J.B. and the Playboys

Information : Simon Fauteux

Montréal, février 2021 - Le groupe montréalais J.B. and the Playboys a fait paraitre en 1965 son unique album. 56 ans plus tard, le label montréalais Justin Time Records a décidé de revisiter cette merveilleuse période de l'histoire musicale canadienne en rendant disponible, le 19 février, une version remasterisée sur toutes les plateformes numériques. Un bel hommage et une célébration du son et de l'énergie de J.B. et The Playboys. « Nous sommes ravis de pouvoir remettre ces chansons en lumière », déclare Jim West, président de Justin Time.  « Non seulement pour les fans plus âgés, mais pour tous ceux qui s'intéressent à la musique qui sortait de Montréal lors de l'invasion britannique des années ‘60."

Plusieurs d’entre vous ne connaissent probablement pas le groupe J.B. and the Playboys, qui a pourtant connu un certain succès au Québec et en Ontario au milieu des années 1960. Formé en 1964, on y retrouve le chanteur Allan Nicholls, les guitaristes Bill Hill et Andy Kaye, le batteur Doug West et le bassiste Louis Atkins.

Dès l’enfance, Allan Nicholls et Bill Hill se passionnent pour la musique populaire, s’appliquant à jouer des chansons de leurs artistes préférés, parmi lesquels les Everly Brothers. Originaire du secteur de Saint-Laurent, Hill achète sa première guitare chez Eaton au coût de 20$. Il participe dès cette époque à des concours amateurs de chanson organisés par la radio CKVL, à Verdun

 J.B. and the Playboys débute sa carrière dans les salles de danse des écoles secondaires ou dans les YMCA. Il se produit également dans les hôtels notamment au Rawdon Inn et au Rockliff Inn (Morin Heights), où il enchaîne jusqu’aux petites heures du matin les chansons originales et les reprises des Beatles, du Dave Clark Five, des Byrds ou de Wilson Pickett. Les musiciens apprennent ainsi leur métier, donnant des prestations de plus en plus endiablées.

Pris en charge par l’étiquette de disque RCA Victor en 1965, le groupe lance en tout début d’année trois extraits incluant My delight, qui montera au top 5 des palmarès locaux. Ces extraits sont repris sur l’album éponyme, paru en 1965. C’est à cette époque, le 19 février 1965, que JB and the Playboys se produit en première partie des Beach Boys à l’aréna Maurice-Richard. Le groupe donne également plusieurs concerts en première partie des Rolling Stones.


Alicia Deschênes


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, février 2021L’auteure-compositrice-interprète et guitariste originaire de St-Agapit Alicia Deschênes fera paraître son deuxième album Les mauvaises langues, le 26 février via le label Le mouvement des marées, propriété de Daran. Ce dernier a réalisé et mixé l’album en plus d’y jouer tous les instruments.

C’est dans un contexte de confinement que la création de l’album Les mauvaises langues s’est faite. Elle a puisé son inspiration autant chez Vincent Vallières que chez Louis-Jean Cormier mais aussi chez The Night Game (« pour ce son qui me fait tant tripper »), Brian Fallon (« pour l’album qui m’a accompagnée durant l’écriture de ces chansons »), The Lumineers, Bruce Springsteen, Depeche Mode, Ryan Adams, Keith Urban, Ruston Kelly et Paul McCartney. Avec des textes sensibles et émouvants et un nouveau son bien ancré dans une mouvance plus alternative, Alicia Deschênes fait preuve, si besoin est, de son immense talent et qu'elle est bel et bien là pour rester.

Écoutez les trois premiers extraits déjà parus ici : https://www.aliciadeschenes.com/musique

Alicia Deschênes a grandi à dans une famille où la musique est omniprésente. Dès l'enfance, elle est constamment entourée de musique, mais c'est seulement au début de l'adolescence que celle-ci commence à jouer un rôle plus concret dans sa vie. Lorsque ses parents lui achètent sa première guitare à 12 ans, une passion est née. Autodidacte, elle apprend ses premiers accords sur les chansons des Beatles et de Green Day.

