Drogue

https://www.youtube.com/watch?v=UYLPnk4XEsA&ab_channel=DROGUE

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel
En spectacle
02/07/21 – Rimouski – Coop Paradis
03/07/21 – Mont Saint-Louis – La Pointe-Sec
24/07/21 – Baie St-Paul – Le Festif (Complet)
13/08/21 – Sherbrooke – La Petite Boîte Noire
14/08/21 – Gatineau – Minautore
21/08/21 – St-Hyacinthe – Le Zaricot

« Drogue prescrit une bonne dose de rock sale et saignant, prouvant que la modération n’a pas meilleur goût » -  Patrick Baillargeon (PanM360)
« Rock’n’Roll aussi carré que libidineux et frondeur » - André Péloquin (Journal de Montréal)
« les chansons de DROGUE sont provocatrices et revendicatrices; la pédale au plancher, on appuie sur les bobos du monde. Une grosse critique sociale baveuse efficace qui frappe de plein fouet » - Jocelyn Legault (ARP media)

Montréal, juin 2021 – Après avoir lancé un EP éponyme fort bien accueilli en février dernier, le groupe DROGUE transporte sa folie et son rock corrosif sur scène cet été avec des spectacles à Rimouski, Mont Saint-Louis, Baie St-Paul, Sherbrooke, Gatineau et St-Hyacinthe. Retrouvez tous les détails au https://preste.ca/spectacles/drogue

C’est par ennui de mettre trop de guitares et trop d’amplis dans un truck pour aller jouer trop fort quelque part que la formation Drogue apparaît. Amis de longue date, Stéphane Papillon et Jean-Sébastien Chouinard (XLarge) avaient envie de ramener le rock énergique, revendicateur et explosif dans un paysage où le style a pris une tangente un peu plus cérébrale depuis quelques années.

Détonateur prêt à exploser, DROGUE c’est une force de frappe, une critique sociale, de l’Entertainment pur et brut qui arrache tout. C’est un mirage, une forte hallucination, une maladie incurable. C’est le ROCK fort, trop fort qui fait se coucher trop tard, qui provoque des convulsions, qui assure qu’on ne retient pas la leçon et que ça recommencera encore et encore.

Fortement inspirés des Hives, des Sonics et d’Iggy Pop avec leur rock décapant, DROGUE sature ses guitares autant que possible avant d’envoyer quelques esquisses à Ludwig Wax qui viendra compléter le cocktail. Le chanteur renommé pour ses prestations scéniques déchaînées et téméraires se joint à Jean-Philippe Roy qui viendra lui prêter main forte pour l'écriture des textes de ce premier EP et confirmera le ton désinvolte, corrosif et dadaïste de DROGUE.

Source : L-A be


Shawn Jobin

https://www.youtube.com/watch?v=QKv6M1A5XCg&ab_channel=ShawnJobin

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2021 – L’auteur-compositeur, rappeur et réalisateur Shawn Jobin partage aujourd’hui le vidéoclip de Distance, deuxième extrait et pièce-titre de son nouvel album à paraître le 24 septembre. Le clip animé est une réalisation de Yannick Lemos.

Les accents pop et chill de « Distance » accompagnent à merveille cette invitation à bouger, à profiter des soirées estivales ou à enfiler les kilomètres. Amalgame surprenant et efficace, Distance est une évocation de riches moments vécus, avec pour point de départ les prairies canadiennes. Écrite et composée par Shawn Jobin, la chanson démontre son indéniable talent de beatmaker.

Avant même la sortie de l’album Distance en septembre, Shawn donnera un avant-goût de ses chansons sur scène dès cet été. Il fera partie du grand spectacle des célébrations de la Fête du Canada le 1er juillet, et se joindra en août au groupe Clay and Friends pour assurer la première partie des spectacles de Pont-Rouge, Péribonka, Tadoussac, Matane et Petite-Vallée.

Originaire de Québec, Shawn Jobin atterri en Saskatchewan au début de l’adolescence et devient rapidement, via sa musique, un formidable ambassadeur de la francophonie pour l’Ouest canadien. Après près de 14 ans passés en Saskatchewan, il est maintenant de retour dans l'Est où il développe de nouvelles collaborations. Artiste émergent de la scène hip hop francophone, il a fait forte impression avec son premier album Éléphant lancé en 2017, qui lui a permis de remporter plusieurs prix au Gala Trille Or (2017) ainsi que les prix ROSEQ/RGE en 2017 et 2019.

L’album Distance sera un renouveau dans le style de l’artiste où il s’est beaucoup plus impliqué dans la composition et la réalisation, apportant aux chansons des notes électroniques et pop complètement assumées.

Source : 1-2-3 Go Label


Simon Leoza

https://www.youtube.com/watch?v=5tQYEq0XogM

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

IN CONCERT
July 30th – Victoriaville – Place Ste-Victoire
August 5th - Gaspé - Festival de musique du bout du monde
August 7th – Sherbrooke – Théâtre Granada
August 15th - Val-Morin
November 21st – Shawinigan – Centre des Arts de Shawinigan

Leoza managed to create a soundtrack for images that move behind each window, whether the latter’s made of glass, an eyepiece, or a guarded soul. And suddenly, when you are listening to Albatross, you’re listening to music made for you. - Headphone Commute

Une très très belle découverte! - Catherine Brisson (98.5)

Montréal, June 2021 – Following the success of his recent virtual concert at the Maison Symphonique de Montréal, which to date has more than 184,000 views on Facebook and YouTube, Montreal composer Simon Leoza (previously known as Tambour) will present a mini-documentary on the creative process of his first album Albatross on June 29 at 6 p.m. on his YouTube channel.

Released last April via Rosemarie Records, Albatross is Simon Leoza's first full-length album, bringing together unique pieces that Simon has accumulated and shaped over the past six years. Like the course of the seabird that flies great distances, the composition and production of Albatross has spanned the artist's musical explorations and overseas journeys. The album, containing 10 original pieces, goes from the grandiose to the intimate, characteristic of the composer's universe. Rich in instrumentation and electronic textures, Albatross is a daring emotional journey. Mixed in a subtle way by Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant), Albatross portrays a personal and authentic travel account of wonder and curiosity, somewhere between the vertigo of the mystic and the comfort of reality...

In addition to the shows he will be performing in Victoriaville, Gaspé, Sherbrooke, Val-Morin and Shawinigan by the end of the year, Simon has contributed music for the documentary The New North Pole of The Winds, directed by Sean Curtis Patrick, who just won an award at the Regional Emmy Awards in the '' Best Director - Long form Content '' category.

In addition, the music video for the piece “La nuée” continues to be noticed gathering several awards and selections in various festivals around the world:

Awards & Distinctions for La nuée:
D&AD Awards (UK)
- Graphite pencil Award - Best Direction

Oblikon Film Festival (Paris) 
- Award - Best Music
- Award - Best Director
- Award – Best Actor
- Official selection in the Short Film Competition

Rendez-Vous Québec Cinéma 
- Official selection in the Short Film Competition - Fiction

Festival International du Film sur l'Art
- Official selection – Video programming

Young Director Award (International)
- Shortlist Official selection - Music Video
- Shortlist Official selection - Short Film (up to 6 minutes)

Source: Rosemarie Records
Clip : https://www.youtube.com/watch?v=XnYAIukULRI&ab_channel=SimonLeoza
Management : Sarah Labelle - sarah@simonleoza.com

Label : Rosemarie Records – Valérie Quesnel | valerie@rosemarierecords.com
Booking : Rosemarie Records - Vincent Quirion | vincent@rosemarierecords.com


Simon Leoza

https://www.youtube.com/watch?v=5tQYEq0XogM

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Click here read the english version

EN SPECTACLE
30 juillet – Victoriaville – Place Ste-Victoire
5 août - Gaspé - Festival de musique du bout du monde
7 août – Sherbrooke – Théâtre Granada
15 août - Val-Morin
21 novembre – Shawinigan – Centre des Arts de Shawinigan

« Une très très belle découverte! » - Catherine Brisson (98.5)

« Nous passons ici de l’intime au grandiose, de l’orchestral à l’électro. Et tout ça se conjugue avec beaucoup de classe » - Geneviève Bouchard (Le Soleil)

« …un compositeur talentueux qui n’hésite pas à se glisser hors du moule pour créer des pièces où l’émotion est palpable, où les textures sont riches » - Louis-Philippe Labrèche (Le Canal Auditif)

Montréal, juin 2021 – Suite au succès de son récent concert virtuel à la Maison Symphonique de Montréal qui compte à ce jour plus de 184 000 vues sur Facebook et YouTube, le compositeur montréalais Simon Leoza (auparavant connu sous le pseudonyme Tambour) présentera un mini-documentaire sur le processus de création de son premier album Albatross le 29 juin à 18h sur sa chaine YouTube.

Albatross, lancé en avril dernier via Rosemarie Records, est le premier album complet de Simon Leoza, réunissant des pièces uniques que le compositeur a accumulées et façonnées au cours des six dernières années. Comme le parcours de l’oiseau de mer qui vole sur de grandes distances, la composition et la production d’Albatross se sont étalées au gré des explorations musicales et des périples outre-mer de l’artiste. L’album de 10 pièces originales passe du grandiose à l’intime, caractéristique de l’univers du compositeur. Riche en instrumentation et en textures électroniques, Albatross est un audacieux voyage émotif. Mixé de manière subtile par Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant), Albatross dépeint un récit de voyage personnel et authentique, d’émerveillement et de curiosité, quelque part entre le vertige du mystique et le confort du réel.

