Quatuor esca

https://www.youtube.com/watch?v=cIGv2wcUgsw

Information : Simon Fauteux

Montréal, janvier 2022 – Originaire de Montréal, le Quatuor esca est composé d’Edith Fitzgerald (second violon), Sarah Martineau (alto), Camille Paquette-Roy (violoncelle) et Amélie Lamontagne (premier violon). Quatre musiciennes chevronnées, passionnées par leur art et le plaisir de se produire ensemble.

Faisant suite aux pièces « Fragments – 1. Variations » et « Fragments – 2. Scherzo », Quatuor esca partage « Fragments – 3. Élégie », nouvel extrait de l’album Fragments à paraître le 28 janvier. Enregistré au studio Piccolo de Montréal, « Fragments – 3. Élégie » a été composée et majestueusement arrangée par François Vallières (Nouvelle ensemble Moderne, Orchestre Métropolitain).

« Fragments – 3. Élégie» est également le troisième de 4 actes du mini-film.

Voyez l’acte 2 ici

Voyez l’acte 1 ici

Dans l’acte 1, Le destin de David bascule soudainement. Brouillard, peur, souvenirs, réflexions, Minolta et fragments de lumière tapissent sa route dans sa quête de résilience. Dans l’acte 2, face à la tragédie qui l’assaille, David refuse de rester enfermé à broyer du noir. Sa perte de vue imminente le pousse à sortir voir la ville, faire le plein de lumières et d’un maximum d’images apaisantes. Il apprend tranquillement à voir au-delà de sa vision, remplissant ses yeux de souvenirs, comme on remplit une valise avant un long voyage.

« Fragments – 3. Élégie » dépeint la solitude de l’être, la lente marche d’un voyageur solitaire qui voit sa vie dérouler devant ses yeux sans pouvoir y participer. La fragile mélodie du premier violon plane, presque inerte, au-dessus de l’harmonie tortueuse du quatuor. Puis, le rythme s’anime, les motifs rebondissent d’un instrument à l’autre insufflant une lueur d’espoir, un illusoire sentiment de pouvoir se sortir de son propre marasme. En finale, la désillusion l’emporte; ce n’était qu’un funeste mirage.

Crédits
Composition et arrangements : François Vallières
Mix / mastering : Ghyslain-Luc Lavigne
Ingénieur : Gabriel Dubuc
Éditions : Éditions esca

Fondé en 2004, le quatuor à cordes dynamique est réputé pour ses prestations accomplies et la richesse de son répertoire, qui passe du classique à la musique populaire. Régulièrement appelée à participer à des spectacles avec des artistes populaires, cette union de quatre femmes aussi différentes que complémentaires se produit avec un égal bonheur sur scène ou sur des plateaux télévisés aux côtés d’artistes de renom tels que Jean Leloup, Ingrid St-Pierre, Diane Dufresne, Coeur de Pirate, Jean-Pierre Ferland, Half Moon Run et Harry Manx.

On peut également les entendre sur divers albums dont ceux d’Isabelle Boulay, Diane Tell, Nicolas Pellerin et les Grands Hurleurs, Les Soeurs Boulay, Beyries et Pascale Picard entre autres. Le Quatuor esca est également reconnu pour ses multiples collaborations créatives et inédites avec des compositeurs d'ici, tels que François Vallières, Maxime Goulet, Antoine Gratton, Sébastien Lépine et Marc-André Landry.

Sympathiques et chaleureuses, les musiciennes de la formation dégagent une énergie communicatrice qui gagne le public à tout coup.  Polyvalentes, elles se produisent avec un égal bonheur lors de concerts classiques, de tournées avec des artistes de renom ou des enregistrements d’albums.

Source : In Tempo musique


Lúcia de Carvalho

https://www.youtube.com/watch?v=TzdHS1omMuw&ab_channel=L%C3%BAciadeCarvalho

Information : Simon Fauteux

Montréal, janvier 2022 - Lúcia de Carvalho est une alchimiste, une chercheuse de sens et éveilleuse d'essence qui est née en Angola et a grandi en France et au Portugal. Cinq ans après la sortie de son premier album Kuzola, et après un documentaire émouvant retraçant sa quête pour retrouver ses racines, Lúcia de Carvalho fera paraître Pwanga le 14 janvier.

La magnifique voix de Lúcia de Carvalho transmet des vibrations qui guérissent et transforment, tandis que son tambour fait entendre la voix des ancêtres et nous invite à renouer avec notre personnalité profonde. Voix et rythmes s'unissent ainsi au service de la beauté : celle qui nous habite et celle qui nous entoure.

Réalisé par Jean Lamoot (Mano Negra, Alain Bashung, Noir Désir, Salif Keita, Jean-Louis Aubert, Raphael, Girls in Hawaii, Brigitte Fontaine, Dominique A) Pwanga allie la douceur à la puissance, le sens et l’essence, la lumière et les racines profondes d’un arbre né en Afrique, dont les branches embrassent le monde, et fleurissent en 13 chansons solaires et émouvantes.

Lúcia de Carvalho est une alchimiste, une chercheuse de sens et éveilleuse d'essence. Sa voix transmet des vibrations qui guérissent et transforment, tandis que son tambour fait entendre la voix des ancêtres, et nous invite à renouer avec notre personnalité profonde. Voix et rythmes s'unissent ainsi au service de la beauté : celle qui nous habite et celle qui nous entoure.

Son nom, depuis le début, annonçait sa vocation.  Lúcia (dit la lumière), de Carvalho (chêne, en portugais) : la force de l’arbre. De quoi résumer sa quête poétique et humaine : « Enraciner la lumière ».

Pour les âmes prêtes à larguer les amarres, l'univers métissé de Lúcia de Carvalho agit comme un phare qui invite à garder le cap malgré vents et marées.

Tout est là. Il suffit de se laisser embarquer.

Source : Zamora Productions


Jean-Michel Blais

https://www.youtube.com/watch?v=55aHABQXBXw&ab_channel=Jean-MichelBlais-Topic

Information : Simon Fauteux

Montréal, janvier 2022 – Le compositeur et pianiste Jean-Michel Blais partage aujourd’hui « nina », nouvel extrait de son nouvel album, aubades, à paraître le 4 février via Arts & Crafts. Une pièce que décrit Blais « dans une chaumière, près d'un nourrisson assoupi, j'imagine sa jeunesse à venir, délicate et joviale. naïve; premiers balbutiements, premiers pas maladroits, premiers chatouillements pianistiques. Hommage à Nina ».

aubades marque avec brio la transition de Jean-Michel Blais de pianiste à compositeur, alors qu'il écrit pour un ensemble pour la première fois de sa carrière. Le titre de l'album fait référence à l’aubade, un terme médiéval désignant une pièce chantée lorsque des amoureux se séparent au crépuscule, une sérénade de l’aube. Blais s'est d’ailleurs inspiré de textures musicales de la Renaissance et du Moyen-Âge, ainsi que de l'éthique artistique social-démocrate du poète, designer et activiste anglais du XIXe siècle William Morris.

Jean-Michel Blais compte aujourd’hui trois albums à son actif - IIDans ma main et Matthias & Maxime - rendant tous hommage au piano et lui ayant valu deux nominations au Prix Polaris, quatorze #1 au Billboard Classical, un Libera Award, un Cannes Soundtrack Award et une place au sein du Top 10 des meilleurs albums de l’année du Time Magazine.

Écoutez l’extrait « passepied » 

Écoutez l’extrait « doux »

Écoutez l’extrait « murmures »

La pandémie nous a tous beaucoup affectés. Et nos histoires individuelles racontent trop souvent tristesse, conflits et changements. Heureusement pour Jean-Michel, ce fut aussi une période de catharsis et d’inspiration, avec comme résultat un nouvel album à la direction audacieuse, aubades. « Personne n’a échappé aux évènements de la dernière année, mais pour moi, ce moment a aussi été fructueux et créatif. Des lièvres sont apparus dans le parc et soudainement, de sublimes papillons volaient partout. C’était un moment d’épanouissement. Et c’est justement pendant cette période que je me suis aussi épanoui, passant de pianiste à compositeur. »

Quand le monde s’est refermé sur lui-même en mars 2020, l’ingéniosité improvisatrice de Jean-Michel Blais avait donné naissance à plus de 500 différentes improvisations qui se sont transformées en 11 compositions jouées sur aubades par un ensemble de 12 musiciens, dirigé par Nicolas Ellis, assistant de Yannick Nézet-Séguin à l'Orchestre Metropolitain, et récipiendaire du prix Goyer Mécénat Musica. Après avoir appris l’orchestration par lui-même grâce à un livre acheté en ligne, Jean-Michel a eu la chance de collaborer avec Alex Weston, originaire de Brooklyn, ex-assistant de nul autre que Phillip Glass pendant plus de sept ans.

Côté technique, Jean-Michel a enregistré toute la musique avec des microphones rapprochés. Cette pratique tient davantage de la pop et contraste avec une réverbération plus naturelle et distante de la tradition classique créant une atmosphère intime qui capture l'humain derrière chaque instrument, de la mécanique des touches des bois au claquement d'une corde de contrebasse.

Alors que Jean-Michel composait, différents paramètres venaient s’ajouter à sa décision d’écrire pour ensemble. « Avec cet album, je réagissais probablement à certaines tendances d’une musique dite néoclassique » estime-t-il.