Dès 2009, elle écrit ses premières compositions en anglais. En 2013, elle lance le EP Between the lines, enregistré avec un band, avant d'en sortir un deuxième, Between the lines: Acoustic Session, au début 2014. Alicia écrit quelques années dans la langue de Shakespeare avant de la troquer pour celle de Molière à la suite d'une rencontre marquante avec Louis-Jean Cormier.

Peu de temps après cette rencontre, elle fait ses premiers pas sur scène avec son matériel francophone dans le cadre de Cégeps en spectacle. Cette expérience lui donnera l'occasion de travailler aux côtés de Luc De Larochellière, lors de l'été 2015, à Petite-Vallée. Ces dernières années, Alicia a également côtoyé sur scène Vincent Vallières, Patrice Michaud, Tire le Coyote, Alex Nevsky, Les Soeurs Boulay, Reuben and the Dark et Les Trois Accords.

À la fin 2016, récemment diplômée de l'École nationale de la chanson, Alicia Deschênes rencontre Daran et une connection se créée et il réalise Années lumières, son premier EP francophone qui voit le jour à la fin octobre 2017. Elle assure les premières parties de la tournée Endorphine de Daran en plus de se produire dans différents festivals dont le Festival de la chanson de Granby.

Au printemps 2018, Alicia entre de nouveau en studio avec Daran pour préparer son premier album Comme June aime Johnny. Lancé en janvier 2019, il reçoit un accueil chaleureux autant de la critique que du public.

Source : Le mouvement des marées


Pat Metheny

Information : Simon Fauteux

Montréal, février 2021 - Le compositeur, multi-instrumentiste et vingt fois lauréat de prix Grammy Pat Metheny fera paraitre Road To The Sun le 5 mars via BMG Modern Recordings, le plus récent chapitre d'une carrière sans cesse innovatrice qui s'étend sur près de cinq décennies.

Road To The Sun est une collection de deux nouvelles œuvres majeures composées par Metheny et interprétées par cinq des plus grands guitaristes au monde. À la fin de l'année dernière, Metheny a partagé un extrait de la composition-titre « Road To The Sun », interprétée par le Los Angeles Guitar Quartet.

 Il partage aujourd’hui un extrait de sa suite pour guitare solo à quatre mouvements « Four Paths Of Light », interprété par Jason Vieaux, lauréat d'un Grammy. Ensemble, les deux œuvres originales marquent les débuts de Pat Metheny en tant que compositeur de musique de chambre, développant un ensemble d'œuvres sans précédent qui a été salué dans tous les genres, du jazz au rock, en passant par le country et le New-Age.

Écoutez / Partagez le nouvel extrait « Four Paths Of Light (Part 2) » : https://bit.ly/3d93RrY

Avec Jason Vieaux, Metheny s'associe à un guitariste qui (comme il le dit) « a été l'un de mes musiciens préférés dès le premier moment où je l'ai entendu », ajoutant que « Vieaux excelle à jouer des passages qui frisent l'impossibilité technique ». Metheny est adepte de cette nature à part entière, y compris sur « Für Alina » - la pièce bonus de Road To The Sun - sur laquelle il interprète une miniature pour piano du compositeur estonien Arvo Pärt sur sa guitare signature Pikasso à 42 cordes. Jason Vieaux ajoute : « c'était un de mes rêves de travailler avec Pat. Même si je connais tant de ses solos improvisés par cœur, l’aspect de composition de sa musique a toujours été le facteur le plus important, à chaque fois qu'un artiste de l’importance de Pat écrit non seulement une œuvre substantielle, mais une pièce qui nécessite une réelle virtuosité, avec son empreinte musicale partout, c'est un grand moment pour la guitare classique ».