Outre les spectacles qu’il donnera à Victoriaville, Gaspé, Sherbrooke, Val-Morin et Shawinigan d’ici la fin de l’année, Simon a contribué à la musique du documentaire The New North Pole of The Winds, réalisé par Sean Curtis Patrick, qui vient de remporter un prix aux Regional Emmy Awards dans la catégorie ''Best Director - Long form Content''

De plus, le vidéoclip de sa pièce « La nuée » continue de se faire remarquer tant pas les différents prix que par les sélections dans divers festivals à travers le monde :

Prix & Distinctions pour La nuée:
D&AD Awards (UK)
- Prix Graphite pencil dans la catégorie Best Direction

Oblikon Film Festival (Paris) 
- Prix de la meilleure musique
- Prix du meilleur réalisateur
- Prix du meilleur acteur
- Sélection officielle en Compétition de courts-métrages

Rendez-Vous Québec Cinéma 
- Sélection officielle en Compétition de court-métrages – FictionFestival International du Film sur l'Art
- Sélection officielle - Programmation de vidéoclips

Young Director Award (International)
- Sélection officielle pour la Shortlist - Music Video
- Sélection officielle pour la Shortlist - Short Film (up to 6 minutes)Source : Rosemarie Records

Gérance : Sarah Labelle - sarah@simonleoza.com
Booking : Rosemarie Records - Vincent Quirion | vincent@rosemarierecords.com


Geoffroy

https://www.youtube.com/watch?v=uYqSBFejBJc&ab_channel=Geoffroy

Information : Simon Fauteux

Montréal, juin 2021 - Après avoir lancé deux albums qui l'ont confirmé comme l’un des artistes les plus prometteurs du Québec, l’auteur-compositeur-interprète Geoffroy se prépare maintenant à franchir une nouvelle étape dans sa carrière avec la sortie de son troisième album, Live Slow Die Wise, qui paraîtra en début 2022.

Le montréalais partage aujourd’hui le premier extrait « Cold World », qui présente une réflexion sur l'état du monde actuel et les systèmes de croyances défaillants ancrés au cœur de nos sociétés. Geoffroy livre une critique d'une société basée sur l’individualisme, l’égo et la cupidité. Un monde brisé, absorbé dans une perpétuelle quête de croissance, d'innovation et de profit. Mais à quel prix pour l’humanité ?

Lancé simultanément, le clip accompagnant la chanson est une co-réalisation de Geoffroy et Jérémy Nolet (Davaï). On se retrouve rapidement dans l’esthétique soignée propre aux clips de l’artiste, qui cette fois dénonce, à travers de poignantes images d’archives, les conventions absurdes et les enjeux sociétaux qui persistent à creuser l’écart entre les différentes populations et idéologies de notre monde.

Live Slow Die Wise nous replonge dans l’univers envoûtant et introspectif de Geoffroy, cette fois d’un point de vue plus mature, plus réfléchi. Inspiré d’auteurs-compositeurs tels que Ry Cooder, Paul Simon, Nick Drake & Jeff Buckley et de penseurs comme Alan Watts, Eckhart Tolle et Michael Pollan, Geoffroy adopte, dans cet album, une approche plus contemplative et philosophique à l’écriture que dans ses albums précédents.

L’album Live Slow Die Wise a été écrit et composé pendant le confinement de 2020, avant de prendre vie en studio au début de 2021, sous la tutelle de Louis-Jean Cormier, qui en signe, avec Geoffroy, la réalisation. Ces chansons marquent un retour aux sources pour Geoffroy en tant qu'artiste, un rappel aux années passées à voyager à travers le monde avec sa guitare et à jouer solo un peu partout, en échange d’un peu n’importe quoi.

On y retrouve une appréciation renouvelée pour une instrumentation entièrement organique et un processus d'enregistrement en direct, ce qui ajoute de la profondeur et de l'authenticité aux chansons et qui, espérons-le, forgeront une connexion profonde avec l'auditeur.

« Live Slow Die Wise représente un état d'esprit particulier. Un principe sur lequel repose une manière de vivre, une façon de penser. C’est de prendre le temps de vivre librement et consciemment. C’est d’accepter et de rester conscient de la fragilité de la vie. Conscient de la chance qu’on a d’en faire partie et du bonheur qu’on peut en tirer à y jouer à l’adulte. » - Geoffroy.

Source : 444%


Jay Jay

https://www.youtube.com/watch?v=Ht_Dmbkn_q0&ab_channel=Disques7i%C3%A8meCiel

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2021 – Pris sous son aile par l’illustre Souldia, le jeune rappeur Jay Jay fera paraître BLOC 2000, son premier EP, le 25 juin via Altitude Records & Disques 7ième Ciel.

D’origine congolaise et cadet d’une famille de six enfants, Jay Jay c’est la bombe charismatique, rafraîchissante, aux airs de diamant brut. C’est aussi l’histoire d’un quartier. Issu du secteur St-Pie X à Limoilou et profondément influencé par ce qui l’entoure, il dépeint sa réalité avec talent, finesse et lucidité. « Il y avait des grands qui faisaient du rap, mais ils étaient grands », avoue-t-il, spontanément. Aux portes de l’adolescence du haut de ses douze ans, Jay Jay fait manifestement exception.

La tête constamment à l’écriture, le nouveau venu attrape les idées au fur et à mesure qu’elles traversent son esprit allumé. Il partage autrement son temps entre les bancs d’école, le terrain de basket et le restaurant que tient sa mère, où il met la main à la pâte pour de l’argent ou des bonbons. Joueur, avec un flow polyvalent affirmé, Jay Jay est un travaillant. Ses deux premiers singles — les solides « Malewa » et « Frérots » — ancrent d’emblée le propos, en plus de le présenter au grand public. Sur BLOC 2000, co-réalisé par Christophe Martin et Souldia (qu’on retrouve dans la même fonction sur les derniers disques de Souldia), on causera par le rap de ce qui importe au jeune homme: son quartier, les amis, ses origines et, surtout l’amour et le respect qu’il voue à ses proches. Avec des collaborations tels que Souldia, Tizzo et Shreez sur l’album, Jay Jay n’est pas en reste.

Avec bien en vue cette solidarité qu’il entretient vis-à-vis des siens et de ceux qu’il considère comme faisant partie de la famille, Jay Jay propose un univers où la musique se met au service de l’espoir et des beaux jours. Propulsé par l’envie de prendre la parole, il rap… et il le fait fort bien.

Source : Disques 7ième Ciel


Chromeo

https://www.youtube.com/watch?v=GS0Jcn3W0cw

Information : Simon Fauteux

Montréal, juin 2021 - Chromeo fera paraître son tout premier album enregistré en spectacle, Date Night: Chromeo Live! , le 25 juin via Last Gang Records/eOne. L'album présente des versions live de chansons parcourant la carrière du groupe et enregistrées lors de leur tournée mondiale pré-pandémie incluant des spectacles à Red Rocks au Colorado ainsi qu’au Hollywood Bowl. « Nous avons toujours tourné en duo, mais lors de notre dernière tournée, nous avons formé un groupe de musiciens incroyables » explique David « Dave 1 » Macklovitch. « Nous leur avons dit : faisons en sorte que ça sonne comme la New Power Generation de la fin des années 1980, début des années 1990. Ça a donné une nouvelle vie à l'ensemble de notre catalogue. C’était vraiment trippant et « over the top » comme tout ce que nous faisons ! ».

Au plus fort de la pandémie, par pure nostalgie, Chromeo a commencé à trier les enregistrements de la tournée. Après avoir choisi les versions préférées de chaque chanson, ils ont réalisé qu'ils avaient un album live entre les mains. L'album capture le groupe en plein essor, à l'apogée de ses pouvoirs funky, offrant 90 minutes de funk pur et parfaitement inconscients de la fermeture des seize mois qui les attend.

La dernière année a été étonnamment bien remplie pour Chromeo, un groupe généralement en tournée, qui donne plus de 150 spectacles annuellement. Au printemps dernier, le duo a enregistré un EP thématique sur la quarantaine alors qu'il était enfermé dans son studio de Burbank et l'a sorti au printemps, faisant un don de 80 000 $ au fonds de secours COVID de Know Your Rights Camp. Lorsque la tragédie a frappé le Liban natal de Patrick "Pee Thugg" Gemayel l’an dernier - l'explosion massive à Beyrouth qui a détruit un quartier entier - ils se sont rapidement précipités pour sortir une ligne de produits dérivés et ont fait un don de 10 000 $ aux efforts de sauvetage.

Le plan est maintenant de faire don du produit des ventes de vinyles et de produits dérivés de Date Night à Touring Professionals Alliance, qui aide les membres des équipes, le personnel des salles et d'autres membres de l'industrie de la musique live touchés par la pandémie.

Chromeo a également créé un label, Juliet Records, pour diffuser la musique d'amis et d'artistes qu'ils admirent, avec des approches créatives similaires. Les sorties du label au cours de la première année incluent les disques de la future star du R&B et icône de la mode Ian Isiah (produit par Chromeo), de l'ensemble d'avant-jazz new-yorkais Onyx Collective et du virtuose claviériste montréalais Anomalie. Ils ont également tourné leur attention vers la réalisation pour une poignée d'artistes avec des sorties prévues en 2021.

Date Night: Chromeo Live! est le document sonore d'un groupe qui approche ses 20 ans de carrière et présage de ce qui arrivera de Dave 1 et Pee Thugg, amis et collaborateurs inséparables et gardiens du groove à jamais.

DATE NIGHT: CHROMEO LIVE!

  1. Funklordz Intro [live in New York City]
  2. Fancy Footwork [live in New York City]
  3. Juice [live in Vancouver]
  4. Hot Mess [live in Seattle]
  5. Come Alive feat. Toro y Moi [live in Los Angeles]
  6. Night By Night [live in Portland]
  7. Bad Decision [live in Minneapolis]
  8. (My Girl Is Calling Me A) Liar [live in Minneapolis]
  9. Needy Girl [live in Los Angeles]
  10. One Track Mind [live in Seattle]
  11. Bonafied Lovin [live in San Francisco]
  12. Don’t Sleep [live in DC]
  13. Old 45s [live in Portland]
  14. Slumming It [live in New York City]
  15. Don’t Turn the Lights On [live in Vancouver]
  16. Over Your Shoulder [live in San Francisco]
  17. 100% [live in Minneapolis]
  18. Must’ve Been [live in Vancouver]
  19. Count Me Out [live in New York City]
  20. Jealous (I Ain’t With It) [live in New York City]

Source : Last Gang


Ada Lea

https://www.youtube.com/watch?v=uXcmZLLDt1c&ab_channel=AdaLea

Information : Simon Fauteux

Montréal, juin 2021 - L’autrice -compositrice montréalaise Ada Lea (Alexandra Levy de son vrai nom) présente aujourd’hui « hurt », un nouvel extrait/vidéo et sa première chanson depuis la sortie du EP woman, here en 2020.