« Je pense entre autres au son mélancolique du piano solo, souvent feutré, et aux cordes languissantes qui s’étiolent. C’est certes touchant, mais sur un terrain un peu trop connu. Je voulais aller plus loin. C’était d'ailleurs la première fois que j’écrivais autant en majeur, plutôt qu’en mineur. Le défi, en fait, c’était d’éviter le kitsch. »

« La musique possède cette capacité à permettre un temps, un espace pour se retrouver et se recueillir. Cet album est porteur d’une immense joie et de beaucoup d’espoir. Et après coup, je constate que je composais mon propre remède, mon autothérapie. J'écrivais la joie dont j’avais besoin, à ce moment précis. Et me voilà impatient de la partager avec le monde »

Source : Arts & Crafts


Dominique Fils-Aimé

https://open.spotify.com/track/0NLScgFk4MNJ1SSGtNUiZc?si=25c35e2e920c42aa

Montréal, janvier 2022 - La lauréate du prix Juno Dominique Fils-Aimé dévoile aujourd’hui le nouvel extrait « Go Get It », un hymne puissant qui rend hommage à la force et la détermination des femmes.  

Ce titre, qui est chanté en anglais et en français a été composé à l’origine dans le cadre d’une campagne de soutien - en partenariat avec Elle Québec - à l’organisme Plan International Canada. Plan International se porte à la défense des droits des filles dans le monde.  La voix soul de Dominique Fils-Aimé stimule l’auditeur avec un refrain magnétique qui appelle à chaque fille et femme à ‘Go Get It’! Au sujet « Go Get It », Dominique Fils-Aimé déclare: « Mon objectif lorsque j’ai composé cette chanson était de contribuer à un monde où les filles pourraient rêver aussi grand qu’elles le souhaitent et où elles recevraient tous les outils et le soutien nécessaire pour transformer leurs rêves en réalité. Parce qu’il n’y a rien comme le pouvoir d’une femme qui sait qu’elle est inarrêtable »
Crédits:
Chanson écrite et composée par Dominique Fils-Aimé
Voix: Dominique Fils-Aimé
Basse: Jacques Roy
Percussions: Elli Miller Maboungou
Claviers: Camille Gelinas
Enregistré aux Studios Opus à Assomption, Canada.
Réalisation, prise de son et mixage par Jacques Roy

Geoffroy

https://www.youtube.com/watch?v=c37qSzJiEYw&t=1s&ab_channel=Geoffroy

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

EN SPECTACLE
05/03 - Trois Rivières - Cabaret Cogeco
11/03 - Montréal - MTELUS
25/03 - Québec - Imperial Bell
05/04 - Winnipeg - Good Will Social Club
06/04 - Saskatoon - Amigos Cantina
09/04 - Vancouver - Hollywood Theatre
10/04 - Victoria - Capital Ballroom
14/04 - Red Deer - Bo’s Bar
15/04 - Calgary - Commonwealth
16/04 - Edmonton - Starlite Room
20/04 - London - Rum Runners
21/04 - Toronto - Axis Club
22/04 - Kingston - The Grad Club
23/04 - Ottawa - Club Saw

Montréal, janvier 2022- Après avoir lancé deux albums qui l'ont confirmé comme l’un des artistes les plus prometteurs du Québec, l’auteur-compositeur-interprète Geoffroy se prépare maintenant à franchir une nouvelle étape avec son troisième album, Live Slow Die Wise, qui paraîtra le 19 janvier 2022. Geoffroy débutera la portion québécoise du Live Slow Die Wise Canada Tour le 5 mars au Cabaret Cogeco de Trois-Rivières. Il sera à Montréal au MTELUS le 11 mars et à L’Impérial Bell le 25 mars. Les billets seront en vente le vendredi 19 novembre. Retrouvez toutes les dates de la tournée et les détails au https://geoffroymusic.com/shows/ .

Le voyage vers la sortie de Live Slow Die Wise a commencé au début de l’été avec la sortie du premier extrait « Cold World » suivi en octobre de « Strangers On A Train ». Live Slow Die Wise nous plonge dans l’univers introspectif de Geoffroy, cette fois d’un point de vue plus mature, plus réfléchi. Inspiré d’auteurs-compositeurs tels que Ry Cooder, Paul Simon, Nick Drake & Jeff Buckley et de penseurs comme Alan Watts, Eckhart Tolle, Charles Pépin et Luc Ferry, Geoffroy adopte dans cet album, une approche plus contemplative et philosophique à l’écriture que dans ses albums précédents. « Live Slow Die Wise représente un état d'esprit particulier. Il s'agit de prendre le temps de vivre librement et consciemment, d'embrasser l'éphémère et la fragilité de la vie ».

Live Slow Die Wise a été écrit et composé pendant le confinement de 2020, avant de prendre vie en studio au début de 2021, sous la tutelle de Louis-Jean Cormier, qui en signe, avec Geoffroy, la coréalisation. Ces chansons marquent un retour aux sources pour Geoffroy en tant qu'artiste, un rappel aux années passées à voyager à travers le monde avec sa guitare, à jouer solo un peu partout, en échange d’un peu n’importe quoi. On y retrouve une appréciation renouvelée pour une instrumentation entièrement organique et un processus d'enregistrement en direct, ce qui ajoute de la profondeur et de l'authenticité aux chansons et qui, espérons-le, forgera une connexion intime avec l'auditeur.

« Live Slow Die Wise représente un état d'esprit particulier. Un principe, pour ne pas dire une philosophie, sur lequel repose une manière de vivre, une façon de penser. C’est de prendre le temps de vivre librement et consciemment. C’est d’accepter et de rester conscient de la fragilité de la vie. Conscient de la chance qu’on a d’en faire partie et du bonheur qu’on peut tirer à y jouer à l’adulte. » - Geoffroy.

LIVE SLOW DIE WISE
01 As My Old Man Always Said
02 Strangers On A Train
03 Youngblood
04 Santa Catalina
05 sweetpie
06 Cold World
07 Life As It Comes

Source : 444%


Matt Andersen

https://www.youtube.com/watch?v=-qe79qikUjY&ab_channel=MattAndersen-Topic

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2022 – L’auteur-compositeur et guitariste canadien Matt Andersen fera paraître House to House, son neuvième album en carrière mais son premier disque solo entièrement acoustique le 4 mars via Sonic Records. Sur l'album, le prolifique artiste adopte un son dépouillé sans sacrifier la puissance pour laquelle il est connu dans ses spectacles électriques.

À propos des chansons de House to House, Andersen déclare : « Ce sont des chansons qui parlent autant de l'espace que de ce qui se passe entre les espaces. J'ai appris que ces moments doivent être présents dans un spectacle. Grand et fort n'est pas grand et fort si vous n'avez pas un moment tranquille pour le comparer. Cet album est à propos de ces types de chansons ».

Sur House to House, Matt Andersen va dans une direction qui diffère du blues dynamique et percutant qui lui a valu de nombreuses distinctions et récompenses. Ici, il plonge sans effort dans le folk infusé de gospel, dans les morceaux plus introspectifs et les ballades émotives, montrant un côté plus intimiste de lui-même. La notion d’espace s’entends dans l'enregistrement de l'album, qui s'est produit pendant la pandémie dans le studio maison d'Andersen dans la région rurale de la Nouvelle-Écosse.

Matt Andersen a gagné ses fans au cours de décennies de tournées à travers le monde, des petits clubs mal éclairés aux théâtres majestueux et aux grands festivals. Il a amassé plus de 18 millions d’écoutes sur Spotify et plus de 18 millions de vues sur YouTube.

Si les conditions le permettent, Matt Andersen sera en tournée au Québec ce printemps.

En spectacle au Québec

10/03 - Sorel-Tracy - Salle Georges-Codling *
11/03 – Victoriaville - Cabaret Guy Aubert
12/03 – Ste-Therese - Cabaret BMO *
13/03 – Repentigny - Théâtre Alphonse-Desjardins
26/03 – Cowansville - Église Emmanuel *
27/03 – Montréal - L’Astral
29/03 – Joliette - Musée d'Art de Joliette
30/03 – Québec - Imperial Bell *
31/03 - Montmagny - Salle Promutuel *
01/04 – Sherbrooke – Théâtre Granada
02/04 - St-Georges-de-Beauce - Cabaret des Amants
03/04 – Rimouski - Salle Desjardins-Telus

Source : Sonic Records


Clever Hopes

https://www.youtube.com/watch?v=cWbHvfmi-68

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2022 - Le duo torontois Clever Hopes formé d’Andrew Shaver et Eva Foote fera paraître son premier album Artefact le jeudi 20 janvier prochain.

Entouré d’une talentueuse équipe composée de Joe Grass, Matt Barber (à la réalisation), Justin Rutledge, Kev Foran, Noah Reid, Steve Zsirai et Marshal Newman, Shaver et Foote offre avec Artefact un album aux accents folk / americana absolument irrésistible. En plus de lancer le clip de l’extrait « Made You Mad », le duo en profite pour partager sa version française, « Je t’ai fait tant de peine », une adaptation signée Emmanuel Schwartz.

Il y a quelques années, Andrew Shaver a réalisé la comédie musicale Once à Montréal, ville dans laquelle il a habité pendant 20 ans.

Eva Foote a auditionné pour Girl, le premier rôle féminin, et il fut conquis. Elle a obtenu cet incroyable rôle principal féminin et tous les soirs après le spectacle, toute l'équipe buvait du whisky et jouait des chansons en arrière-scène jusqu'au petit matin, y compris Andrew et Eva. Ce fut le début d'une belle amitié entre les deux et en 2020, Clever Hopes est né. Le nom vient d'un poème de W.H.Auden.

Andrew Shaver est né au Canada mais s’est promené pas mal. Il a eu 13 ans en Angleterre, 15 ans à Chicago et fut diplômé d’une école de Philadelphie. Il est revenu au Canada et a rencontré Matthew Barber alors qu'il était à l'Université Queen's - ils vivaient au même étage en résidence et ont co-animé une émission de radio pendant 4 ans.