Apparue pour la première fois sur la scène internationale en 1974, Pat Metheny et sa palette musicale illimitée est presque sans égal. Au fil des ans, il s’est produit avec divers artistes comme Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock et David Bowie, tout en projetant de manière transparente sa propre identité quel que soit le décor. Il est le seul artiste à avoir reçu des Grammys dans 12 catégories différentes, dont Best Rock InstrumentalBest Contemporary Jazz RecordingBest Jazz Instrumental Solo et Best Instrumental Composition entre autres.


Les Fourmis

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, février 2021 - Malgré une période d’accalmie mondiale dans le secteur manufacturier, le collectif rap montréalais Les Fourmis a fait la farine et le pain pour présenter aujourd’hui le nouvel extrait/vidéoclip « Travaux ».

Fidèles aux directives de la Reine, ses ouvrières Kirouac, Catboot, Vendou, John Ouain, FouKi et leur producteur Roby, poursuivront leur travail acharné jusqu’au 5 mars, date butoir de remise des travaux, inaugurant la sortie du premier album officiel chez Disques 7ième Ciel, du jamais vu au Québec pour un collectif rap formé de plus de 25 artistes.

CRÉDITS
Interprété par : Kirouac, Catboot, Vendou, John Ouain, FouKi
Produit par : Roby
Auteurs : Paul Provencher, Vincent Guité-Vinet, Pier-Hugues Boucher, Tommy Rivard Garcia, Léo Fougères
Compositeur: Roberto Viglione
Mix / Mastering: Roberto Viglione
Assistant ingénieur mix : Roddy Wehbe
Artwork par Felipe Arriagada-Nunez (Chien Champion)

Formation à la fois éparse et inébranlable, Les Fourmis évoluent au sein de La Fourmilière selon des codes et dialectes incompréhensibles pour le commun des humains. Chaque fourmi ayant comme mission de servir la reine, elles proposent un univers décomplexé et intuitif où le succès de la structure dépend de l’effort de chaque individu mis au profit de la collectivité.

Parmi les ouvrières les plus fidèles, on y retrouve : Catboot, John Ouain, Gary Légaré, Carey Size, Vendou + Renay
(de L’Amalgame) + Bkay, Mantisse, Jamaz, BLVDR, OCLAZ et bnjmn.lloyd (de LaF) + FouKi & QuietMike, Sam
Rick + Kirouac & Kodakludo, Barbara + Papi, Edaï, Eius Echo et Xela Edna (Astralopithèque) + Franky Fade
(d’Original Gros Bonnet) + AG Kone + Rousseau + Roby + Yaya + Chien Champion et sa royauté du ghetto : Don Bruce.

 

 Fourmis, fourmis, fourmis, what you doing for me ? – La Reine 


Marie-Clo


Information : Simon Fauteux

Montréal, février 2021 – L’auteure-compositrice et chanteuse originaire d’Ottawa Marie-Clo partage aujourd’hui l’extrait et le vidéoclip « Lève tes voiles », tiré du EP Shell(e) Pt III. Le dernier EP de la trilogie se veut aussi une mise en bouche avant la sortie de l’album-concept Shell(e) qui paraîtra le 19 mars.

Shell(e) Pt III est unique dans le parcours artistique de Marie-Clo car il représente deux facettes distinctes de l’artiste; son bilinguisme et son audace. « Faire de la musique dans les deux langues est important pour moi. Je ne pouvais pas créer un LP anglophone de 10 chansons sans y compter une chanson francophone. Je suis bilingue et fière de l’être » affirme-t-elle.

L’extrait Lève tes voiles offre un aperçu juxtaposé sur la beauté de la confiance, du désir, du pouvoir de l’union et les eaux incertaines que nous naviguons avec ceux qu’on aime. Cette chanson, douce et ponctuée d’images nautiques, peint un tableau d’espoir et d’envie. « Shell (e) Pt III est le dernier morceau de ma trilogie Shell(e). Comparativement aux thématiques plus sombres et lourdes des parties I et II qui sont sortis plus tôt cette année, celui-ci est le phénix qui renaît de ses cendres; il est indomptable, libre, groovy, sensuel, audacieux, éclectique mais doux en même temps » explique Marie-Clo.