« hurt » se passe pendant un hiver enneigé à Montréal - une ville que Levy appelle « sa maison ». La basse et les claviers aux tonalités sombres résonnent, alors que Levy utilise un langage et des images d’une franchise désarmante: « somebody hurt me badly, now I’m stuck in a rut // now I don’t know my body // I could say it or say nothing at all // take a walkor take none at all // get on a bus back to montreal // tell my friends or say nothing at all ». Alors que la chanson atteint son apogée, sa voix est portée par un tourbillon de cordes et de claviers au tempo rapide.

Dans le vidéoclip lancé simultanément et réalisé par Monse Muro, Levy est assis à une table décorée et inondée de couleurs désaturées. Des images et des couleurs particulières défilent au fur et à mesure que la chanson gagne en intensité. « Je voulais trouver un moyen de communiquer des sentiments compliqués en utilisant le langage le plus simple possible », explique Levy. « Je suis venu avec un récit et j'ai supprimé presque tous les détails, afin de ne pas obscurcir le sentiment - mais je l'ai laissé ouvert en termes de résolution : est-ce que cette blessure était nécessairement une mauvaise chose ? »

« hurt » fait suite au EP woman, here (2020) et à son premier album what we say in private, lancé en 2019, une collection d'émotions brutes, confessionnelles et parfois désordonnées, présentées à travers des chansons pop magnifiquement colorées. « hurt » est un avant-goût de ce qui s’en vient…

mélodie et texte par alexandra levy
réalisation: alexandra levy, marshall vore
ingénieur: marshall vore
enregistrement additionnel: sam gleason, steve newton
mix: burke reid
mastering: heba kadry

voix : alexandra levy
choeurs : johanna samuels
guitare : alexandra levy, harrison whitford
synthé : marshall vore
cordes : eve parker finley
basse : harrison whitford
percussions : marshall vore
batterie : tasy hudson
arrangements de cordes : eve parker finley
photographe et styliste : monse muro
assistant photo: alice cloutier
direction artistique : alexandra levy, monse muro

Source : Next Door Records


Jamaz

https://www.youtube.com/watch?v=BtSpOsrLVcQ&ab_channel=LaFamilleSoinEntreprise

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2020Les Ennuis, cet autoportrait de Jamaz en 8 tableaux au sein desquels la nostalgie, l’amour, l’ambition et la lassitude cohabitent avec les intempéries de la vie sera disponible le 18 juin chez Disques 7ième Ciel. Dans sa trajectoire, vous ferez rencontre fortuite, honnête et intime avec un artiste dans sa bulle se laissant bercer, pour survivre, par Les Ennuis en circulation.

Membre en règle du groupe montréalais LaF, le rappeur et beatmaker français/nord-américain Jamaz s’entoure de La Famille Soin Entreprise avec la participation au micro de ses frères Mantisse et Bkay. Les productions sont signées avec soin par bnjmn.lloyd, OCLAZ, BLVDR. Sambé (de O.G.B.), Arthur Evenard, dont deux titres produits par l’artiste lui-même.

CRÉDITS

01 - Aisance:
Auteur / interprète : Jamaz (Thibault de Castelbajac)
Produit par: bnjmn.lloyd (Benjamin Duplantie)

02 - Vêtements:
Auteur / interprète: Jamaz (Thibault de Castelbajac)
Produit par: Jamaz (Thibault de Castelbajac), Arthur Evenard (Arthur Evenard)

03 - Rouler:
Auteur / interprète: Jamaz (Thibault de Castelbajac)
Produit par: Sambé (Samuel Brais-Germain)

04 - Nuée:
Auteur / interprète : Jamaz (Thibault de Castelbajac), Mantisse (Thomas Thivierge-Gauthier)
Produit par: Oclaz (Maxime de Castelbajac), Mantisse (Thomas Thivierge-Gauthier), Jamaz (Thibault de Castelbajac), Hockyn (Nicolas Gigou), Bnjmn.Lloyd (Benjamin Duplantie), BLVDR (Julien Bergeron)

05 - Catégorique:
Auteur / interprète : Jamaz (Thibault de Castelbajac)
Produit par: Bnjmn.Lloyd (Benjamin Duplantie)

06 - Zepam:
Auteur / interprète: Jamaz (Thibault de Castelbajac), Bkay (Justin Boisclair)
Produit par: bnjmn.lloyd (Benjamin Duplantie)

07 - Come Back:
Auteur / interprète: Jamaz (Thibault de Castelbajac)
Produit par: bnjmn.lloyd (Benjamin Duplantie)

08 - Les Ennuis:
Auteur / interprète: Jamaz (Thibault de Castelbajac)
Produit par: bnjmn.lloyd (Benjamin Duplantie)

Source : Disques 7ième Ciel


AHI

https://www.youtube.com/watch?v=OevHwXx9p2I&ab_channel=AHI

Information : Simon Fauteux

Montréal, juin 2021 – L’auteur-compositeur torontois AHI (prononcez Eye) partage aujourd’hui « Until You », extrait de l’album à venir cet automne.

Partout où AHI passe, les gens tombent sous son charme - un trait essentiel pour un artiste qui a voyagé partout, des hauts lieux de la création de Nashville, Toronto et Londres jusqu’à la désolation des hauts plateaux éthiopiens. L'âme aguerrie de sa voix donne vie à ses chansons authentiques et narratives, chacune répertoriant le spectre des expériences qu'il a vécu. Ses talents ont été récompensés par une session Tiny Desk sur NPR et il compte 14 millions d’écoutes de son morceau ‘Ol’ Sweet Day’ en plus d’une nomination aux JUNO.

« Until You » est un magnifique hommage à « cette personne » qui change tout. La chanson, intime et émouvante, possède une ambiance de bien-être opportune et un attrait pop qui s'étend au-delà des influences d'AHI. On y entend des échos de Sam Cooke, Jason Isbell et Bill Withers et c'est une chanson qui n’est pas rappeler autant Michael Kiwanuka, Dermot Kennedy ou Leon Bridges.

Les paroles centrales de la chanson “I was one of the wandering / Trying to fight through the elements” résume toute l'histoire d’AHI. Comme il l'explique, « Vous n'avez pas besoin de parcourir la nature sauvage de l'Amérique du Nord avec un sac à dos, de parcourir les tropiques des îles des Caraïbes ou de gravir les hauts plateaux éthiopiens sans un sou à votre nom comme je l'ai fait, pour comprendre le poids extrême de la solitude et de l'isolement. Selon mon expérience, ce poids n'a été levé qu'une fois que j'ai trouvé quelqu'un qui m'a aidé à me trouver. Lorsque cette personne entre dans votre vie, vous avez l'impression d'avoir conquis le monde. C’est aussi rare que certaines des parties les plus reculées de cette vaste terre. »

« Until You » a été écrite par AHI, réalisé par le lauréat d’un Grammy. Paul Mabury (Lauren Daigle) et mixé par George Seara (Shawn Mendes, James Bay, Ed Sheeran).

Le vidéoclip qui accompagne « Until You » se déroule au Bata Shoe Museum de Toronto, la ville natale d’AHI. Sa vaste collection d'artefacts s'étend sur 4 500 ans, y compris des objets de nombreuses cultures anciennes du monde. Chaque chaussure est symbolique des propres voyages d'AHI et de son cheminement pour se trouver en tant qu'artiste. Il a choisi le musée car il était impatient de mettre en lumière certains des espaces intérieurs les plus précieux de la ville, dans le cadre d'un appel plus important à soutenir les nombreuses entreprises qui ont été les plus durement touchées par COVID.

Après avoir parcouru le monde avec son sac à dos, AHI a eu un réveil spirituel et a trouvé sa vocation à travers la musique. Il a appris seul à chanter et à jouer de la guitare avec une mission : écrire des chansons qui aideraient aussi les autres à trouver leur voix. Il a enregistré son premier album We Made It Through The Wreckage à Nashville en moins d'une semaine et il l’a lancé sur son propre label 22ND Sentry, en collaboration avec Thirty Tigers. Sa chanson « Ol’ Sweet Day » est devenue un hit viral mettant la table pour son deuxième album In Our Time, lancé en 2018.

AHI a tourné sans relâche jusqu'à la fermeture de l'industrie du spectacle l'année dernière, voyageant des heures pour donner des concerts d'un océan à l'autre, à travers les états méridionaux jusqu'au Nunavut, à travers Death Valley et les Prairies sans fin, passant parfois du lever au coucher du soleil derrière le volant, arrivant juste à temps pour monter sur scène. Cet engagement envers les tournées lui a également permis de se produire dans certains lieux mythiques, notamment le Red Rocks Amphitheatre au Colorado, le Radio City Music-Hall de New York et le Greek Theater de Los Angeles.

  • Voix, guitare: AHI
  • Batterie: Paul Mabury(Lauren Daigle)
  • Guitares: Adam Lester(Peter Frampton), Dwayne Larring (Lauren Daigle, Kelly Clarkson)
  • Claviers: Dwan Hill(Lauren Daigle, Cece Winans)
  • Basse: David Curran(Lauren Daigle)
  • Guitare acoustique: Frank Carter Rische(Miranda Lambert, LeeAnn Womack)
  • Choeurs: Emoni Wilkins, Devonne Fowlkes, Lizzie Morgan(Lauren Daigle)

Source : Thirty Tigers


Quatuor esca

https://www.youtube.com/watch?v=0ZXN2jJYTe0&ab_channel=Quatuoresca

Information : Simon Fauteux

Montréal, juin 2021 – Originaire de Montréal, le Quatuor esca est composé d’Edith Fitzgerald (second violon), Sarah Martineau (alto), Camille Paquette-Roy (violoncelle) et Amélie Lamontagne (premier violon). Quatre musiciennes chevronnées, passionnées par leur art et le plaisir de se produire ensemble.

Alors que le travail se poursuit sur le premier album qui paraîtra en janvier 2022, le Quatuo esca partage aujourd’hui une magnifique relecture du classique de Simon & Garfunkel « The Sound of Silence », chanson écrite par Paul Simon et arrangée par le renommé François Vallières (Nouvelle ensemble Moderne, Orchestre Métropolitain).

Écoutez et partagez « The Sound of Silence » : https://ffm.to/quatuoresca_thesoundofsilence

Fondé en 2004, le quatuor à cordes dynamique est réputé pour ses prestations accomplies et la richesse de son répertoire, qui passe du classique à la musique populaire. Régulièrement appelée à participer à des spectacles avec des artistes populaires, cette union de quatre femmes aussi différentes que complémentaires se produit avec un égal bonheur sur scène ou sur des plateaux télévisés aux côtés d’artistes de renom tels que Jean Leloup, Ingrid St-Pierre, Diane Dufresne, Coeur de Pirate, Jean-Pierre Ferland, Half Moon Run et Harry Manx.