Après avoir obtenu son diplôme, Andrew est allé dans une école de clown à Paris. Il est revenu au Canada à l'âge de 25 ans et a commencé à faire du théâtre, à jouer dans des films et à réaliser des jeux vidéo. Au cours de cinq saisons au Festival de Stratford, il a également produit et animé des dizaines de concerts mettant en vedette des artistes comme Bahamas, Sarah Harmer, Leif Vollebekk et de nombreuses autres sommités musicales canadiennes. Il est un réalisateur et acteur primé maintenant basé à Toronto.

Eva Foote est une actrice et compositrice originaire d'Edmonton. Elle a reçu plusieurs nominations aux Edmonton Music Awards en 2016. Elle a également remporté le prix Meilleure actrice aux Montreal Theater Awards 2019 pour sa performance dans la comédie musicale Once. Elle a deux albums à son actif.

Paroles/musiques Andrew Shaver sauf Interference (Test 1,2, & 3) par Andrew Shaver / Eva Foote

Andrew Shaver (guitare acoustique/voix)
Eva Foote (guitare acoustique/voix)
Noah Reid (claviers/voix)
Matthew Barber (Farfisa /voix)
Joe Grass (guitares - pedal steel / guitars acoustiques et électriques / voix)
Justin Rutledge (guitares)
Kev Foran (cuivres)
Steve Zsirai (basse/contrebasse)
Marshall Bureau (batterie / tambo)
Enregistré au Union Studio de Toronto.

Réalisation : Matthew Barber
Ingénieur : Chris Stringer chez Union Studio
Mastering : Heather Kirby chez Dreamlands
Graphisme : Joel Gregorio
Photo : Ian Lake

Source : Clever Hopes


Envy Of None

https://www.youtube.com/watch?v=vV-IZRh22mo

Information : Simon Fauteux
English version HERE

Montréal, janvier 2022 - Alex Lifeson n'est pas étranger au concept d'évolution. En tant que membre fondateur de Rush, il a été en mesure d'explorer plus de terrain musical que n'importe quel autre guitariste, portant le rock vers de nouveaux sommets progressifs au fil des décennies et toujours de la manière la plus inventive. Son influence peut être entendue sur d'innombrables groupes à travers le monde, de l'indie shoegaze et math rock au heavy metal et au-delà. Au cours des dernières années, Lifeson s'est concentré sur un nouveau projet qui, peu importe à quel point vous connaissez bien sa discographie, brisera sans aucun doute toutes les d'attente et surprendra assurément.

Ce projet est Envy Of None. Écoutez et partagez le premier extrait « Liar » / Précommandez ici

Le nouveau groupe, composé également du fondateur/bassiste de Coney Hatch Andy Curran, du renommé réalisateur et ingénieur Alfio Annibalini et de l'autrice compositrice-interprète Maiah Wynne, sortira son premier album éponyme le 8 avril via Kscope. Ses 11 titres – qui ricochent entre diverses nuances de rock alternatif, expérimental et synthé – offrent des surprises à chaque tournant, tordant des mélodies sombres contre des crochets pop contemporains. Lifeson lui-même est fièrement conscient du peu de choses qui se croisent avec le groupe qui l'a rendu célèbre.

Cependant, ce n'est que lorsque la chanteuse Maiah Wynne s'est impliquée que cela a vraiment commencé à ressembler à un groupe destiné à aller quelque part. Ses mélodies envoûtantes et son intensité déchirante sont – de l'aveu de ses camarades – ce qui a vraiment donné vie à cette musique. Tout bien considéré; elle est une star en devenir… « J'ai envoyé une première version de la chanson Shadow », explique Andy Curran. « Quand j'ai joué ce qu'elle avait fait aux autres, ils se sont dit : Qui est cette personne folle et talentueuse ?! »

Le premier extrait de l'album, « Liar », est maintenant disponible. Ses rythmes industriels, sa basse fuzz entraînante et ses guitares atmosphériques concoctent un tourbillon séduisant et passionnant d'une manière plus proche de l'art rock sombre de Depeche Mode, Nine Inch Nails et A Perfect Circle que tout ce pour quoi ces musiciens ont été connus auparavant.

« Maiah est devenue ma muse », poursuit Alex Lifeson. « Elle a pu apporter cette toute nouvelle chose éthérée grâce à son sens de la mélodie sur des morceaux comme « Liar » et « Look Inside ». Après avoir entendu sa voix sur « Never Said I Love You », j’étais vraiment excité. Je n'ai jamais eu ce genre d'inspiration en travaillant avec un autre musicien. Quand on dit qu'elle est spéciale, it’s because she’s really fucking special ! »

 « Ce que je préfère de ces chansons est leur intimité", révèle Maiah Wynne. « Ça les fait se sentir différentes et plus honnêtes. Il y a aussi des chansons plus heavy, comme Enemy, puis des morceaux comme Kabul Blues, qui sonnent complètement différemment du reste ».

La dernière pièce de l’album, « Western Sunset », a été écrite par Alex Lifeson en hommage à son cher ami Neil Peart. C'est une pièce particulièrement émouvante pour honorer un homme qui manque profondément à la communauté rock dans son ensemble, et encore plus à ceux qui ont eu la chance de le connaître. « J'ai rendu visite à Neil lorsqu'il était malade, raconte Alex Lifeson. « J'étais sur son balcon à regarder le coucher de soleil et j'ai trouvé l'inspiration. Il y a une finalité à propos d'un coucher de soleil qui est, en quelque sorte, restée avec moi tout au long du processus. Cela avait un sens. C'était l'ambiance parfaite pour décompresser après toutes ces différentes textures… une belle façon de fermer le livre ».  C'est un livre que vous aurez très certainement envie de lire.

Envy Of None:
Alf Annibalini - Guitare, claviers, Programmation
Andy Curran - Basse, basse synthé, programmation, guitare, choeurs, Stylophone
Alex Lifeson- Guitare, Mandola, Banjo, programmation
Maiah Wynne - Voix, chœurs, claviers

Ltd Edition deluxe – Présenté dans une pochette gatefold avec un LP vinyle de couleur bleue, 2CD dont un disque bonus 5 titres, Livret 28 pages avec contenu exclusif
CD – incluant un livret/poster de 16 pages
LP – vinyle noir - baby blue (Exclusivité nord-américaine) et blanc
Numérique

Source : Kscope


Fannie

https://www.youtube.com/watch?v=efFM6MxtzkI&ab_channel=Fannie

Information : Simon Fauteux

Montréal, janvier 2022La compositrice, pianiste et interprète Fannie fera paraître son premier album L’invention humaine le 16 février prochain.  Fruit d’un coup de foudre artistique pour la poésie du parolier Normand Achim, L’invention humaine aborde l’humanité dans toutes ses cohérences et ses contradictions, puisant dans la source inépuisable des expériences humaines. À travers ses chansons, Fannie dévoile une signature bien personnelle et un timbre de voix unique qui se marie à la finesse de son jeu pianistique.

Elle partage aujourd’hui le clip de l’extrait « La Faiblesse ». 

« La faiblesse est le titre le plus épuré de l’album. Mon équipe vidéo, dirigée par le réalisateur Vincent Lafrance, a tout de suite compris l’essence de la chanson. Le vidéoclip ressemble à un court-métrage et laisse place à l’interprétation car La faiblesse peut avoir plusieurs significations différentes. C’est une chanson qui fait du bien, comme un hymne »

Source : Fannie Musique


Lwazo Sirois & le Dernier Rodéo

https://www.youtube.com/watch?v=RbxIiWvksaM&t=26s

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2022 – L’hétéroclite Lwazo Sirois, après être passé par le hip hop, la chanson et le stoner rock dans ses différents projets, se plonge dans le country hors-la-loi avec Lwazo et le Dernier Rodéo et un premier EP éponyme à paraître le le 21 janvier prochain.

Composé d’excellents musiciens de la scène musicale de Québec, dont le guitariste et coréalisateur André Lavergne (Dans L’Shed), Lwazo Sirois & le Dernier Rodéo revisite avec ce premier EP une infime partie du large héritage country américain à travers cinq reprises adaptées et traduites en français ainsi qu'une chanson originale, le tout dans le plus pur esprit hors-la-loi!

Lwazo Sirois et le dernier rodéo

À l'est pis au Sud
Paroles et musique : Jerry Reed, Dick Feller
Traduction et réécriture : Guillaume Lwazo Sirois

Vient un temps
Paroles et musique : Neil Young
Traduction et réécriture : Guillaume Lwazo Sirois

25 minutes à faire
Paroles et musique : Shel Silverstein
Traduction et réécriture : Guillaume Lwazo Sirois

Dimanche matin
Paroles et musique : Kris Kristofferson
Traduction et réécriture : Guillaume Lwazo Sirois

La Chaîne
Paroles et musique : Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, Christine McVie, John McVie, Mick Fleetwood
Traduction et réécriture : Guillaume Lwazo Sirois

Ton ombre
Paroles : Clément Desjardins, Guillaume Lwazo Sirois
Musique : Clément Desjardins

Guillaume Sirois : voix
Martin Bolduc : contrebasse
Alex Beaulieu : batterie, voix
André Lavergne : guitare électrique, lap steel, voix
Clément Desjardins : banjo, guitare acoustique, voix
Lily Thibodeau : voix
Sabrina-Catherine Hitch : voix
Pascale Croft : violon

Enregistré au Studio Fovéa
Mixé au Studio le Mid
Mastering au studio Trillium Sound Mastering
Prise de son : Clément Desjardins, André Lavergne
Mix : André Lavergne
Mastering : Richard Addison
Réalisation : André Lavergne, Guillaume Sirois, Clément Desjardins

Source : Groupe Fovéa


Oscar Peterson

https://www.youtube.com/watch?v=ALOHcDE4mdk

Information : Simon Fauteux

Montréal, Janvier 2022 – Faisant suite à la sortie des versions CD et numérique en novembre dernier, Two Lions/Mack Avenue Records feront paraître The Oscar Peterson Quartet – Live in Helsinki, 1987 en version 3LP le 21 janvier prochain. L’enregistrement présente la captation de la dernière date de la tournée européenne de 1987 au célèbre Kulttuuritalo d'Helsinki. Peterson et ses musiciens – Joe Pass (guitare), Dave Young (contrebasse) et Martin Drew (batterie) - au sommet de leur créativité, se concentrent sur l'interprétation de compositions originales et de classiques intemporels.