Shell(e) Pt I lancé en juin, aborde son passage un peu étrange dans l’univers des « hockey wives », la reconnexion avec sa féminité ainsi que l’oppression féminine. Shell(e) Pt. II lancé en août aborde quand à lui la thématique de la guérison.

Shell (e) Pt III, tout comme l’album à venir, est ancré dans la reprise de pouvoir et de la force des femmes. Il est fixé sur la redéfinition de soi, l’émancipation, le plaisir, la liberté et la sexualité. C'est le reflet de la magie et de la puissance de déplacer l'attention pour accentuer les côtés positifs. Comme les deux précédents, il a été réalisé par l’ontarien Olivier Fairfield (Fet Nat, Timber Timbre, Leif Vollebek), nommé sur la courte liste du Prix Polaris en 2019.

Source : Amixie


Alex Henry Foster


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, février 2021Alex Henry Foster partage aujourd’hui l’extrait The Son of Hannah, tiré de son album Standing Under Bright Lights, à paraître le 16 avril via Hopeful Tragedy Records.

« The Son of Hannah est autant une métaphore cathartique de la nature tourmentée et affligée de mon père, qu'un vibrant hommage à un homme qui a consacré sa vie à s'émanciper de ses démons et à trouver un repos intérieur éternel, à faire la paix avec son passé et ses défauts tout en embrassant une défaite inévitable face à l'essence implacable du cancer. C’est une réflexion intime sur les luttes personnelles pour garder la foi vivante et une reconnaissance de notre besoin le plus profond dans les moments de désespoir. Mais surtout, c’est le témoignage poignant de la rédemption d’un homme qui a conduit au pardon de son fils et qui l’a incité à trouver sa propre manière d’être libre, quoique cela puisse signifier » explique Alex Henry Foster à propos du nouvel extrait.

Standing Under Bright Lights, a été enregistré en 2019 lors d’un spectacle à guichets fermés au Club Soda lors du Festival International de Jazz de Montréal, six mois après la sortie du premier album solo Windows in the Sky. Le concert devait être un événement unique, un hommage au défunt père de Foster décédé 5 ans auparavant, presque jour pour jour. Il allait jouer l'album Windows in the Sky au complet, accompagné d'un groupe de 11 musiciens jouant de la projection d’un film réalisé par Foster. Également basé sur la vision de Foster, le réputé éclairagiste Pascal Boily a créé une installation scénique unique, offrant un univers immersif où la musique, les projections de films et la lumière coexistaient. Alex voulait que le public soit plongé dans le moment plutôt que d'avoir la sensation d'assister à un concert.

Standing Under Bright Lights devait sortir le 8 octobre 2020, date de naissance du père d’Alex. Considérant la crise sanitaire, Foster a décidé d'utiliser le temps supplémentaire que la pandémie mondiale lui donnait pour produire Standing Under Bright Lights, mettant de l'avant la chanson inédite « The Son of Hannah » avec Ben Lemelin, son partenaire créatif de longue date et coproducteur de Windows in the Sky. Il a également décidé de travailler sur le film du concert et sur un livre à venir intitulé « If Only the Voices In My Head Couldn’t Lie » qui sortira au printemps 2021.

Le succès critique et populaire de l’album Windows in the Sky a propulsé Alex Henry Foster à l'avant-garde de la musique canadienne. Il fut pendant près d’une décennie le chanteur principal du groupe rock alternatif Your Favorite Enemies avant de faire une pause et partir pour Tanger pour pleurer son père décédé. Cette période de deuil, qui durera 2 ans, est devenue un voyage jusqu'au bout de son désespoir douloureux et c'est ce qui a finalement inspiré et donné vie à son premier disque solo.