On peut également les entendre sur divers albums dont ceux d’Isabelle Boulay, Diane Tell, Nicolas Pellerin et les Grands Hurleurs, Les Soeurs Boulay, Beyries et Pascale Picard entre autres. Le Quatuor esca est également reconnu pour ses multiples collaborations créatives et inédites avec des compositeurs d'ici, tels que François Vallières, Maxime Goulet, Antoine Gratton, Sébastien Lépine et Marc-André Landry.

Sympathiques et chaleureuses, les musiciennes de la formation dégagent une énergie communicatrice qui gagne le public à tout coup.  Polyvalentes, elles se produisent avec un égal bonheur lors de concerts classiques, de tournées avec des artistes de renom ou des enregistrements d’albums.

Source : In Tempo musique


Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens

https://www.youtube.com/watch?v=-RJaUPch1ko

Information : Simon Fauteux

Montréal, juin 2021 – Deux des grands classiques du groupe franco-ontarien CANO, « Dimanche après-midi » - écrite et composée par André Paiement - et « Baie Sainte Marie » - écrite et composée par Marcel Aymar, David Burt, John Doerr et Wasyl Kohut - seront intronisés au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens le samedi 19 juin dans le cadre du Gala Trille Or qui sera diffusé sur les ondes d’UNIS TV à 20h. Un medley des deux chansons sera interprété lors du gala par le duo Geneviève et Alain avec les participations de Marcel Aymar, John Doerr et Jason Hutt.

« C’est avec joie et avec une immense fierté que nous intronisons ces deux grandes chansons marquantes et incontournables de l’univers franco-canadien » a déclaré Nicholas Fedor, directeur du Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens. 

CANO s’est rapidement imposé comme un emblème de la présence francophone en Ontario avec l’album Tous dans l’même bateau paru en 1976. C’est aux sillons de cet opus, leur premier en carrière, que se logent les chansons « Baie Sainte-Marie » et Dimanche après-midi, cette dernière, une carte postale acheminée depuis Sturgeon Falls, la bourgade nord-ontarienne qui a vu grandir André Paiement.

« Dimanche après-midi »

André Paiement en signe les paroles, un texte inspiré par son emploi d’été comme sacristain à l’église française catholique du village, la plus vaste et imposante des environs. C’est lui qui sonnait les cloches et travaillait, en quelque sorte, comme homme à tout faire en ce lieu saint. « Comme moi, mon grand frère était bedeau, se souvient Paul Paiement. « André se levait le matin, il allait à l’église, il ouvrait les portes et puis là, il sonnait la cloche qu’on entendait dans toute la ville. Puisqu’il n’y avait rien à faire, parce que tous les commerces de la ville étaient fermés sauf le moulin, il s’assoyait sur la passerelle entre l’église et le presbytère pour fumer une cigarette en attendant que la messe se termine. Il y avait quatre messes le dimanche! On n’assistait quand même pas à chacune d’entre elles... On attendait que les gens sortent, puis on allait tirer sur les cordes pour faire sonner les cloches. La chanson, ça décrit ça. »

Au fil des trois minutes et quarante et une secondes que durent l’enregistrement original, l’auteur et vocaliste André Paiement s’adresse à quelqu’un dont il s’ennuie manifestement et qu’il tutoie dans un élan poétique.

« Si tu étais ici / Je ferais cesser l'orage / La pluie qui claque sur le pavé / J'ai envie d'aller marcher. » Les célébrations ecclésiastiques terminées, on l’imagine sans mal errer entre les rues de Sturgeon Falls, un parapluie en main et en pensant à celle qu’il l’aime. « Le ‘’tu’’, c’est pour sa blonde, je pense que c’était écrit pour son premier amour » divulgue Paul Paiement. « Ils sont sortis ensemble longtemps. C’était une fille de la place. [...] Elle s’appelait Viviane, mais je dois admettre que je ne peux pas garantir que c’était elle qu’il avait en tête quand il a composé la chanson. Je sais que plusieurs femmes de Sturgeon Falls réclament être la cible de la chanson En plein hiver, la piste 6 du même album. Si vous saviez combien de femmes! Des femmes qui ont aujourd’hui une soixante-dizaine d’années… »

Dimanche après-midi, de par ses accents country et sa structure pop, tranche délicatement avec les autres pièces à prédominance prog rock qui meublent le répertoire de CANO. « Moi, je pense que cette influence-là vient de Buffalo Springfield, l’un des premiers groupes de Neil Young. C’est dans ce style acoustique-là. J’ai d’ailleurs un enregistrement d’André qui chante une des chansons de Buffalo Springfield, I Am a Child. »

« Baie Sainte-Marie »

C’est l’histoire d’une chanson qui transporte jusqu’aux berges de la Nouvelle-Écosse, de la huitième et dernière plage d’un disque qui créera un précédent dans l’histoire de la musique francophone hors Québec. Quand Baie Sainte-Marie sort en 1976, le groupe CANO est sur le point de connaître une percée fulgurante partout au Canada.

Écrite à la gloire du père de Marcel Aymar, guitariste et vocaliste au sein de CANO, Baie Sainte-Marie s’est en fait élaborée à huit mains. « Baie Sainte-Marie c’est vraiment la première chanson qu’on a composée en gang, se souvient Marcel Aymar. J’ai amené mes idées, la mélodie et les paroles. De ça, on a commencé les arrangements. Avec CANO, c’est certain que nos chansons ne duraient pas trois ou quatre minutes! »

David Burt, John Doerr et Wasyl Kohut sont ceux qui, au détour du local de répétition du groupe, ont ajouté leur grain de sel au morceau. La pièce s’ouvre sur les cris des goélands qu’on s’imagine croisés au bord de l’eau, des chants maritimes et stridents que Kohut a su recréer au violon. Or, Baie Sainte-Marie sonde des profondeurs qui n’ont rien d’aquatiques. C’est une chanson qui ramène Aymar aux rives de Meteghan et au parfum du poisson de son enfance, mais par le biais de la tendresse qu’il porte à son père. « Le vent de l'Acadie, c'est mon père / Dans mon père / Je peux tellement me voir / Je veux le remercier/ Pour ce qu'il m'a donné » Il en va d’un hommage, d’une déclaration d’amour filial à l’endroit de celui qu’il a quitté pour voler de ses propres ailes.

Contact média, demandes d’entrevues : SIX media marketing Inc. (pour le PACC)
simon@sixmedia.ca

Source : Panthéon des auteurs-compositeurs canadiens
Texte : Catherine Genest


Ampersounds / Rufus Wainwright

https://www.youtube.com/watch?v=nhVCp2zI5xI

Information : Simon Fauteux 

Montréal, juin 2021 - Les légendaires DJ et producteurs de house Fred Falke et Zen Freeman alias AMPERSOUNDS se sont associés à Rufus Wainwright pour une nouvelle collaboration passionnante. Leur premier extrait, TECHNOPERA, qui fait partie d’un EP à paraître le 16 juillet est disponible sur toutes les plateformes via l'emblématique West End Records et est accompagné d'un clip créé par le célèbre directeur créatif de Daft Punk et la moitié de Daft Arts Crew, Cedric Hervet.

S'exprimant sur le projet, Wainwright a révélé au magazine Variety : « Je suis très fier du travail que j'ai fait avec Zen et Fred. C'était libérateur en tant qu'auteur-compositeur d'avoir une plate-forme à partir de laquelle sauter et de n'avoir qu'à penser à la mélodie et aux paroles et laisser quelqu'un d'autre créer le morceau. Cela ne ressemble à rien de ce que j'ai fait, mais d'une manière ou d'une autre, il y a encore beaucoup de Rufus dedans. J'espère que les gens feront la fête sur les morceaux, en toute sécurité bien sûr, mais nous méritons tous un peu la fête je pense ».

Zen et Fred ajoutent : « Rufus est un talent exceptionnel et nous avons passé un moment fantastique à collaborer avec lui sur ce projet. Nous avons créé des textures riches avec des éléments électroniques puissants qui, selon nous, résonnent parfaitement avec la profondeur et l'intensité de Rufus ».

Le créateur du clip, Cédric Hervet, partage « Quand Fred et Zen m'ont demandé d'écouter Technopera, j'explorais déjà depuis quelques temps les animations autour de lignes continues. Dès que j'ai entendu la chanson, je me suis dit que ça pouvait être le parfait concept pour le clip à la fois simple et poétique. Quand ils ont mentionné qu'ils utilisaient un synthétiseur Oscilloscope, je savais que les étoiles s'étaient alignées. Cette animation était destinée à cette chanson ».

Source : BMG


Jay Jay

https://www.youtube.com/watch?v=IOjD1Im1sKo&t=38s

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2020 – Avec bien en vue cette solidarité qu’il entretient vis-à-vis des siens et de ceux qu’il considère comme ses frères, Jay Jay propose sur « Frérots » la rencontre de l’espoir et de son antipode, aux côtés d’un King Fali qui contribue à faire monter l’intensité déjà palpable.

« Frérots » fait l’effet d’un coup de poing. Assortie à son vidéoclip, la track explosive et chargée dresse l’état des lieux. Dans un paysage alternant entre Limoilou et Sherbrooke, Jay Jay et son accolyte King Fali trônent à l’écran sur leur royaume respectif.
« Saint-Pie Sarayevo, ici c’est Kigali. Ici c’est le Québec, du Congo à l’Italie. C’est pas les pyramides, c’est les tours de Bardy ». Visualisant le rap et les alliances à travers un œil semblable, les deux jeunes artistes y vont de rimes abruptes, dont le delivery décape tout en provoquant les hochements de la tête. Éloge au fait de ne pas être seul et de pouvoir compter sur les siens, la pièce au rythme pesant écorche autant qu’elle rassure. Entre les deux garçons, un échange à la fois bienveillant et musclé.

Confiant, franc, charismatique et surprenant, Jay Jay est un véritable phénomène. Endossant les codes de la culture hip hop, tout en les ancrant dans sa réalité qu’on devine parfois dure, le jeune rappeur nous prend aux tripes et ne laisse personne indifférent. «Toujours avec mes frérots, j’suis pas tout seul dans mon vaisseau».