Dernier concert d'une longue tournée internationale qui a débuté par 4 concerts au Brésil, cette date était la 14e d'une tournée européenne qui a emmené le quatuor dans toute l'Europe continentale et en Scandinavie. Quiconque a une connaissance du jazz sait que la magie d'une performance cohérente ne fait que rendre la synergie et l'empathie d'un ensemble - les deux substances que ce quatuor a en quantité époustouflante - de mieux en mieux. Cela éclipse toujours le facteur de fatigue et entraîne parfois de la pure magie sur un plan différent.

C'est clairement ce qui s'est passé lors de ce concert spectaculaire. Comme le dit Kelly Peterson : « Jouant avec joie et vivacité, ils ont décidé de rendre chaque concert meilleur que le précédent. Cette nuit à Helsinki en est un exemple glorieux ».

« This “live” concert recording of Oscar in his epic prime is a heaven-sent time capsule of beauty and serves a glorious addition to the Jazz pantheon itself, a stunning testament to the music for which he honestly, humbly and fearlessly dedicated his life as a peaceful warrior, a hero to us all for the ages. I’m thankful for the gift of this concert and that Oscar’s spiritual music will play on for us today and tomorrow, as we need it more than ever before » - Benny Green, protégé d’Oscar Peterson

La première partie se compose exclusivement des compositions de Peterson - un objectif important dans les efforts de Kelly pour mettre encore plus en lumière son héritage immortel. L'étendue de sa vision exceptionnelle en tant que compositeur est exposée à travers ces cinq pièces, s'ouvrant sur la marche déambulatoire de « Cool Walk ». « Sushi » et « Cakewalk » démontrent avec éclat la puissance explosive et l'art consommé qui sont si importants dans les ensembles de Peterson. Définissant le jazz comme une « composition instantanée », il composait occasionnellement une pièce lors d'une performance. « Love Ballade » est l'une de ces pièces, écrite spontanément lors d'un concert précédent. Une fascination de longue date pour Johann Sebastian Bach a inspiré à Peterson l'étonnante « A Salute to Bach ». Cette excursion enchanteresse en trois parties et durant 20 minutes, maintient l'intégrité du jazz dans son hommage, lui permettant de replonger dans sa formation classique.

La deuxième partie présente l'exploration captivante de Peterson des classiques du jazz et des classiques du songbook y compris deux performances solo « When You Wish Upon a Star », sublimement interprétée par Joe Pass  et l’immortelle « Waltz For Debby » de Bill Evans. Sont également inclus la charmante ballade de Johnny Mandel « A Time for Love », le swing de « Soft Winds » de Benny Goodman et « How High the Moon ».

Le monumental point culminant – avant le rappel explosif de « Blues Etude » de Peterson – est le « Duke Ellington Medley » avec six classiques d'Ellingtoni– « Take the 'A' Train », « Don't Get Around Much Anymore », « Come Sunday, » « C-Jam Blues », « Lush Life » et « Caravan ».

A Time for Love - The Oscar Peterson Quartet – Live in Helsinki, 1987
1. Cool Walk 9:07
2. Sushi 6:56
3. Love Ballade 10:40
4. A Salute to Bach 20:39
5. Cakewalk 9:17
6. A Time for Love 8:11
7. How High the Moon 4:27
8. Soft Winds 6:04
9. Waltz for Debby 5:18
10. When You Wish Upon a Star 4:54
11. Duke Ellington Medley 18:57
12. Blues Etude 5:56

Source : Two Lion / Mack Avenue


Gael Faure

https://www.youtube.com/watch?v=X7nqDwl46Vo

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2022 - Réalisé par Patrick Watson, composé par Gael Faure et écrit par Barbara Carlotti, « La mémoire de l’eau » boucle, toujours en douceur, le EP L’eau et la peau de Gael lancé en septembre dernier.

Armé de percussions, de synthés modulaires obscurs et d’un texte tout en allitération « La mémoire de l’eau » s’ancre en nous et nous transporte loin, très loin dans un monde en mouvement aquatique sans fin...

L’eau et la peau est un projet pop aux propos existentialistes. Dans le viseur, une alliance du synthétique et de l’organique, des ritournelles chamaniques et son amour pour l’extensibilité infinie du ciel et de la mer. Dans cet EP, Gael Faure libère sa voix et questionne notre pouvoir de « changer notre relation à soi, aux autres et au monde, en se reconnectant à sa propre nature ».

Avec « L’eau et la peau », il montre un nouveau visage où il accepte son propre désordre et nous permet, à nous aussi, de lâcher prise.

Gael Faure a écrit et composé seul ces nouvelles chansons, qu’il a choisi de co-réaliser avec son batteur et ami Emiliano Turi. Il s’est également chargé de la production avec le label Zamora afin d’être complètement autonome. Une trame pop pour « L’eau et la peau », une alliance du synthétique et de l’organique.

Près de quinze ans après ses débuts, Gael Faure s’est imposé le désir de s’affranchir des règles et des rouages de l’industrie musicale.

Source : Grand Bois / Zamora


Birds On A Wire (Rosemary Standley & Dom la Nena)

https://www.youtube.com/watch?v=xF6oBe3VySk&ab_channel=BirdsOnaWire

Information : Simon Fauteux

Montréal, janvier 2021 – Figures très libres du paysage musical français, Rosemary Standley et Dom La Nena s’associent en un duo époustouflant pour présenter Ramages (Deluxe). Originalement lancé en 2020 en Europe, ce fabuleux album de reprises d’horizons multiples sera disponible sur toutes les plateformes le 7 janvier.

Faisant suite au premier album lancé en 2014, Birds On a Wire offre avec Ramages (Deluxe), un album composé de reprises de Pink Floyd, Gilberto Gil ou encore Jacques Brel. Un nouveau voyage musical dans toutes les langues, riche en beauté et en émotions.

Rosemary et Dom n'entrelacent pas simplement leurs voix, mais aussi le flot vibrant de leurs souvenirs. Des souvenirs vivants et vitaux, constamment régénérés et remodelés par le plaisir de jouer, d'inventer et de partager qui les caractérise depuis leur première rencontre. Ils se réapproprient Les Berceaux de Gabriel Fauré, le dépouillent de tout son lyrisme raide, transforment Wish Your Were Here de Pink Floyd en berceuse, enveloppent la chanson Sur La place de Jacques Brel dans les atours d'une élégie sans âge, entrelacent les refrains en portugais et en français de Nazaré La Marelle de Pereira comme deux mains aimantes, et dériver en Bretagne avec Duhont'Ar Ar Mane de Yann Franch Quemener, élever divinement la voix dans Que he Sacado Con Quererte de la chanteuse chilienne Violeta Para ou retrouver les tonalités blues de Shake Sugaree d'Elisabeth Cotton . Ces deux complices de l'évasion réussissent à chaque fois à retrouver cette émotion native, ce premier charme, cette étincelle initiale qui, en ce premier jour de grâce, les a réveillés et mariés à la musique pour la vie.

L’album Ramages sont la preuve que nos deux oiseaux, où qu'ils soient - sur un fil, dans les arbres, au sol - dessinent avec leur chant un langage sans frontières, d'une beauté universelle qui tombe parfaitement sur les oreilles de ceux qui savent et de ceux qui sauront bientôt.

Connue en particulier pour être la chanteuse du groupe Moriarty, Rosemary Standley apparaît comme l’une des voix les plus remarquables de la scène contemporaine. À la fois chanteuse et violoncelliste, la brésilienne Dom La Nena s’est quant à elle affirmée comme l'une des plus grandes chanteuses d'Amérique Latine (selon NPR) et acclamée dans la presse internationale (NY Times, The Wall Street Journal, Le Figaro, BBC).

Au commencement fut la chanson. C'est avec ces mots de simplicité biblique que la genèse de Birds On a Wire, le projet de Rosemary Standley et de Dom La Nena pourrait être racontée au monde. La chanson comme forme de source et d'horizon, la chanson comme point d'ancrage et de fuite, la chanson dans ses plus grands moments, dégringolant dans ses plus infimes instances... Tels pourraient être les termes fondateurs de ce duo expert en reprises de toutes sortes (d'Henry Purcell à Pink Floyd, de Gilberto Gil à Tom Waits). Birds On a Wire est né en 2012, sous l'impulsion de Sonia Bester, alias Madamelune, lorsque Rosemary Standley a exprimé son souhait d'expérimenter de nouveaux pâturages, après la carrière fulgurante qu'elle avait connue auparavant avec le groupe Moriarty. Leur complicité a été immédiate. Sans doute parce que les trajectoires uniques des deux musiciennes étaient destinées à se croiser, voire à se confondre. Car toutes deux avaient forgé leur singularité loin des sentiers battus et des lieux familiers de leurs pairs.

Avant d'atteindre des sommets avec Moriarty, Rosemary Standley avait gravi les pentes luxuriantes de la musique folk américaine, en suivant les traces de son père musicien, Wayne Standley. Elle connaissait également les pentes abruptes mais non moins fertiles du chant lyrique, ayant étudié au Conservatoire de Paris. Depuis une dizaine d'années, loin de se conformer à l'impératif monomaniaque de sa seule carrière chez Moriarty, elle n'a cessé d'ouvrir de nouvelles voies de recherche et de varier ses plaisirs, que ce soit en s'arrêtant à la croisée des chemins du théâtre musical ( Private Domain, une création de Laurence Equilbey, A Queen of Heart de Juliette Deschamps, Love I Obey avec le groupe de Bruno Helstroffer On a dit on fait un spectacle de Sonia Bester, Alice vs. Lewis de Masha Makaieff...) ou en prenant le temps explorer d'autres perspectives musicales.