Source : Hopeful Tragedy Records


Sara Dufour


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, février 2021 – La carrière de l’explosive auteure-compositrice-interprète originaire du Lac St-Jean Sara Dufour a connu une ascension vertigineuse depuis de la sortie de son deuxième album éponyme en avril 2019. Alors que s’enclenche le cycle de création du prochain album, elle présente aujourd’hui une version commentée du disque qui l’a catapulté sur toutes les scènes de la province. Et honnêtement, qui de mieux placée que Sara elle-même pour raconter les histoires derrières les chansons.

Véritable dynamo, authentique et attachante, Sara se livre avec émotions et humour avec son langage franc et une sincérité qui lui donne ce charme indéniable.

La version commentée de l’album Sara Dufour est disponible sur toutes les platefomes d’écoutes en ligne.

 

- C’est beau, c’est vrai, et ça donne envie d’apprécier la vie. À découvrir, sans faute. - ICI Musique

- « .... un talent débordant, étincelant, pétillant, écumant.» - - ★★★★ Alain Brunet, La Presse+

- « Toujours aussi authentique. Incomparable! »- Jean-François Côté, TJ Extra Saguenay-Lac-St-Jean

- «  ...l’auteure-compositrice-interprète folk country commande l’attention et dépasse les attentes... » - ★★★★ - André Péloquin, Journal de Montréal 

- «Dufour fait reculer les limites du country avec cette nouvelle galette.» - Le Canal Auditif

- ★★★★ - ARP Média 

Source : Studio B-12


Annabelle Chvostek


Information : Simon Fauteux

Montréal, février 2021 – Après avoir lancé l’extrait Walls en janvier dernier, l’auteure-compositrice et chanteuse torontoise Annabelle Chvostek partage aujourd’hui sa relecture du classique Belleville Rendez Vous, écrite par Benoît Charest, Sylvain Chomet et Mathieu Chédid et deuxième extrait de son sixième album String Of Pearls qui paraîtra le 26 mars prochain.

Annabelle raconte : « Cette chanson a fait son apparition sur les ondes en 2004 avec la sortie du film Les Triplettes de Belleville. Vivant à Montréal, je pouvais entendre la douce voix de Matthieu Chedid (~M~) partout. C'était la première fois que j'entendais un style de guitare jazz manouche comme base d'un énorme succès grand public et la façon dont il évoluait dans son rythme endiablé et son refrain était incroyablement passionnante. Revenir sur cette chanson 20 ans plus tard, tout en tournant autour de l'héritage du swing de Django Reinhardt, a été un plaisir ».

À propos de sa signification, Annabelle ajoute : « Elle m’est apparue consciemment comme l'ode parfaite à la vieillesse. Je ne veux pas être celle qui se fait refaire le visage en prétendant être ce que je ne suis pas. Je veux être ridée et tordue et méchante et libre - comme les Triplettes de Belleville! Je me suis éclatée en créant mon propre arrangement d'harmonie pour les choristes et j'ai aussi décidé de changer une des paroles du refrain. J'habite dans un quartier portugais de Toronto et mon adorable voisine est connue dans notre famille sous le nom de Vovó (grand-mère). Comme cette chanson a vraiment peu à voir avec la culture haïtienne ou les traditions du vodou, et tout à voir avec le fait de vieillir, il m'a semblé approprié de modifier ce mot dans le refrain pour 2021 ».

Le magnifique vidéoclip accompagnant l’extrait est basé sur des idées de collages de Ximena Griscti pour soutenir visuellement les thèmes de l’album String of Pearls. Annabelle Chvostek ajoute : « Ximena a réuni son amour du dadaïsme (mouvement artistique anti-establishment du début du XXe siècle) et du punk rock, qui se côtoient dans leur utilisation du collage pour re-contextualiser l'imagerie afin de créer de nouvelles significations, souvent subversives. Elle y a inclus une nostalgie visuelle des époques qui a inspiré la musique avec un oeil pour la représentation Queer et un clin d'oeil au bouquin « Le livre des étreintes » d'Eduardo Galeano. Le réalisateur Carlos Coronado a apporté d'autres idées de collages, adoptant une perspective positive sur le vieillissement et reprenant l'humour de la chanson. Il a gentiment inclus un caméo de ma grand-mère à la fin de la chanson, la jeunesse en transit vers la vieillesse ».