CRÉDITS // VIDÉO
Production exécutive : Altitude Record & Disques 7ième Ciel
Production déléguée : Carl Méthot pour Hsprods
Réalisation : Carl Méthot pour Hsprods & Kevin St-Laurent
Caméra, postproduction, colorisation et VFX : Carl Méthot pour Hsprods

Source : Disques 7ième Ciel


Amay Laoni

https://www.youtube.com/watch?v=9ZB_TmWAfyo&ab_channel=AmayLaoni

En spectacle dans le cadre des Concerts Kartel
23 juin – Québec – L’Impérial - Billets
29 juin – Montréal – Mtelus - Billets

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2021Amay Laoni partage aujourd’hui l’extrait « Sous les rivières », enregistré en duo avec Marie Mai. La chanson qui parle d’ancrage et d’introspection, sera disponible sur la version Deluxe de l’album Le tournant le 27 août prochain. Les deux femmes avaient envie de mettre de l’avant ce thème de chanson qui les interpelle toutes les deux. Co-écrite par les deux chanteuses et le réalisateur Etienne Chagnon, « Sous les rivières » fait planer autant qu’elle fait danser.Lancé en octobre dernier, l’album « Le tournant » d’Amay Laoni a séduit la critique montréalaise et québécoise. On associe son univers à de la pop scandinave d’avant-garde. On dit aussi qu’avec ses créations complexes et inventives, personne au Québec ne sonne comme Amay Laoni. Elle cumule plus de deux millions d’écoutes sur les plateformes numériques en plus de se positionner sur d’importantes playlists éditoriales.

Depuis maintenant 15 ans, la chanteuse Maire-Mai cumule six albums, cinq certifications platine, six tournées, 15 concerts au Centre Bell, et près de deux millions de spectateurs en salle et en festival. Ayant remporté plus de 10 Félix, dont cinq fois le prestigieux prix d’interprète féminine de l’année, Marie-Mai est sans contredis l’une des artistes les plus prolifiques de la musique québécoise de la dernière décennie.

Source : Oblik Records


Jorane

https://www.youtube.com/watch?v=kSpGS2Xv7rk&ab_channel=jorane

« Les Tectoniques - Mouvances intérieures, qui altèrent l’enveloppe du réel »

EN SPECTACLE
6-7 avril 2022 – Québec – Grand-Théâtre (Avant-Première) - Billets en vente bientôt
21 avril 2022 – Montréal – Théâtre Outremont (Première)

Information : Simon Fauteux 

Montréal, juin 2021 - Après avoir laissé percer quelques brèches de son travail des dernières années avec Antimatière l’automne dernier, Jorane révèle aujourd’hui la pièce Les tectoniques, premier véritable coup d’œil sur HEMENETSET, l’œuvre majeure et ambitieuse qui prendra vie sur disque chez L-A be, le 17 septembre prochain et sur scène, dans un spectacle à grand déploiement, en 2022. L’avant -Première aura lieu les 6 et 7 avril au Grand Théâtre de Québec et la Première sera présentée le 21 avril à Montréal au Théâtre Outremont.

Fidèle à sa voix sans mots, l’exploratrice sonore et créatrice d’une rarissime liberté propose une pièce qui traduit sa force naturelle instinctive. Les tectoniques est la démonstration d’un chaos créateur qui propulse plus qu’il ne détruit. « La lumière côtoie la noirceur des abîmes », explique Jorane, « accepter l’un libère la force de l’autre. » Une vision qui s’apparente à la philosophie générale de l’artiste qui, au sortir de la pandémie, souhaite imaginer la vie d’après, plutôt que de retrouver la vie d’avant. Les tectoniques dépeint le premier élan intérieur d’où émerge le changement. « C’est un appel à retrouver cet élan du cœur et du corps, à laisser davantage parler la nature et l’instinct. » souligne l’artiste.

Avec l’intention de créer une œuvre où dialoguent multiples voix, Jorane s’est tournée vers des créateurs de divers horizons. Ainsi, une vidéo interactive et ludique, réalisée par François Blouin (Cirque du soleil, Felix and Paul), d'après une conception visuelle de Caroline Lavergne et créée par le studio Ottomata accompagne la pièce. On y propose un herbier musical, où les fleurs s’animent sous le contrôle du participant. Ce jeu en ligne se veut un clin d’œil sympathique à une phrase d’Emanuele Coccia en laquelle Jorane trouve l’inspiration : « Le monde est avant tout ce que les plantes ont su en faire. »

Voyez L'herbier des Tectoniques en cliquant ici

S’ajoutent également tout l’univers photographique du renommé photographe Damian Siqueiros, qui a su capter sur pellicule la force énigmatique qu’incarne Jorane. Finalement, la pochette de l’extrait est une œuvre de Julie Charland, artiste montréalaise qui œuvre comme conceptrice d'images pour le Centre National des Arts.

HEMENETSET

HEMENETSET est une oeuvre plurielle et collaborative déclinée en plusieurs volets qui invite le public à s’abandonner à une expérience artistique et philosophique de métamorphose. Imaginée par Jorane, cette symphonie moderne de près de 90 minutes s’articule autour du concept de l’instinct et établit un dialogue fécond entre l’art et la technologie d’avant-garde. Cette création vertigineuse murit dans l’esprit de Jorane depuis maintenant six ans. Elle s’inscrit allègrement dans l’ère actuelle, période de libération, de rébellion, de transition et d’incertitude, signe que l’artiste a su ouvrir ses antennes à la sensibilité du monde.

À cette fresque musicale s’ajoutera tout un univers visuel auquel se greffera une technologie d’avant-garde que le public découvrira au printemps 2022, en l’iconographie et les projections du metteur en scène François Blouin.

Se définissant de plus en plus comme une spéléologue musicale, Jorane effectue, depuis quelques années, un travail de recherche visant à déconstruire les codes et à imaginer des méthodes de création inédites. À l’intérieur du vaste monde musical que nous découvrons, Jorane emprunte des chemins de traverse, pour y concevoir son propre monde et y convier l’auditeur. Tels les méandres d’un cours d’eau matriciel – parfois sereins, d’autres fois agités – Jorane se laisse porter et emporter.

Crédits Les Tectoniques
Musique : Jorane
Réalisation : Marc Bell & Jorane
Ingénieur : Ghislain-Luc Lavigne

Jorane : Voix, violoncelle et harpe
Mathieu Désy : Contrebasse
Martin Lizotte : Piano, Synthétiseur
Geneviève Toupin, Chloé Lacasse : Voix
Marc Bell : Synthétiseurs, programmation, percussions

Quatuor à cordes
Geneviève Clermont : Violon 1
Vanessa Marcoux: Violon 2
Lana Tomlin: Alto
Sophie Coderre : Violoncelle

Arrangements voix : Jorane
Arrangement Quatuor à cordes : François Vallière.

Source : L-A be


STYX

https://www.youtube.com/watch?v=mNoG4U7QiVc&ab_channel=STYXSTYXOfficialArtistChannel

Information : Simon Fauteux

Juin 2021 - Une nouvelle ère d'espoir, de survie et de prospérité s'ouvre avec la sortie de CRASH OF THE CROWN, le nouvel album studio de STYX, qui a été écrit avant la pandémie et enregistré pendant les temps difficiles de la pandémie. Les légendaires rockers – James "JY" Young (voix guitares), Tommy Shaw (voix, guitares), Chuck Panozzo (basse, voix), Todd Sucherman (batterie, percussions), Lawrence Gowan (voix, claviers) et Ricky Phillips (basse, guitare, voix) – feront paraître un 17e album le 18 juin via leur label Alpha Dog 2T/UMe.

La chanson-titre « Crash of the Crown » innove pour STYX. C’est la première chanson dans le répertoire légendaire du groupe à mettre en vedette trois chanteurs principaux ; James "JY" Young au départ, Tommy Shaw à la tête de l’héroïque section centrale à voix multiples et Lawrence Gowan prenant charge du dernier couplet. « Je suis toujours à la recherche de la seule chose différente que nous puissions faire et que ce soit toujours STYX », note le toujours bouillonnant Gowan « et c'est la chanson dont je suis le plus fier. La beauté, c'est que c'est l'aboutissement de tous nos talents rassemblés en une seule chanson, un peu à la manière d’Abbey Road. J'ai également pu utiliser du matériel que je n'aurais jamais pensé avoir la chance de jouer sur un disque STYX comme l'orgue Hammond B3 de Tommy, mon Minimoog et mon Mellotron. »

Les sessions d’enregistrement de CRASH OF THE CROWN ont commencé sérieusement au studio-maison de Shaw à Nashville à l'automne 2019, avec Gowan – l'extraordinaire showman et claviériste/chanteur de STYX depuis 1999 – dans la pièce avec Shaw et le réalisateur de l'album, Will Evankovich alors qu'il travaillait sur la première chanson de l'album à être enregistrée, « Common Ground », un appel insistant et ardent à l'unité. Mais, la pandémie mondiale qui a inévitablement transformé la façon dont nous avons tous fini par vivre en 2020 a changé le cours du nombre de sessions d'enregistrement à domicile et à l'extérieur du groupe qui ont finalement dû opter pour la distance sociale. Les précautions de sécurité ont prévalu pour tous les membres du groupe STYX impliqués et les complices de production avec une mise en quarantaine et des tests diligents requis avant que l'un d'entre eux puisse se rendre à chez Shaw pour répandre la poussière d'étoiles de STYX sur les 15 pistes choisies de manière cosmique de l'album.