Quant à Dom La Nena, partageant son temps entre son Brésil natal - Buenos Aires où elle a passé son adolescence à perfectionner son violoncelle - et Paris où elle a fini par embrasser pleinement sa vie de musicienne, on peut dire sans se tromper qu’elle a aussi traversé plusieurs mondes pour mieux créer le sien. Elle s'est formée à la musique classique avant de mettre son archet, ses cordes et sa musicalité complète au service de stars de la pop telles que Jane Birkin, Jeanne Moreau, Etienne Daho et Piers Faccini. C'est avec le soutien de ce dernier qu'elle se lance en solo et sort l'album 'Ela' en 2013, suivi en 2015 par 'Soyo' : deux manifestes sensibles en faveur d'une chanson qui raconte manifestement l'histoire d'une vie sans attaches, une vie qui semble rechercher la pureté et l'affranchissement des codes.

Avec Birds On a Wire, la métaphore de deux oiseaux sur un fil n'est pas seulement empruntée à la célèbre chanson de Leonard Cohen, hymne solitaire et universel à l'humanité poétique qui, "à sa manière, essaie d'être libre", elle est aussi enracinée dans l'âme d'un projet où le décloisonnement des genres est bien plus qu'un programme ou une profession de foi : c'est d'abord l'héritage de deux vies mises ensemble, transformées en art de jouer, de chanter et de respirer la musique.

Source : PIAS


LVL UP

https://www.youtube.com/watch?v=vJ_sUQihHQI&ab_channel=LVLUP%2Clabnum%C3%A9riqueetmusique

Laval, le 20 décembre 2021 — LVL UP, lab numérique et musique et SiriusXM sont fiers de présenter LVL UP, le film, court métrage sur l’univers rap québécois de près de 40 minutes, disponible dès maintenant et gratuitement sur Youtube.

LVL UP, le film c’est un parcours aux abords de l’Autoscène, voiture dessinée par l’artiste visuel Le Bicar, mettant en vedette 6 artistes du monde du rap québécois: 20some, Calamine, Lary Kidd, Lost, Naya Ali et le fièrement lavallois High Klassified. Ce dernier signe également la bande sonore du film, composée sur mesure pour le projet qui fait briller sa ville chérie.

Sillonnant les rues de l’Île-Jésus en s’arrêtant dans des endroits atypiques bien ancrés dans la culture lavalloise (comme la Marina Ste-Rose ou le fameux Gérard Patate), ces 6 artistes discutent de leur parcours, de leur vie, de leur réalité, dans la rue ou sur la scène hip-hop québécoise. Ces entretiens inédits s’entrecoupent de prestations uniques et passionnées qui vous feront voir Laval sous un autre angle.

Né au cœur d’une pandémie qui peine à s'essouffler, LVL UP, le film s’inscrit comme un premier pas vers une conversation nécessaire et actuelle sur la culture hip-hop, ses origines, sa mission, ses objectifs et les artistes fougueux qui la façonnent. On souhaite que ce projet qui nous tient à cœur d’une manière d’autant plus viscérale depuis septembre 2021, puisse initier ou contribuer à cet échange plus pertinent que jamais.

LVL UP, le film est un concept imaginé par Steve Marcoux, co-créateur et programmateur du festival LVL UP, lab numérique et musique et de [co]motion et Dan & Pag chez DTO Films, qui signent également la réalisation du court métrage.

« LVL UP, le film, c’est l’essence des facettes artistiques et réflectives du festival. J’ai eu l’idée de transformer LVL UP en projet de film à l’aube de l’été 2020, alors qu’on se destinait à avoir un été sans culture: donner une place aux artistes dans l’espace public pour qu’ils jouent dans un Laval qu’on ne prend pas le temps de regarder. Un autre Laval que ses attractions connues, une cité urbaine. En combinant ce projet avec une œuvre artistique sur une auto par Le Bicar, tout en effectuant un clin d’œil franc au transport en commun. On espère montrer grâce au travail des réalisateurs et des artistes en performances live une autre facette que celle attendue de notre communauté. C’est d’autant plus vrai depuis les événements que nous avons connus à l’été 2021. » - Steve Marcoux

Pour suivre le projet, visitez le lvluplefilm.com et LVL UP, lab numérique et musique sur Facebook et Instagram via le @lvluplab.

Un merci énorme à nos partenaires
Ce film voit le jour grâce au soutien de nos partenaires financiers et de services. On tient à remercier chaleureusement chacun d’entre eux pour leur contribution essentielle à ce projet ambitieux.

LVL UP, le film est rendu possible grâce au soutien et à l’implication de SiriusXM, présentateur principal du film.

Ce projet est réalisé grâce au soutien financier du gouvernement du Québec et de la Ville de Laval dans le cadre de l’Entente de développement culturel.

Ce projet compte également sur la contribution de la STL, Automobile en direct, Creative Lab, Solotech et de ses partenaires médias, CISM et HHQc.

LVL UP est un concept imaginé par [co]motion agitateur de culture, en collaboration avec evenko et mirari.

 Des nouvelles des Grandmaster Classes
Puisqu’on vous a au bout du fil, on réitère qu’on sera de retour très bientôt avec plus de détails concernant nos Grandmaster Classes, nos conférences sur l’art numérique, le rap et la culture hip-hop. Elles se tiendront en mode virtuel. Restez à l’affût en début d’année 2022.

Une bonne nouvelle pour terminer
En terminant, on est vraiment contents de pouvoir vous annoncer que nous serons de retour en 2022, du 15 au 18 septembre, toujours dans le quadrilatère Montmorency! #lavalourien

CONTACT [co]motion:
Marie-Kim Dupuis-Brault  | Conseillère, stratégie numérique, communications et promotion
mkdupuisbrault@co-motion.ca

RELATIONS DE PRESSE
Six media marketing Inc.
Simon Fauteux simon@sixmedia.ca
Patricia Clavel patricia@sixmedia.ca


Eman

https://www.youtube.com/watch?v=87J72D378R4&ab_channel=Eman-Topic

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, décembre 2021Eman démontre une fois de plus son talent et sa vision artistique sans borne.

Le rappeur s’allie à son frère de son KNLO pour offrir l’extrait « À propos de cette vie » et s’entoure d’habiles musiciens (Alex McMahon, Maxime Bellavance, Marc-Antoine Noël et Antoine Lemieux-Rinfret) lors d’un live session afin de réadapter la production originale du beatmaker torontois Penderhughes. Le single « À propos de cette vie (feat. KNLO) » et le live session sont disponible dès maintenant sur les différentes plateformes.

Pour la petite histoire, Eman reçoit en 2021 un dossier du DJ Walla P qui contient des beats de Penderhughes. Allumé par les sons reçus, il écrit une chanson sur le coup et l’envoie à KNLO pour qu’il la continue. L’ambiance musicale rappelait à Eman la chanson « Merci » (de l’album « Long jeu ») sur laquelle il a collaboré avec son fidèle acolyte KNLO. Étant déjà en train de monter un projet de captation, Eman décide d’utiliser cette exclusivité comme extrait accompagnant la mise en ligne du live session. Le beat est donc réadapté par les talentueux musiciens collaborant avec le rappeur lors de la captation où KNLO était invité. Naît alors la chanson « À propos de cette vie ».

Travaillant en étroite collaboration avec Alex McMahon afin de présenter un vidéo de style live session, Eman reprend quelques chansons de son répertoire en réunissant Maxime Bellavance (batterie), Antoine Lemieux-Rinfret (piano électrique) et Marc-Antoine Noël (basse) sous la direction musicale d’Alex McMahon (multi-instruments). Ensemble, ils adaptent les pièces en y ajoutant des saveurs instrumentales de funk, de jazz et de RnB.

« À propos de cette vie » - Eman (feat. KNLO)
Production : Disques 7ième Ciel
Production exécutive / A&R : Steve Jolin
Musique par : Penderhughes
Voix : Eman, KNLO
Réalisation, mix, synthétiseur, percussions : Alex McMahon
Piano électrique : Antoine Lemieux-Rinfret
Basse : Marc-Antoine Noël
Drum : Maxime Bellavance
Cover : Étienne Bossé / Bosslab Design
Chargée de projet : Marine Lecouturier

Captation Live Session :
Producteur exécutif : Disques 7ième Ciel
Production déléguée : Eman
DOP : Vincent Masse
Caméra : François Coulombe-Giguère
Montage & Coloration : Noah Ndorisiyoni
Voix : Eman, KNLO
Synthétiseur, percussions: Alex Mcmahon
Piano électrique : Antoine Lemieux-Rinfret
Basse : Marc-Antoine Noël
Batterie : Maxime Bellavance
Mix: Alex McMahon
Direction musicale: Alex McMahon
Chargée de projet : Marine Lecouturier

Source : Disques 7ième Ciel


Simon Leoza

https://www.youtube.com/watch?v=-YGGc-8tYcI&ab_channel=SimonLeoza

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, décembre 2021 – Le compositeur montréalais Simon Leoza, qui a offert une magnifique performance au dernier gala de l’ADISQ, fera paraître le 17 décembre l’album Albatross - Live à La Maison Symphonique de Montréal. Enregistré en mai dernier, ce concert virtuel à grand déploiement fut originalement retransmis en direct sur Facebook et simultanément sur la page du Festival International de Jazz de Montréal, partenaire de l’événement.

