '' category.

In addition, the music video for the piece “La nuée” continues to be noticed gathering several awards and selections in various festivals around the world:

Awards & Distinctions for La nuée:
D&AD Awards (UK)
- Graphite pencil Award - Best Direction

Oblikon Film Festival (Paris) 
- Award - Best Music
- Award - Best Director
- Award – Best Actor
- Official selection in the Short Film Competition

Rendez-Vous Québec Cinéma 
- Official selection in the Short Film Competition - Fiction

Festival International du Film sur l'Art
- Official selection – Video programming

Young Director Award (International)
- Shortlist Official selection - Music Video
- Shortlist Official selection - Short Film (up to 6 minutes)

Source: Rosemarie Records
Clip :
Management : Sarah Labelle -

Label : Rosemarie Records – Valérie Quesnel |
Booking : Rosemarie Records - Vincent Quirion |

Simon Leoza

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Click here read the english version

30 juillet – Victoriaville – Place Ste-Victoire
5 août - Gaspé - Festival de musique du bout du monde
7 août – Sherbrooke – Théâtre Granada
15 août - Val-Morin
21 novembre – Shawinigan – Centre des Arts de Shawinigan

« Une très très belle découverte! » - Catherine Brisson (98.5)

« Nous passons ici de l’intime au grandiose, de l’orchestral à l’électro. Et tout ça se conjugue avec beaucoup de classe » - Geneviève Bouchard (Le Soleil)

« …un compositeur talentueux qui n’hésite pas à se glisser hors du moule pour créer des pièces où l’émotion est palpable, où les textures sont riches » - Louis-Philippe Labrèche (Le Canal Auditif)

Montréal, juin 2021 – Suite au succès de son récent concert virtuel à la Maison Symphonique de Montréal qui compte à ce jour plus de 184 000 vues sur Facebook et YouTube, le compositeur montréalais Simon Leoza (auparavant connu sous le pseudonyme Tambour) présentera un mini-documentaire sur le processus de création de son premier album Albatross le 29 juin à 18h sur sa chaine YouTube.

Albatross, lancé en avril dernier via Rosemarie Records, est le premier album complet de Simon Leoza, réunissant des pièces uniques que le compositeur a accumulées et façonnées au cours des six dernières années. Comme le parcours de l’oiseau de mer qui vole sur de grandes distances, la composition et la production d’Albatross se sont étalées au gré des explorations musicales et des périples outre-mer de l’artiste. L’album de 10 pièces originales passe du grandiose à l’intime, caractéristique de l’univers du compositeur. Riche en instrumentation et en textures électroniques, Albatross est un audacieux voyage émotif. Mixé de manière subtile par Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant), Albatross dépeint un récit de voyage personnel et authentique, d’émerveillement et de curiosité, quelque part entre le vertige du mystique et le confort du réel.

Outre les spectacles qu’il donnera à Victoriaville, Gaspé, Sherbrooke, Val-Morin et Shawinigan d’ici la fin de l’année, Simon a contribué à la musique du documentaire The New North Pole of The Winds, réalisé par Sean Curtis Patrick, qui vient de remporter un prix aux Regional Emmy Awards dans la catégorie ''Best Director - Long form Content''

De plus, le vidéoclip de sa pièce « La nuée » continue de se faire remarquer tant pas les différents prix que par les sélections dans divers festivals à travers le monde :

Prix & Distinctions pour La nuée:
D&AD Awards (UK)
- Prix Graphite pencil dans la catégorie Best Direction

Oblikon Film Festival (Paris) 
- Prix de la meilleure musique
- Prix du meilleur réalisateur
- Prix du meilleur acteur
- Sélection officielle en Compétition de courts-métrages

Rendez-Vous Québec Cinéma 
- Sélection officielle en Compétition de court-métrages – FictionFestival International du Film sur l'Art
- Sélection officielle - Programmation de vidéoclips

Young Director Award (International)
- Sélection officielle pour la Shortlist - Music Video
- Sélection officielle pour la Shortlist - Short Film (up to 6 minutes)Source : Rosemarie Records

Gérance : Sarah Labelle -
Booking : Rosemarie Records - Vincent Quirion |


Information : Simon Fauteux

Montréal, juin 2021 - Après avoir lancé deux albums qui l'ont confirmé comme l’un des artistes les plus prometteurs du Québec, l’auteur-compositeur-interprète Geoffroy se prépare maintenant à franchir une nouvelle étape dans sa carrière avec la sortie de son troisième album, Live Slow Die Wise, qui paraîtra en début 2022.