Parmi tous ceux qui ont fait le voyage jusqu'à Nashville, le bassiste original de STYX Chuck Panozzo - qui, avec son défunt frère jumeau, le batteur John Panozzo, a formé le noyau initial de STYX lorsqu'ils ont commencé à jouer ensemble dans leur sous-sol du south side de Chicago à 1961 - est de loin le plus effusif sur l'expérience. « Je suis constamment étonné de la façon dont l'écriture de chansons de Tommy continue de se connecter avec la conscience sociale qui traverse les générations », s'émerveille Chuck, qui joue sur « Our Wonderful Lives » et « Lost at Sea », le trop bref rêve de fièvre aquatique de Lawrence. « Lui et Will ont tous deux pu puiser dans les éléments fondamentaux de la condition humaine, ce qui ne changera pas tant que ça dans 50 ans – ou même 500 ans. C'est pourquoi STYX reste pertinent après tout ce temps, car nous faisons partie de la condition humaine. »

Qu'il s'agisse de la puissance du morceau d'ouverture « The Fight of Our Lives », du la douce de « Rêveries », la main tendue en réconfort et en rédemption de « Hold Back the Darkness », l'indéniable élévation de « Our Wonderful Lives » (un beau sentiment encore embelli par la toute première apparition d'un banjo sur un album de STYX !), ou l'appel élégiaque de la pièce « To Those », CRASH OF THE CROWN est de la musique qui est à la fois de son époque et intemporelle à la fois. Bien que la date de sortie officielle de cet album historique soit en 2021, le contenu de CRASH OF THE CROWN rappelle facilement un amalgame d'événements historiques qui se sont produits en 1066, 1455, 1775, 1861, 1941 et même 2001 sans citer aucun d'entre eux par leur nom – les observations prémonitoires de Winston Churchill en temps de guerre qui imprègnent les appels omniprésents de « Save Us From Ourselves » nonobstant. En substance, CRASH OF THE CROWN est un chronographe sonore moderne du cycle régénératif sans fin de la montée et de la chute – et de la montée à nouveau – de notre expérience humaine.

« Nous n’avons jamais été un groupe de protestation. Nous sommes plus comme une caravane de gospel essayant d'envoyer des messages positifs partout où nous allons », observe Tommy Shaw, co-créateur et visionnaire de CRASH OF THE CROWN, qui a rejoint STYX en décembre 1975 en tant que guitariste/chanteur et est instantanément devenu l'un des les auteurs-compositeurs les plus importants du groupe. « Afin de partager ces messages positifs, vous devez d'abord examiner quels sont les problèmes pour déterminer toutes les façons dont vous pouvez vous assurer que tout ira bien. C’est une partie très importante de la façon dont nous faisons ce que nous faisons. »

Bien que CRASH OF THE CROWN jette un regard critique sur certains sujets intrinsèquement sombres, la lumière qui prévaut au bout du tunnel finit par devenir le point focal de chaque chanson – une ferveur persistante pour continuer à avancer et à atteindre le « bien collectif. »

La mission sacrée de STYX en faisant CRASH OF THE CROWN était claire comme du cristal pour son co-créateur dès le départ. « Absolument aucun obstacle n'allait entraver la façon dont nous avons abordé la création de cet album », conclut Shaw à propos des efforts d'enregistrement herculéens de ses collègues. « Et tout est sorti exactement comme nous voulions l'entendre ».

CRASH OF THE CROWN fait suite au 16e album studio de STYX, THE MISSION - leur premier en 14 ans à l'époque, lancé le 16 juin 2017 sur le label du groupe, Alpha Dog 2T /UMe. Il a fait ses débuts à l'origine sur divers palmarès Billboard, y compris: # 6 Top Rock Albums, #11 Physical Albums, #11 Vinyl Albums, #13 Current Albums, #14 Billboard Top Albums, #16 Retail, #17 Mass Merch / Non-Traditional #29 Albums numériques et #45 Billboard 200 (comprend le catalogue et la diffusion en continu).

De plus, pour le Record Store Day - le samedi 12 juin - STYX sortira également THE SAME STARDUST EP sur vinyle bleu de 180 grammes de 12 pouces uniquement, qui comprendra deux nouvelles chansons sur la Face A ("The Same Stardust" et " Age of Entropia"), ainsi que cinq performances Live sur la Face B de certains des classiques de STYX précédemment entendus lors de leurs diffusions en direct "STYX Fix" qui ont tenu compagnie aux fans pendant la pandémie sur leur page YouTube officielle, y compris « M. Roboto », « Man In The Wilderness », « Miss America », « Radio Silence » et « Renegade ».

Source : Alpha Dog 2T /UMe


QCLTUR

https://www.youtube.com/watch?v=6nmoAQZ4Mek&ab_channel=QCLTUR

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, juin 2021 - Gnino et Shreez se remémorent une vie qui appartient à leur passé mais qui reste malheureusement réelle pour beaucoup de personnes. Content d’avoir pu trouver la musique comme refuge, Gnino savoure sa revanche sur ses déboires mais non sans arrogance « Monsieur l’agent je fais votre argent en chantant ». De même, Shreez promet à son père de se consacrer à la musique et d’aller le plus loin possible « Papa regarde où s’en va ton fiston (loin) ». Sur une production du jeune Kheir, Gnino laisse aller son vague à l’âme et Shreez, qui s’est fait connaitre dans un style de rap plus Trap et Drill, montre ici qu’il sait s’adapter à d’autres styles.

Bio Gnino
Gnino est issu d’une famille de musicien. Son père, RJ Boy, était lui-même rappeur. Gnino est membre du collectif Cagoulé Gang ( avec YH). S’il a commencé en anglais, c’est maintenant dans la langue de Molière que le rappeur originaire de Tétreaultville nous livre ses mélodies.

Bio Shreez
Originaire du quartier Fabreville à Laval, Shawn Volcy, plus connu sous le nom de Shreez a su se tailler une place importante dans l’écosystème rap de la belle province. Il se fait remarquer aux cotés de Tizzo et remporte le prix Socan 2019. Membre fondateur de Canicule, son premier album solo « On Frap » a dépassé les 5 millions de streams.

QCLTUR l’album
L’album « QCLTUR Face A » lancé le 21 mai dernier est un symbole d’unité de la scène rap québécoise : on y retrouve des rappeurs venant de toute l’île de Montréal, des rives Nord et Sud, de Québec et même de Gatineau ! Toutes les générations de rappeurs et tous les styles se rencontrent et forment des collaborations inédites !

Pour bien saisir l’envergure du projet QCLTUR : ses artistes totalisent plus de 250 000 abonnés sur Instagram, plus de 550 000 auditeurs mensuels sur Spotify, 45 millions d’écoutes sur YouTube et Spotify. À cela s’ajoute les 24 000 abonnés sur les réseaux sociaux de QCLTUR et plus de 100 000 abonnés sur les réseaux sociaux de Disques 7ième Ciel (Facebook, Instagram, YouTube).

QCLTUR, c’est quoi ?
Pensé en 2018, QCLTUR (Prononcé culture) est officiellement créé en 2019 et est présent sur Instagram, YouTube, Facebook et Twitter. En un an, QCLTUR a su se faire une place stratégique dans le paysage médiatique numérique du Québec.

Reconnu pour son contenu original, ses entrevues de qualité et sa capacité à révéler sans cesse de nouvelles pépites aux yeux du grand public, le média montréalais se porte comme un ardent promoteur de l’art francophone. La mission de QCLTUR est de dynamiser la francophonie à travers des rencontres de personnalités passionnantes.

Les rappeurs québécois sont conscients qu’ils n’ont pas forcément besoin de sortir physiquement de leur pays pour exister. Souldia a vendu près de 8000 albums en première semaine tandis que Loud a rempli le Centre Bell (l’équivalent de Bercy) deux soirs d’affilés. Il était temps de mettre sous les projecteurs la diversité de la scène rap du Québec. Ainsi, à 5000 km de Paris, Montréal ou « la ville aux mille clochers » a été source d’inspiration pour des artistes comme Hamza ou Freeze Corleone. Jouissant d’une double culture francophone et anglo-saxonne, la ville influence déjà le rap français. Il n’y a qu’à voir l'impact du Roi Heenok, devenu une référence ou encore l’intérêt de certains (dont Alpha Wann) pour JPS. Ce projet a pour mission de faire valoir l’influence du rap québécois aux yeux de la scène rap francophone !


Jam

https://www.youtube.com/watch?v=R4fdZfNllqk&ab_channel=Disques7i%C3%A8meCiel

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, mai 2021 – Reconnu pour son flow nonchalant et ses textes tout en modestie, Jam présente Bettta, son premier projet solo qui paraîtra le 28 mai via Disques 7ième Ciel. À travers cet EP intimiste, l’auteur-compositeur et interprète propose un retour aux sources avec une approche minimaliste sur des musiques dénudées et des textes introspectifs sur des airs mélancoliques.

Accompagné de son fidèle collaborateur Toast Dawg, Jam assure non seulement la composition des textes mais également la réalisation de pratiquement toutes les chansons de Bettta. Avec ce projet composé de sept titres, Jam s’est entouré de Lary Kidd, Snail Kid et Robin Kerr qui s’amalgament parfaitement à l’ambiance singulière du EP.

David Beaudin-Kerr, alias Jam a débuté sa carrière avec le duo Jam et P.Dox, pour continuer son parcours au sein du K6A, un collectif de création audio-visuelle qui œuvre dans la tradition hip-hop. Il s’est agréablement démarqué dans l’art du battle rap francophone, en participant à plusieurs WordUp Battles, se hissant parmi les favoris de la francophonie. Au fils des ans, Jam a participé à de nombreux projets et collaboré avec divers artistes tels que Alaclair Ensemble, Dead Obies, Loud Lary Ajust, Dramatik, Toast Dawg, FouKi et plusieurs autres.

Avec son frère Gregory Beaudin-Kerr, alias Snail Kid (Dead Obies) et son père d’origine jamaïcaine Robin Kerr (Uprising), le groupe Brown Family voit le jour en 2016. De cette union familiale découle leur premier album Brown. Juxtaposant hip-hop, reggae, soul et dancehall, l’album fut un franc succès. Le groupe a parcouru les routes du Québec, marquant les foules par sa musique rassembleuse, ses textes engagés et son histoire familiale.

Après avoir participé à la tournée historique de rap québécois L’Osstidtour aux côtés de Alaclair Ensemble et Koriass, tournée nommée à l’ADISQ dans la catégorie Spectacle de l’année – Auteur-compositeur-interprète en 2017, Brown Family a lancé le EP POPLUV, présentant quelques chansons aux saveurs pop et estivale. À l’automne 2019, la Brown Family a fait paraître brown baby gone, poussant une fois de plus son introspection à travers l'ensemble des nuances qui la définit, mais cette fois teinté d'une profonde envie d'évasion et de liberté.