Accompagné sur scène d’un ensemble de sept musiciens comprenant quintet à cordes, synthétiseurs et cor français, Simon Leoza a présenté pour la toute première fois sur scène les pièces de son acclamé premier album Albatross lancé en avril via Rosemarie Records. À la fois intimiste et grandiose, Albatross - Live à La Maison Symphonique de Montréal replongera les amateurs de musique au cœur d’une œuvre audiovisuelle mémorable.

Musiciens
Piano, synthétiseur, glockenspiel :
Simon Leoza
Synthétiseurs, alto, vibraphone : Blaise Borboën-Léonard
Violon 1 : Gabrielle Richard
Violon 2 : Amanda Gibeau
Alto : Marilou Lepage
Violoncelle 1 : Karine Bouchard
Violoncelle 2 : Anne-Louise Gilbert
Cor français : Maude Lussier

Sonorisation : Rami Renno
Mix et mastering : Blaise Borboën-Léonard
Producteur : Alexan Artun – Rosemarie Records
Production déléguée : Sarah Labelle
Direction artistique : Sarah Labelle et Simon Leoza

La tournée 2022/2023 de Simon Leoza débutera le 3 février à St-Jean-sur-Richelieu pour se poursuivre jusqu’en mars 2023. Toutes les dates seront annoncées sous peu. Retrouvez les détails au https://simonleoza.com/live

Albatross, le premier album de Simon Leoza a reçu un fort bel accueil de la part des critiques au pays et à l’international.

« Une très très belle découverte! » - Catherine Brisson (98.5)
« Nous passons ici de l’intime au grandiose, de l’orchestral à l’électro. Et tout ça se conjugue avec beaucoup de classe » - Geneviève Bouchard (Le Soleil)

Sa musique cinématographique, ambiante et émouvante, évoque autant Nils Frahm ou Max Richter, qu’Ólafur Arnalds et Philip Glass. Doté d’une polyvalence naturelle et sans aucune formation musicale, il a développé instinctivement son propre langage musical au fil des années, qu’il communique à ses collaborateurs et musicien(ne)s pour la réalisation de ses œuvres. Ces dernières années, Simon Leoza s'est également fait connaitre comme compositeur de musique à l'image, notamment pour le court-métrage Take Me To A Nice Place de Kristof Brandl, mettant en vedette Roy Dupuis et Pascale Buissières et diffusé sur les ondes de HBO Europe, ou encore pour la websérie Germain s'éteint de Dan & PAG, diffusée sur tou.tv. Avec plus de 4 millions d’écoutes en ligne, ses trois premiers EP ont attiré l'attention de la critique nationale et internationale, qui ont décrit ses œuvres comme mélancoliques et grandioses, mélangeant une acoustique douce et des paysages oniriques imprégnés de nostalgie.

Source: Rosemarie Records


Jorane

https://www.youtube.com/watch?v=VNLKnubpzgY

Information : Simon Fauteux

Le projet le plus ambitieux de la carrière de Jorane enfin sur scène en 2022

EN SPECTACLE
6 - 7 avril – Québec – Grand-Théâtre - Salle Octave-Crémazie (Avant-Première)
21 avril – Montréal – Théâtre Outremont (Première)
5 octobre – Trois-Rivières – Salle J. Antonio Thompson
19 octobre – St-Jérôme – Théâtre Gilles Vigneault

« La vraie valeur d’une expérience se mesure à l’inspiration qu’elle donne aux autres »
- Kathryn D. Sullivan

Montréal, décembre 2021 – Après une année 2021 intense et fructueuse qui a vu la parution de son 11ième album, une trame musicale de plus de 80 minutes, Jorane, exploratrice sonore et créatrice d’une rarissime liberté, donnera enfin vie sur scène à son magnifique projet HEMENETSET. L’œuvre plurielle, collaborative et ambitieuse sera présentée les 6 et 7 avril au Grand Théâtre de Québec, le 21 avril au Théâtre Outremont à Montréal, le 5 octobre à la Salle J.Antonio Thompson de Trois-Rivières et le 19 octobre au Théâtre Gilles-Vigneault de St-Jérôme . D’autres dates seront annoncées sous peu. Retrouvez toutes les informations au https://jorane.com/

Elle partage aujourd’hui des images à couper le souffle telle une fenêtre sur son imaginaire avec un vidéo genèse qui nous aspire dans l’univers HEMENETSET, réalisé avec sa complice Frederique Bérubé.

Jorane est une créatrice intemporelle et une vocaliste instinctive qui abolit les normes musicales et bouscule les codes établis. Avec HEMENETSET, elle présente une fresque, une planète à grand déploiement où musique, mouvements et technologies s’entremêlent. L’instinct, l’introspection et la liberté, concepts que Jorane rassemble sous le signe de la féminitude, sont au cœur de cette création qui tend à redonner sa pleine place à la féminité.

Divisé en tableaux distincts mis en scène par François Blouin, HEMENETSET se veut la rencontre sur scène des arts, des technologies d’avant-garde et du rituel. Fruit de nombreux laboratoires et rendez-vous artistiques des dernières années, HEMENETSET donne suite à un langage artistique passionnel et à une approche qui vise à déconstruire les codes et à imaginer des méthodes de création inédites.

Sur scène :
Voix et violoncelle : Jorane
Quatuor : Geneviève Clermont, Lana Tomelin, Sophie Coderre, Vanessa Marcoux
Choristes : Chloé Lacasse et Geneviève Toupin
Musiciens : André Simard (programmations éléctroniques), Mathieu Désy (contrebasse), Martin Lizotte (piano)

Concepteurs et conceptrices :
Mise en scène : François Blouin
Projections et intéractivité : Studio Ottomata
Conception lumière : ATOMIC3
Costumes : Julie Charland
Mouvements : Debra Brown
Équipe son : Stéphane Grimm et Martin Blois

Crédits visuels :
Crédit photo : Damian Siqueiros
Éléments graphiques : Jeff Clermont

Source : L-A be


Clay and Friends

https://www.youtube.com/watch?v=qizr8Aaupw4

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

EN SPECTACLE
01/04 – Montréal – MTELUS
10/04 Trois-Rivières – Amphithéâtre Cogeco
15/04 – Québec – L’Impérial Bell
21/04 – Sherbrooke – Théâtre Granada
21/05/22 – Montréal – MTELUS (supplémentaire)

Montréal, décembre 2021 – Ah ce qu'on est bien quand tout baigne à Verdun.

Après l'engouement qu'a suscité l'annonce du 1er lancement montréalais d'AGUÀ prévu le 1er avril 2022, La Musica Popular De Verdun réitère en ajoutant une supplémentaire au MTELUS le 21 mai 2022.

Clay and Friends revient de sa tournée aux 5 coins du Québec avec des disques durs remplis de nouvelles Musica Popular de Verdun. Ils ont laissé les foules choisir par elles-mêmes les chansons d’AGUÀ en les regardant bouger tout au long de l’été.

Ce début d’album francophone paru le 12 novembre dernier existe pour se la couler douce entre friends et faire grouiller les dance floors mais aussi, pour aider à se faire face dans le miroir quand le ciel est gris. S’écouter soi-même, être in-tune, c’est plus difficile que ça en a l’air. Ce n’est pas du gâteau au fromage, c’est un rappel que c’est le travail d’une vie. L’eau fait tourner le monde et il y a quelque chose dans l’eau à Verdun.

L’eau nous accompagne dans toutes les facettes de nos life ; des souvenirs brésiliens aux balades de bateaux au Nord du Québec, des lents matins montréalais aux rêves de billets d’avion et de conquête du monde.

Clay and Friends & 117 Records vous présentent le nouvel univers de la Musica Popular de Verdun le 21 mai 2022 au MTELUS de Montréal.

D'ici-là, bois de l'eau et appelle ta mom 💙

Source : ADJ S.E.N.C.


Lwazo Sirois et le dernier rodéo

https://www.youtube.com/watch?v=8ThNDjaUu_4&t=52s&ab_channel=LwazoSiroisetledernierrod%C3%A9o

Information : Simon Fauteux

Lwazo Sirois et le dernier rodéo
Le Père Noël vient de lespace / Perce Noël
Deux extraits festifs et ludiques

Le Père Noël vient de l'espace est la modeste contribution de Lwazo Sirois et le dernier rodéo au répertoire des chansons de noël du monde. Humoristique et festif, dans l'esprit outlaw country qui singularise le projet, le split propose deux chansons originales.

Tandis que Perce-noël met en scène une vilaine créature poilue à pinces déguisée en Père-Noël, Le Père Noël vient de l'espace se questionne à savoir si le travail du Père Noël se limite à notre planète…

Source: Groupe Fovéa


Orchestre national de jazz

https://www.youtube.com/watch?v=L6AZEH7laeY&ab_channel=MarieJos%C3%A9eSimard

 

Information : Simon Fauteux

Montréal, Décembre 2021 - Pour son dernier concert de 2021, sous la direction de Jean-Nicolas Trottier, l’Orchestre national de jazz de Montréal présente avec grand plaisir la percussionniste émérite Marie-Josée Simard dans la création d’un concerto en trois mouvements dont elle a commandé l’écriture à trois compositeurs et arrangeurs de jazz de renom : Christine Jensen, Marianne Trudel et Jean Nicolas Trottier. Le concert aura lieu le mercredi 15 décembre à la Cinquième Salle de la Place des Arts et sera disponible en webdiffusion jusqu’au 19 décembre. Billets et informations ici.

CONCERTO INTERSECTION
Le premier mouvement : Delta Variations de Christine Jensen, donnera le ton et sonnera le signal de départ de l’œuvre.

Le deuxième mouvement : De résonances et d’échos de Marianne Trudel, poursuivra avec d’envoutantes sonorités de vibraphone et de crotales jouées à l’archet.

Le troisième mouvement : Spirales de Jean-Nicolas Trottier, complètera ce concerto en menant l’auditeur à travers une rythmique subtile qui fera briller la soliste.