Le montréalais partage aujourd’hui le premier extrait « Cold World », qui présente une réflexion sur l'état du monde actuel et les systèmes de croyances défaillants ancrés au cœur de nos sociétés. Geoffroy livre une critique d'une société basée sur l’individualisme, l’égo et la cupidité. Un monde brisé, absorbé dans une perpétuelle quête de croissance, d'innovation et de profit. Mais à quel prix pour l’humanité ?

Lancé simultanément, le clip accompagnant la chanson est une co-réalisation de Geoffroy et Jérémy Nolet (Davaï). On se retrouve rapidement dans l’esthétique soignée propre aux clips de l’artiste, qui cette fois dénonce, à travers de poignantes images d’archives, les conventions absurdes et les enjeux sociétaux qui persistent à creuser l’écart entre les différentes populations et idéologies de notre monde.

Live Slow Die Wise nous replonge dans l’univers envoûtant et introspectif de Geoffroy, cette fois d’un point de vue plus mature, plus réfléchi. Inspiré d’auteurs-compositeurs tels que Ry Cooder, Paul Simon, Nick Drake & Jeff Buckley et de penseurs comme Alan Watts, Eckhart Tolle et Michael Pollan, Geoffroy adopte, dans cet album, une approche plus contemplative et philosophique à l’écriture que dans ses albums précédents.

L’album Live Slow Die Wise a été écrit et composé pendant le confinement de 2020, avant de prendre vie en studio au début de 2021, sous la tutelle de Louis-Jean Cormier, qui en signe, avec Geoffroy, la réalisation. Ces chansons marquent un retour aux sources pour Geoffroy en tant qu'artiste, un rappel aux années passées à voyager à travers le monde avec sa guitare et à jouer solo un peu partout, en échange d’un peu n’importe quoi.

On y retrouve une appréciation renouvelée pour une instrumentation entièrement organique et un processus d'enregistrement en direct, ce qui ajoute de la profondeur et de l'authenticité aux chansons et qui, espérons-le, forgeront une connexion profonde avec l'auditeur.

« Live Slow Die Wise représente un état d'esprit particulier. Un principe sur lequel repose une manière de vivre, une façon de penser. C’est de prendre le temps de vivre librement et consciemment. C’est d’accepter et de rester conscient de la fragilité de la vie. Conscient de la chance qu’on a d’en faire partie et du bonheur qu’on peut en tirer à y jouer à l’adulte. » - Geoffroy.

Source : 444%

Jay Jay

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2021 – Pris sous son aile par l’illustre Souldia, le jeune rappeur Jay Jay fera paraître BLOC 2000, son premier EP, le 25 juin via Altitude Records & Disques 7ième Ciel.

D’origine congolaise et cadet d’une famille de six enfants, Jay Jay c’est la bombe charismatique, rafraîchissante, aux airs de diamant brut. C’est aussi l’histoire d’un quartier. Issu du secteur St-Pie X à Limoilou et profondément influencé par ce qui l’entoure, il dépeint sa réalité avec talent, finesse et lucidité. « Il y avait des grands qui faisaient du rap, mais ils étaient grands », avoue-t-il, spontanément. Aux portes de l’adolescence du haut de ses douze ans, Jay Jay fait manifestement exception.

La tête constamment à l’écriture, le nouveau venu attrape les idées au fur et à mesure qu’elles traversent son esprit allumé. Il partage autrement son temps entre les bancs d’école, le terrain de basket et le restaurant que tient sa mère, où il met la main à la pâte pour de l’argent ou des bonbons. Joueur, avec un flow polyvalent affirmé, Jay Jay est un travaillant. Ses deux premiers singles — les solides « Malewa » et « Frérots » — ancrent d’emblée le propos, en plus de le présenter au grand public. Sur BLOC 2000, co-réalisé par Christophe Martin et Souldia (qu’on retrouve dans la même fonction sur les derniers disques de Souldia), on causera par le rap de ce qui importe au jeune homme: son quartier, les amis, ses origines et, surtout l’amour et le respect qu’il voue à ses proches. Avec des collaborations tels que Souldia, Tizzo et Shreez sur l’album, Jay Jay n’est pas en reste.

Avec bien en vue cette solidarité qu’il entretient vis-à-vis des siens et de ceux qu’il considère comme faisant partie de la famille, Jay Jay propose un univers où la musique se met au service de l’espoir et des beaux jours. Propulsé par l’envie de prendre la parole, il rap… et il le fait fort bien.

Source : Disques 7ième Ciel