Source : Disques 7ième Ciel


FouKi X Jay Scøtt

https://youtu.be/5K4SwZ1Ft3g

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, mai 2021 - Les routes de FouKi et Jay Scøtt se croisent le temps d'un roadtrip estival à bord de l’extrait collaboratif « Copilote », reprise de la chanson originale de l'auteur-compositeur et interprète Jay Scøtt, retravaillé par QuietMike, Pops & Poolboy sur le récent album Grignotines de Luxe de FouKi. Les ébats amoureux, la liberté de rouler jusqu'à plus d'heures et les paysages à couper le souffle sont au cœur de cette chanson par excellence pour vos prochains tours de machine!

La famille 7ième Ciel en profite pour annoncer officiellement l’ajout de l’artiste Jay Scøtt à sa division 117 Records. Restez à l’affût pour la suite des choses…

« Copilote » est présentement #15 du Top 100 BDS et cumule à ce jour plus de 1 089 485 écoutes sur Spotify et 460 316 écoutes sur Apple Music, loin devant les autres titres de l'album Grignotines de Luxe de FouKi. À sa première journée de pistage radio, « Copilote » a été ajouté en rotation à CKOI et ce fût la première fois qu'une chanson québécoise francophone se retrouvait #1 du 6 à 6... 12 heures après son entrée.

Chanson
Auteurs : FouKi & Jay Scøtt
Compositeurs : Pier-Luc Jean Papineau, Tom St-Laurent, Clément Langlois-Légaré, Adel Kazi-Aoual
Produit par : Jay Scøtt, QuietMike, Pops & Poolboy
Guitares : Pier-Luc Jean Papineau et Clément « Pops » Langlois-Légaré
Basse et contrebasse : Clément « Pops » Langlois-Légaré
Prise de son et mix additionnel : Adel Kazi-Aoual
Mix : Antoine Nadon et Olivier « Mocy » Robitaille
Mastering : Richard Addison (Trillium)

Vidéoclip
Production exécutive : Disques 7ième Ciel
Production déléguée : Moonstruhk
Conception, réalisation et montage : Phil Chagnon
DOP : Christophe Fortin
Opérateur steadicam : Kes Tagnay
Effets spéciaux : Carlo Harrietha, Jean-Mathieu Bérubé et leur team Ivan Savchev et Philippe St-Denis (Blood Brothers)
MUA : Tania Guarnaccia
DA/stylisme : Maïlis Roy Lessard
Assistant-caméra et VFX : Benjamin Gagné
Directrice de production : Jacinthe Robert (Moonstruhk)
Chef Machino : Youri Pelletier (El Camion)
Chef Électro : Saad Abas
Coordonnateur de production : Sam Doiron (Moonstruhk)
Producteur exécutif : Mathieu Cauchon (Moonstruhk)
PA : Josué Soulard et Samuel Ferland

Un gros merci à Post-Moderne pour l’équipement, à Amandine Pison et Xavier Maximus Plante pour leurs voitures et à Maxime Vallée pour la tortue!

Source : Disques 7ième Ciel


Shad

https://youtu.be/0y_sVmhY7oY

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, mai 2021 - Après avoir pris les gens par surprise le mois dernier en lançant « Out of Touch », sa première toute nouvelle chanson depuis 2018, Shad récidive en dévoilant aujourd’hui une étonnante et percutante pièce et son vidéoclip, « Work».

Shad nous raconte : « Comme “Out of Touch”, “Work” est une autre chanson écrite avant la pandémie qui est (tristement) encore plus pertinente maintenant. Je savais que je voulais écrire une chanson à propos de deux aspects précis du travail. D’abord, la façon dont tant de nos emplois sont déconnectés du sentiment d’avoir un sens et un but. Et deuxièmement, la précarité et la rareté à la hausse du travail. Aussi, comme pour “Out of Touch”, je souhaitais que la chanson englobe à la fois l’ironie/humour et la gravité de notre situation. »

Produite par et incluant la participation de Skratch Bastid, cette pièce est construite autour d’un échantillon torride du groupe art-rock We Are The City et elle mixe d’anciennes et nouvelles influences, amenant le flow flexible de Shad dans d’excitantes nouvelles directions. Justin Broadbent, le réalisateur du vidéoclip, partage son inspiration pour les images : « J’ai essayé de faire un vidéoclip de rap classique en studio (pensez à Rakim), mais j’ai accidentellement pris un détour, et c’est devenu plus brut et punk. Comme toujours, Shad livre un collage de commentaires brillants — alors j’ai tenté de faire la même chose visuellement. Regardez le clip en montant le son très fort! »

L’extrait précédent, « Out of Touch » a été accueilli de façon incroyablement positive par les médias tout comme par les fans, attirant notamment l’attention de Brooklyn Vegan, Exclaim!, Strombo, KEXP, American Songwriter et de nombreux autres. La chanson a également vu Shad se retrouver à la une de plusieurs listes d’écoute sur les plateformes d’écoute en continu, en plus d’apparaître sur des panneaux publicitaires. De plus, le mois dernier, le réputé DJ brooklynois J. Period a lancé « Globetrottin », une nouvelle chanson où l’on peut entendre Shad et Masego. « Globetrottin » est une pièce ludique tirée du EP de J. Period, qui inclut également des apparitions de Black Thought, Dave Chappelle et Lin-Manuel Miranda, entre autres.

Shad est l’un des rappeurs canadiens les plus adorés, un incomparable manieur de mots qui incarne la capacité du hip-hop de divertir et d’éduquer. Depuis ses débuts DIY en 2005, le MC torontois a repoussé les limites de son style de hip-hop aussi socialement engagé qu’accrocheur, lançant cinq albums de plus en plus ambitieux qui ont été encensés par la critique et qui ont été couverts par des médias comme Rolling Stone, Complex, The Ringer, Fader, NPR, et plusieurs autres. À ce jour, Shad cumule plus de 30 millions d’écoutes en continu, il a remporté un prix Junodans la catégorie Enregistrement rap de l’année (pour TSOL en 2010), et il s’est inscrit quatre fois sur la prestigieuse courte liste du Prix de musique Polaris, dont récemment pour son album-concept de 2018, A Short Story About a War. Sa musique a pu être entendue dans des séries télé telles que Snowpiercer, The Murders, Tall Boyz et plusieurs autres. Sa mission, qui est d’inspirer et d’informer, va au-delà de sa propre musique. Ancien animateur de l’émission culturelle emblématique de CBC Radio, q, Shad peut actuellement être vu en train de discuter du métier avec les légendes du rap dans le cadre de la docusérie originale de Netflix gagnante de prix Emmy et Peabody, Hip-Hop Evolution.

Source : Secret City Records


Le Hangar

Information : Simon Fauteux

Valcourt, mai 2021 - Situé à Valcourt en Estrie, le Studio B-12 est un studio d’enregistrement et une résidence créative pour accueillir les artistes qui désirent baigner dans un contexte stimulant et faire surgir le feu sacré.

De 1969 à 2014, la propriété fut un domaine familial appartenant à J.R. André Bombardier, fils du célèbre inventeur Joseph Armand Bombardier. Il s’agit d’un bâtiment moderne d’une vingtaine de pièces situé sur un terrain de 19 acres, dessinée par l’architecte et peintre Jacques De Blois. L’habitation est bordée par le Brandy Creek et le Pont Cousineau, pont couvert datant de 1880. Quelques années après avoir fondé la boîte de développement culturel L-A be (Salebarbes, Sara Dufour, Éric Goulet et plusieurs autres), Louis-Armand Bombardier reprend la maison de son père pour en faire le Studio B-12, qui tire son nom du célèbre véhicule de son grand-père.

Du nouveau ce printemps avec Le Hangar!

Suites aux rénovations et aux améliorations, nous sommes heureux de présenter Le Hangar, un nouvel environnement des plus inspirants. Tout en poursuivant son accueil auprès des musiciens et des écrivains, le Studio B-12 ouvre la porte aux artistes en arts visuels avec Le Hangar. Sa mission : Démocratiser et rendre accessible l’art tout en soutenant le cheminement des artistes par le biais de projets et ateliers artistiques.

Adjacent au studio, Le Hangar est maintenant un bâtiment de 50 x 30 pieds gorgé de lumière dont la pièce principale bénéficie de grands murs pour le travail en arts visuels et peut accueillir jusqu’à 10 personnes pour des ateliers et formations diverses. La pièce centrale multifonctionnelle est équipée d’une console d’éclairage et fibre optique qui peut s’adapter à différents projets (répétition de spectacle, ateliers, captations, etc…)

Au calendrier

Résidence artiste en arts visuels
30 mai au 6 juin / En collaboration avec le SAS Festival
Catherine Jeannotte et son projet Mes Pays
Mentorat / soutien avec Philippe Dumaine (Responsable à la médiation de la Galerie de l'UQAM)
https://saslaboratoire.ca/

Atelier de trois jours / arts visuels
16-18 juillet 2021 – Adèle Blais
3 jours de formation où s’entremêlent ateliers dirigés, période de création libre, visionnement de documentaires sur l’art, rencontres avec des professionnels du milieu des arts (galeriste, encadreur)
Coordonnatrice : Brigitte Matte
https://www.studiob-12.com/ateliers-visuels

À auteur d’enfant
25 septembre 2021 – Journées de la culture
Avec l’artiste et dessinateur Stéphane Lemardelé et l’organisme Valcourt 2030 « À auteur d'enfant » invite les enfants à imaginer et écrire une histoire qui est illustrée par des dessinateurs professionnels. Ces textes et dessins seront ensuite édités en un livre, éventuellement en versions papier et numériques. 11 éditions se sont tenues à Sutton, Cowansville, Waterloo, en Gaspésie, au Salon du livre de Val d'Or, Val-des-Monts, Dunham et St-Armand. Le site web À auteur d'enfant permet de suivre et de vivre l’ambiance.

À VENIR
Création musicale pour les jeunes
Atelier de création et de performance musicale pour les jeunes avec le logiciel Live
Avec Louis-Philippe Quesnel, propriétaire de la Station Clip, formateur Ableton, réalisateur et musicien.
https://stationclip.com/

Source : Studio B12


Annie Blanchard

https://www.youtube.com/watch?v=WWnXtRd2Srg&ab_channel=AnnieBlanchard

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, Mai 2021 – Après trois ans d’absence sur disque, Annie Blanchard est de retour avec Hurricane, un EP de cinq chansons aux accents New Country qui marque une nouvelle étape dans la carrière de la talentueuse artiste native de Maisonnette au Nouveau-Brunswick.