Des œuvres de Mike Mainieri et Frank Zappa compléteront ce programme haut en couleur

En 40 ans, Marie-Josée Simard, première femme diplômée au Canada d’un premier prix de percussion du conservatoire de musique de Montréal en 1979 a créé 13 concertos pour marimba, vibraphone avec des orchestres symphoniques et des orchestres à corde reconnus. C’est en 2019 que lui est venue l’idée de créer un 14ème concerto avec l’Orchestre national de jazz en faisant appel à ces compositeurs québécois, rompus à l'écriture pour grand ensemble, autant jazz que symphonique.

Chef d’orchestre : Jean-Nicolas Trottier
Artiste invitée : Marie-Josée Simard (Marimba, vibraphone et autres percussions)
Saxophones : Jean-Pierre Zanella, Samuel Blais, André Leroux, Frank Lozano, Alexandre Côté
Trompettes : Jocelyn Couture, Aron Doyle, David Carbonneau, Bill Mahar
Trombones : Dave Grott, David Russell Martin, Taylor Donaldson, Robert Ellis
Piano : Marianne Trudel
Contrebasse : Rémi-Jean LeBlanc
Batterie : Kevin Warren

Source : L’Orchestre national de jazz de Montréal


Jesse Cook

https://www.youtube.com/watch?v=Y0av2KsD-ZE&ab_channel=JesseCook

EN SPECTACLE AU QUÉBEC

08/06/22 – Québec – Grand Théâtre de Québec (Salle Louis-Frechette)
09/07/22 – Montréal – Maison Symphonique (Festival International de Jazz de Montréal)
*Billets en vente le 10 décembre*

Information : Simon Fauteux

Montréal, décembre 2021 - Le virtuose compositeur, réalisateur et guitariste Jesse Cook présente son nouvel album Libre via son étiquette Coach House et distribué par Outside/Redeye. Dans le cadre de sa grande tournée nord-américaine, Jesse Cook sera de passage au Grand Théâtre de Québec le 8 juin et le 9 juillet à la Maison Symphonique de Montréal dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal (billets en vente le 10 décembre). D’autres dates seront annoncées sous peu. Retrouvez tous les détails au https://tour.jessecook.com/

Voyez et partagez l’extrait « Number 5 » : https://bit.ly/3pgHqFw
Voyez et partagez l’extrait « Oran » : https://bit.ly/3xUVIQ3
Écoutez et partagez l’extrait « Libre » : https://ffm.to/librejessecook

Les 10 pièces de Libre combinent le flair emblématique de la guitare espagnole de Cook avec le talent du multi-instrumentiste algérien Fethi Nadjem, des rythmes trap modernes et 808 beats. « J'ai écrit et enregistré Libre pendant la pandémie alors que, comme la plupart des gens, j'aspirais à la liberté. Ma musique était mon évasion des quatre murs qui m'entouraient et de la tempête qui tourbillonnait à l'extérieur ».

L'inspiration derrière Libre est venue d'un voyage que Jesse à fait avec sa fille de 14 ans. « Ma fille m'a diverti avec ses listes de lecture préférées, dont la plupart étaient inspirées du trap et du 808. Je les ai aimés aussi, et une question s'est posée dans mon esprit : « à quoi ressemblerait ma musique mélangée à ces sons ? ». Il ne manquait pas de matériel dans lequel puiser; cela fait plus de 25 ans que le virtuose de renommée internationale est entré en scène pour la première fois avec son désormais classique album Tempest. Depuis, il détient dix albums d'or et de platine avec des ventes combinées de plus de deux millions d'exemplaires, cinq DVD/CD en concerts, cinq spéciaux PBS et plusieurs prix - une victoire et 11 nominations au JUNO,, trois Canadian Smooth Jazz Awards, un Gémeaux et un Player’s Choice Silver Award du magazine Acoustic Guitar.

La convergence numérique des dernières années a également entraîné la diffusion de la musique de Jesse Cook en nombre impressionnant sur les différentes plateformes ; en septembre 2021, ses statistiques Spotify dépassaient les 55 millions et les écoutes sur Pandora dépassent le cap des 300 millions à ce jour. L'attrait de YouTube n'a cessé de croître, sa chaîne accumulant plus de 25 millions de vues depuis 2010.

Source : Coach House


JP « Le Pad » Tremblay

https://www.youtube.com/watch?v=iFZrTW2Lyvk&list=OLAK5uy_kvizLMPS03StHqtj5qUFKZe1yz2Ipo8II&index=7&ab_channel=JP%C2%ABLePad%C2%BBTremblay-Topic

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

3–4/12 – Saint-Prime – Vieux-Couvent
6-7/12 – Chicoutimi – Centre d’Expérimentation musicale de Chicoutimi (complet)
9-10/12 – Saint-Hyacinthe – Le Zaricot
11/12 –Val-David – L’église de Val-David
14-15/12 – Alma – Boîte à Bleuets
18/12 - St-Casimir – Microbrasserie Grand Bois
20/12 – Québec – Grand Théâtre
21-22/12 – Montréal – Club Soda

2022
14-15/01 – Baie-Comeau – L’Ouvre-Boîte Culturel
20/01 – Rivière-Ouelle – Baleine endiablée (complet)
21/01 – Rimouski – Coopérative Paradis
22/01 – Sainte-Anne-des-Monts – Auberge Festive Sea Shack
28/01 – Trois-Rivières – Amphithéâtre Cogéco,
04/02 – Lavaltrie – Chasse-Galerie
05/02 – Bois-des-Fillions – BAM

« La sincérité, le franc-parlé, la manière de se mettre le français en bouche, le côté minimaliste et intime de la production. Tout est là. » - Olivier Robillard-Laveaux, ICI Musique

Montréal, novembre 20201 - Dans le ras-le-bol certain d’une société consumériste où le temps défile en accéléré, JP « Le Pad » Tremblay se moque bien des diktats. Il les rejette, les recrache avec désinvolture même! rrrik thffu (l’onomatopée d’un crachat), son album solo lancé il y a quelques semaines ne porte pourtant aucune hargne. Les mots, francs, et les mélodies sont plus posées qu’à ses habitudes. Si, devant QRBP, le public se lève assurément pour chanter avec frénésie, cette fois-ci, l’auditoire portera une oreille attentive à chaque mot.

Lors de la tournée qui démarre le 3 décembre, le chanteur de Québec Redneck Bluegrass Project présentera l’intégralité de rrrik thffu (l’onomatopée d’un crachat), un album qui met de l’avant la qualité de ses textes et de son jeu de guitare. En solo, mais toujours en bonne compagnie, JP « Le Pad » Tremblay sera entouré sur scène du contrebassiste François Gaudreault et du multi-instrumentiste Pascal Beaulieu. Retrouvez tous les détails ici.

Source : Spectacles Bonzaï


NOBRO

https://www.youtube.com/watch?v=1DCzg6uoWLM&ab_channel=NOBRO-Topic

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Tournée canadienne avec Billy Talent en 2022

EN SPECTACLE
07/02 – Winnipeg, Man. @ Burton Cummings Theatre avec Billy Talent et PUP
08/02 – Winnipeg, Man. @ Burton Cummings Theatre avec Billy Talent et PUP
10/02 – Calgary, Alb. @ Big Four Roadhouse avec Billy Talent et PUP
11/02 – Edmonton, Alb. @ Edmonton Convention Centre avec Billy Talent et PUP
14/02 – Vancouver, C.-B. @ PNE Forum avec Billy Talent et PUP
01/04 – Québec, Qc @ Centre Videotron avec Billy Talent et Rise Against
03/04 – Laval, Qc @ Place Bell avec Billy Talent et Rise Against
04/04 – Ottawa, Ont. @ Place TD avec Billy Talent et Rise Against
06/04 – Toronto, Ont. @ Scotiabank Arena avec Billy Talent et Rise Against
07/04 – London, Ont. @ Budweiser Gardens avec Billy Talent et Rise Against

“...currently one of Canada's most incredible punk bands..." —Exclaim!

"Queens of key changes and anthemic choruses, NOBRO are cementing their place in rock ‘n roll history with unapologetic badassery and high-octane tunes." —Punktastic 

"Big like ’70s radio hits, dirty like garage rock, and driven like ’90s punk...the kind of shit you want on in the background as you walk into the bar dressed to kill." —Kerrang!

“NOBRO’s show is a whirlwind of thrashing hair, gritty guitar solos and shrieking Suzi Quatro-esque vocals...” —The Projector

Montréal, Décembre 2021 – Le féroce quatuor rock montréalais NOBRO partage son nouvel extrait « Julia », mixé par l’ingénieur Dave Shiffman (Vampire Weekend, Adele), lauréat de deux prix Grammy via Dine Alone Records,

« La chanson s'est pratiquement écrit toute seule » explique la chanteuse et bassiste Kathryn McCaughey. J’avais le hook « Julia-ya ya » dans la tête depuis quelques jours et avec l'aide de notre réalisateur Thom D'arcy, nous avons monté un bon démo pour donner un sens à la chanson. La vraie magie s'est produite quand nous sommes allées en studio. Nous ne pouvions pas décider d'une vitesse au début parce que notre style «shred your face off » n'était pas l'ambiance, mais nous avons ensuite décidé que c'était OK de vivre la vie mid-tempo. Et voilà, la chanson est née ».

« Julia » fait suite à l’extrait Better Each Day, une chanson démarrant sur un chant commun aux accents gospel : I spend my whole life running away…qui culmine avec le martèlement de la batterie, des riffs qui shred et des voix foudroyantes qui ont fait la réputation de NOBRO. Jeremy Shantz, Jenn Wade et Daniel Esteban ont produit et réalisé le clip tourné à Montréal, la ville natale du groupe.

Inspirées par des artistes comme Jay Reatard, The Damned et Royal Trux pour n’en citer que quelques-uns, NOBRO n’a pas peur de laisser paraître ses influences. Ces femmes ont fait leurs griffes sur la route avec des groupes comme FIDLAR, PUP et Charly Bliss et, plus récemment, elles ont joué dans les plus grandes salles lors d’une tournée d’arénas avec Alexisonfire et The Distillers. En novembre dernier, NOBRO a rejoint le Tokyo Police Club aux États-Unis pour quelques spectacles. En 2022, elles partageront la scène avec Billy Talent pour dix spectacles à travers le Canada. PUP, qui vient de sortir l’extrait « Waiting » avec la voix de Kathryn McCaughey, rejoint également la tournée Billy Talent. Billets et informations ICI.

Écoutez et partagez Julia ICI

G à D : Sarah Dion (batterie/voix), Lisandre Bourdages (percussion/voix),
Kathryn McCaughey (basse/voix principale), Karolane Carbonneau (guitare/voix)

Avec le rugissement confiant et limite arrogant de McCaughey et ses lignes de basse foudroyantes, la batterie de Sarah Dion (McCaughey affirme d’ailleurs que Sarah Dion « entrera dans l’histoire comme l’une des meilleures batteuses du monde entier »), les riffs meurtriers de la guitariste Karolane Carbonneau et les traits de clavier et les solos de bongo de la maître des percussions Lisandre Bourdages, NOBRO est devenu une force du rock’n’roll impossible à éviter. « C’est ce genre de musique là que je voulais jouer, mais je n’arrivais pas à trouver d’autres femmesavec qui le faire. Je voulais faire partie du groupe féminin le plus génial qui soit », dit McCaughey. Résistantes et tenaces, elles savaient qu’elles devraient faire face au scepticisme, un incontournable du sexisme omniprésent dans leur milieu. Mais la difficulté ne faisait que les encourager davantage. « Nous nous sommes promis de faire les choses d’une certaine manière et nous avons travaillé fort pour respecter cette promesse faite à nous-mêmes ». Mme McCaughey a fondé le groupe presque comme un défi à elle-même, lorsqu’une relation avec un musicien montréalais de premier plan l’a convaincue de devenir « plus qu’une simple note de bas de page sur la page Wikipédia de cette personne ». Elle a réalisé qu’elle avait tout ce qu’il fallait pour utiliser sa propre voix et pour façonner son propre destin. Il ne manquait plus que des collègues musiciennes qui ressentent la même chose. Comme le veut le destin, elles étaient tous à proximité, en train de tracer leur propre chemin, de maîtriser leur instrument, prêtes à shredder aussi fort qu’elles le pouvaient. Et leur réunion les a enflammés.

Avec des chansons écrites en collaboration avec des membres de METZ et Fast Friends et un EP intitulé ​Sick Hustle​ sorti en 2020 via Dine Alone Records, NOBRO est en bonne voie d’atteindre son objectif. Le clip «Don't Die », animé par Greg Doble, a été récompensé par de nombreux prix : meilleur court métrage d’animation aux Monster Flix Awards, meilleur clip au Hollywood Horror Fest, meilleur clip à Another Hole In The Head, meilleur clip d’horreur aux Horror Bowl Movie Awards, médaille d’argent au Los Angeles Animation Film Festival et mention honorable au Santiago Horror.

Inspirée par des artistes comme Jay Reatard, The Damned et Royal Trux pour n’en citer que quelques-uns, NOBRO n’a pas peur de laisser paraître ses influences. Ces femmes ont fait leurs griffes sur la route avec des groupes comme FIDLAR, PUP et Charly Bliss et, plus récemment, elles ont joué dans les plus grandes salles lors d’une tournée d’arènas avec Alexisonfire et The Distillers.

Appelez-les « punk rock » si vous voulez, mais l’étiquette est réductrice et ce n’est qu’une des nombreuses choses que NOBRO est là pour défier, avec une force et une excitation sans pareille.

Source : Dine Alone Records


Veranda

https://www.youtube.com/watch?v=t23qYf53HZ0

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

En spectacle
2021
02/12 – Salaberry-de-Valleyfield, Salle Albert-Dumouchel
03/12 – Ottawa, Centre National des Arts
08/12 – Montréal, le Bureau du Quartier (artiste invité de la ligue Bluegrass de Montréal)

2022
03/02 – Saint-Prime, Vieux couvent
04/02 – Alma, La Boîte à bleuets
05/02 – Jonquière, Côté-Cour
06/02 – Saint-Côme, Festival Saint-Côme en glace

Montréal, novembre 2021 – L’hiver s’est finalement invité et le groupe VERANDA l’accueille à bras ouverts en partageant l’extrait La tempête du siècle, disponible sur toutes les plateformes.

Quand le ciel se déchaîne, qu’y a-t-il d’autre à faire que de regarder la neige tomber ? Le groupe nous présente un extrait inédit, « La tempête du siècle », une pièce en douceur et en chaleur à écouter au bord du feu, alors que tout dehors nous incite à prendre le temps, simplement, d’attendre que ça passe. Violon, guitare et voix entremêlées dans une belle mélodie folk font de ce titre le compagnon parfait pour une première tempête comme on les aime et comme on les redoute.

Ça vient d’commencer à tomber
Que ça a des airs de fin du monde
Dehors y’a l’vent qui crie d’rentrer
Y’est quatre heures pis y fait déjà sombre

Catherine-Audrey Lachapelle et Léandre Joly-Pelletier ont écrit « La tempête du siècle » à La Macaza, dans les Laurentides, par un soir de tempête autour d’un whiskey Canadian Club. Ils nous racontent tout cela dans leur nouvelle chanson, plus folk que leur bluegrass habituel, avec une simplicité et une humilité bienvenue : devant une situation plus grande que nous, devant quelque chose qu’on ne peut pas contrôler, on ne peut que lâcher prise. Accompagné par les musiciens Robin Boulianne, Élisabeth Giroux et Marc-Olivier Tremblay-Drapeau, le duo nous invite au repos et à la douceur. « Demain, on pellettera en se levant. » VERANDA est actuellement en production d’un nouvel album qui paraîtra en 2022.

VERANDA est né de la rencontre entre Catherine-Audrey Lachapelle et Léandre Joly-Pelletier. La première, en plus d’être autrice-compositrice-interprète, est aussi comédienne ; on a pu l’apprécier dès le début de la série policière District 31 dans le rôle de Virginie Francoeur. Le second est multi-instrumentiste et a joué pour de nombreux artistes, dont Sara Dufour, Laurence Jalbert et Émile Bilodeau. Ensemble, ils ont découvert leur identité autour de leurs influences bluegrass, folk et country pour créer une musique habile et inspirée, aussi accessible que virtuose. En 2019, le duo produit un premier EP en anglais, Woodland Waltz, qui est classé parmi les meilleurs albums de la mi-année par ICI Musique. Après une tournée d’une trentaine de spectacles en 2019, VERANDA présente Yodel bleu, un EP de six titres en français, qui leur vaut le prix du Meilleur album country au GAMIQ 2020 ainsi qu’une nomination au Gala Country 2020 dans la catégorie Découverte de l’année.

Source : Veranda

Pistage radio : Simon Robitaille / TAXI promo


Matt Herskowitz

https://www.youtube.com/watch?v=uv1r89WYsUo

Information : Simon Fauteux

Montréal, novembre 2021 - Le pianiste, compositeur et arrangeur virtuose Matt Herskowitz fera paraître son nouvel album « All Good Things » le 26 novembre via l’étiquette Justin Time Records. Ce nouveau disque comprenant sept pièces de piano solo est une réflexion sur l'année écoulée, alternant entre des moments plus méditatifs et un jazz accessible. Diplômé de la Juilliard School de New York et du Curtis Institute of Music de Philadelphie, Matt Herskowitz, originaire d'Albany, a fait de Montréal sa patrie d'adoption depuis 2000.

All Good Things par Matt Herskowitz

  1. All Good Things
    Ce fut une année difficile, bien sûr mais elle a aussi été remplie de nouvelles choses dans ma vie que je n'aurais jamais imaginé avoir : un petit garçon incroyable, une nouvelle maison et du temps à passer avec ma nouvelle famille. C'est en réfléchissant à tout ça que j'ai imaginé cette mélodie, c'est donc devenu le titre de la chanson.
  2. New Beginnings
    Très simplement, cette chanson représente l'espoir et le désir de tourner une nouvelle page après une période de nombreux défis personnels. À la fois mélancolie schubertienne et jazz, cette dualité reflète la paix et l'espoir d'un nouveau départ
  1. Threading the Needle
    Cette chanson me rappelle toutes les petites choses que nous devons constamment naviguer : élever un enfant en quarantaine, travailler à domicile, aimer pendant une pandémie, équilibrer vie professionnelle et vie privée, trouver son âme dans la musique…
  1. Dreaming
    Il s'agit d'une réimagination « Träumerei » de Schumann, où l'émerveillement et l'imagination d'un enfant sont infinis.
  1. Satie Reverie
    Une improvisation méditative inspirée de la Gnossienne no. 1, incarnant à la fois la lumière et l'obscurité, reflétant magnifiquement ces temps.
  1. Another Time, Another Place
    Cette pièce vient d'une chanson pop que j'ai écrite il y a plus de 20 ans, maintenant réinventée en un solo piano instrumental. Lorsque cette mélodie m’est revenue depuis un coin poussiéreux de mon cerveau dans lequel elle vivait, elle m'a ramenée à ce moment et à cet endroit, comme si je la regardais à travers un miroir dans le temps.
  1. Letter to My One and Only Love
    Une improvisation spontanée basée sur mon standard de jazz préféré. Quand je l'ai réécouté, j'ai entendu cela comme une sorte de lettre d'amour à ma nouvelle famille et la joie de voir mon fils grandir dans les années à venir.

Source : Disque Justin Time