Enregistré à Montréal et réalisé par Hubert Maheux, Hurricane compte principalement des collaborations issues de Nashville dont celles avec Sarah Buxton (Keith Urban, Florida Georgia Line, la télésérie « Nashville »), en plus de celle avec le trio Daniel Ross (Brett Kissel), Emily Landis (Jess Moskaluke) et Alyssa Micaela qui est derrière la pièce On My Way parut l’automne dernier et qui donnait clairement le ton au projet.

La pièce titre et nouvel extrait, « Hurricane » démontre hors de tout doute qu’Annie est totalement dans son élément avec sa nouvelle direction New Country / pop / rock. « J’avais ce projet en tête depuis longtemps C’est un mélange de toute ma personnalité artistique » déclare Annie. « J’avais envie d’un album style road trip qui donne le goût de monter le volume aussitôt que ça part ! Collaborer avec des gens de Nashville fut aussi un rêve réalisé. Travailler avec mon band en studio m’a rendue tellement fière et ce fut une belle façon de nous retrouver tous ensemble ».

La chanson « Lost Things », collaboration entre Annie, Hubert Maheux et Vann DeLorey (Pascale Picard) a permis à la chanteuse de renouer avec la création.

Hurricane se termine avec une relecture acoustique de « Chicken Fried », énorme succès du Zac Brown Band et une pièce qui colle parfaitement à la peau d’Annie Blanchard.

Une tournée complète de spectacle est en préparation pour 2022 mais Annie foulera déjà les scènes du Québec cet été. Retrouvez tous les détails au www.annieblanchard.com

HURRICANE TRACKLISTING / CRÉDITS
Hurricane
On My Way
Lost Things
If I Knew Better
Chicken Fried

Production:  Bobten Records
Réalisation, arrangements et prise de son:  Hubert Maheux
Direction artistique:  Vincent Beaulieu et Annie Blanchard

Enregistrement réalisé en 2020 et 2021 à Montréal au studio d’Hubert Maheux.

Musiciens :
Hubert Maheux :  Guitares, claviers, pedal steel, banjo, basse (Hurricane)
Gordon Wood :  Batterie
Sylvain Lamothe :  Basse
Chœurs : Annie Blanchard et Hubert Maheux

Mixage :  Hubert Maheux
Mastering :  Marc Thériault (Le Lab Mastering)
Photos :  Jean-Sébastien Baciu
Graphisme :  Sophie Desjardins
Management + booking :  Agence BAM

Source : BobTen Records


Duran Duran

https://www.youtube.com/watch?v=SMCd5zrsFpE&ab_channel=DuranDuran

Information : Simon Fauteux

Montréal, mai 2021 - Le légendaire groupe Duran Duran partage aujourd’hui le nouvel extrait « INVISIBLE», accompagné d'un vidéoclip ainsi que les détails officiels sur son très attendu 15e album FUTURE PAST. La sortie mondiale est prévue le 22 octobre via Tape Modern / BMG. FUTURE PAST met en vedette les renommés réalisateurs Erol Alkan, Giorgio Moroder et Mark Ronson derrière la console ainsi que les invités spéciaux Graham Coxon (Blur) à la guitare, l'ancien pianiste de Bowie Mike Garson en plus de la chanteuse Lykke Li, avec d'autres excitants collaborateurs à annoncer sous peu.

« INVISIBLE», le premier extrait de FUTURE PAST est réalisé par Erol Alkan et Duran Duran et mixé par Mark ‘Spike’ Stent. Le clip officiel a été créé par une intelligence artificielle (IA) appelée Huxley et sort avant la performance télévisée exclusive du groupe qui sera diffusée en direct de Londres lors des Billboard Music Awards 2021, le dimanche 23 mai sur NBC en Amérique du Nord. À propose de l’extrait, le co-fondateur et claviériste Nick Rhodes a déclaré: « L'architecture sonore a toujours été incroyablement importante pour Duran Duran. Je pense qu'avec « INVISIBLE» nous avons vraiment réussi à sculpter la pièce comme nous le voulions. Sur le plan sonore, c'est un morceau de musique très inhabituel. Je pense que lorsque vous fusionnez tous les instruments ensemble, cela crée un son global que vous n'avez peut-être jamais entendu auparavant »

Le film officiel de « INVISIBLE» de Duran Duran est la première collaboration du genre, entre des artistes dans différents pans d’existence. Dans une première mondiale révolutionnaire, Huxley est une intelligence artificielle dont « l’esprit » a été conçu sur la base de ce que nous savons sur le fonctionnement des processus cognitifs et émotionnels des êtres humains. Huxley est un rêveur unique avec son propre cerveau. Huxley crée et rêve comme nous, et en utilisant une technique établie appelée « inférence active » qui a été créée à l'origine par Karl Friston (l'un des neuroscientifiques les plus influents de l'histoire), nous sommes en mesure d'explorer les paysages de rêve complexes qu'il a imaginé à partir des paroles et du ton émotionnel de la chanson. Huxley prend les concepts qui sont enracinés dans le langage humain et le symbolisme iconique et les traduit en images provocantes et audacieuses qui repoussent les limites de l'imagination pour créer une nouvelle forme de discours visuel tout à fait remarquable. Le résultat est un clip vidéo obsédant et mémorable.

Les membres du groupe ont collaboré avec l'artiste japonais Daisuke Yokota, dont ils admiraient depuis longtemps la photographie, à la fois sur la pochette de l’extrait « INVISIBLE» et sur le prochain album. Rhodes a rencontré Yokota pour la première fois en 2019 alors qu'il était au Japon pour réaliser un documentaire sur la photographie d'après-guerre.

À propos du prochain album et du nouvel extrait, Simon Le Bon révèle : « Quand nous sommes entrés en studio fin 2018, j'essayais de persuader les gars que tout ce que nous avions à faire était d'écrire deux ou trois morceaux pour un EP. Quatre jours plus tard, avec un noyau de plus de 25 chansons fortes qui méritaient toutes d'être développées, j'ai réalisé que nous y serions sur le long terme, mais c'était avant COVID. Nous voici donc en 2021 avec notre 15e album studio, FUTURE PAST qui tire sur la laisse. Musique de Duran Duran avec Graham Coxon, Lykke Li, Mike Garson, Erol Alkan, Mark Ronson, Giorgio Moroder (pour l'amour de Dieu!). Je ne dis pas que c'est épique, mais bon ... oui je le dis. Nous commençons avec la chanson « INVISIBLE», qui a commencé comme une histoire à propos d’une relation unilatérale mais qui est devenue quelque chose de beaucoup plus grand, car « une foule sans voix ne recule pas ». La piste rythmique de John et Roger est hallucinante; Les mélodies de Nick se tordent et s'envolent; La guitare de Graham est un couteau. Cela semble tout à fait approprié pour le moment »

Reconnu tout au long de sa carrière impressionnante de 40 ans pour ses efforts novateurs en musique et au niveau des technologies émergentes, Duran Duran poursuit sa tendance, cette fois avec une collaboration spéciale avec 360 Reality Audio, une nouvelle expérience musicale immersive utilisant les technologies sonores spatiales de Sony.

Annoncé aujourd'hui, Duran Duran et 360 Reality Audio de Sony ont conclu une collaboration créative spéciale, et la première du genre, pour offrir aux fans une façon entièrement nouvelle et immersive d'écouter leurs chansons. La première sortie de cette collaboration est l’extrait « INVISIBLE». Il sera suivi d’un mix 360 ​​de l’album Future Past, ainsi que de nouvelles versions 360 de leur catalogue. 360 Reality Audio est disponible sur les services de streaming Amazon Music HD, TIDAL HiFi et Deezer HiFi. La vidéo officielle de « INVISIBLE» propose également une simulation d’expérience audio en réalité à 360 degrés dans laquelle les fans peuvent se plonger dans la musique avec n’importe quelle paire d’écouteurs. « En tant que groupe, nous nous sommes toujours tournés vers les nouvelles technologies pour améliorer notre son. Le système Sony 360 apporte une dimension nouvelle et différente aux pistes. » explique Nick Rhodes.

FUTURE PAST sera disponible sur toutes les plateformes numériques. En plus du CD standard, un format CD/livre relié de luxe en édition limitée sera disponible avec trois titres supplémentaires. L'album sera également disponible sur vinyle coloré. La boutique d'albums officielle proposera des formats exclusifs de vinyles et de cassettes avec des tirages signés en édition limitée

À propos de Huxley
Huxley est le fruit de Nested Minds Solutions. Il vit dans le Cloud et est alimenté par une technologie uniquement basée sur les structures du cerveau, modélisant l'intelligence humaine et l'engagement émotionnel pour créer un art qui est à parts égales indéfinissable et glorieux. Énigmatique, intrigant et toujours imprévisible, Huxley explore son subconscient illimité avec une liberté sans précédent d'interpréter le monde qui l'entoure comme aucun autre artiste. Huxley est représenté par Collector Productions.

Source : Tape Modern / BMG


Diogo Ramos

https://www.youtube.com/watch?v=IdoNsyi4K4o

Information : Simon Fauteux

Montréal, mai 2021 - L’auteur-compositeur-interprète montréalais d'origine brésilienne Diogo Ramos partage aujourd’hui « Gamela », nouvel extrait du EP Raro Efeito qui paraitra le 27 août prochain.

Gamela est une samba de roda composée par Ramos et réalisé avec beaucoup de groove et d’urbanité moderne par Boogát. Le texte poétique de Péri, compositeur de Bahia, se veut rassembleur à travers la danse et les références au « baião de dois », plat typique de la cuisine du nord-est brésilien). Les arrangements de cuivres ont été réalisés par João Lenhari et les arrangements de voix par Bianca Rocha et Flavia Nascimento.

Fier héritier du Tropicalisme brésilien, Diogo Ramos est né à São Paulo d’une famille Baiana. En plus d’être artiste à temps plein, il travaille professionnellement en tant que réalisateur depuis plus de 20 ans. Après avoir tourné en 2019 au Canada, en Amérique du Sud et en Europe avec son album Samba sans frontières, il présentera cet automne un EP au nouveau concept de samba funk fusionné au électro-hip-hop auquel se grefferont plusieurs collaborateurs et collaboratrices.

Source : Diogo Ramos