L’album String of Pearls rassemble les racines d’auteure-compositrice canadienne d’Annabelle et la nostalgie de son héritage est-européen avec un lien avec l’Uruguay qui a commencé il y a plus de dix ans par l’intermédiaire de son épouse uruguayenne. Les chansons ont été arrangées et coréalisées à Montevideo par Fernando Rosa, compositeur, multi-instrumentiste et collaborateur de longue date. Il a rassemblé quelques-uns des meilleurs musiciens de tango et de musique classique d’Uruguay pour ajouter au son contemporain qui rappelle autant le tango des années 1930 que le vaudeville et le jazz swing.Le batteur montréalais Tony Spina est d’office aux côtés de membres de la vibrante communauté Gypsy Jazz de Toronto.

CRÉDITS VIDÉO
Réalisation et montage : Carlos Coronado.
Collages par Ximena Griscti et Carlos Coronado.
Écriture manuscrite: Annabelle Chvostek.

CRÉDITS EXTRAIT
Paroles et musique: Sylvain Chomet, Benoît Charest, Mathieu Chédid
Réalisation: David Travers-Smith, Fernando Rosa et Annabelle Chvostek
Voix, Percussions: Annabelle Chvostek
Guitare solo: Debi Botos
Guitare rythmique : Tak Arikushi
Basse: Rachel Melas
Batterie: Tony Spina


Dominique Fils-Aimé

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

En spectacle virtuel
13/02 - Bandcamp - 15h00 (EST)

Montréal, février 2021 – Le très attendu nouvel album de Dominique Fils-Aimé Three Little Words paraitra le 12 février via le label Ensoul Records, co-propriété de son gérant et producteur Kevin Annocque. L’album vient conclure la trilogie qui explore les racines de la culture musicale Afro-Américaine.

Dominique Fils-Aimé présentera un spectacle de lancement virtuel le 13 février à 15h sur le site Bandcamp. Les billets sont disponibles au https://bit.ly/3oGTj5l

Ce dernier chapitre représente l’adaptation qu’elle fait de la musique Soul dans sa forme la plus pure : une musique qui surgit des entrailles de son âme et qui vient enrichir l’âme de ses auditeurs. C’est à la fois une reconnaissance et une appréciation des genres musicaux qui habitent la chanteuse. En musique, comme dans la vie, le meilleur pronostic sur l’avenir s’appuie sur l’expérience provenant du passé.

Three Little Words boucle la trilogie dans la lumière tout en admettant que cette dernière ne peut surgir sans traverser un segment de noirceur. Il existe une luminosité splendide lorsqu’elle se confronte à la noirceur. L’album est axé sur la notion d’auto-guérison et de l’importance de reconnaitre la place qu’occupe la santé mentale dans nos vies. Il n’y a pas de honte à admettre que nous ne nous sentons pas bien aujourd’hui et que nous faisons un travail sur nous pour aller mieux demain.

Dominique Fils-Aimé plonge tête première dans les rôles clés que doivent jouer l’empathie et l’amour dans le façonnement des changements sociétaux, tout en nous rappelant que la prise de liberté et la transformation de la conscience collective sont des processus graduels. Le point central de cette observation étant la présence de l’amour comme fondement de l’expérience humaine et de l’énergie qui nous unit tous.

Possiblement l’œuvre la plus ambitieuse et éclectique de l’auteure-compositrice à date, la voix enveloppante et feutrée de Dominique Fils-Aimé y nourrit des harmonies chaleureuses de style doo-wop des années 1950 dans While We Wait ou s’y mêle aux crescendos de cuivres dans la piste plus traditionnellement Soul de Mind Made Up. Au travers de l’album, le chant envoûtant de Dominique est appuyé par un groove saisissant qui se juxtapose à des percussions africaines, ainsi qu’aux sections de cordes et de cuivres, de synthétiseurs, qui prédominent dans la pièce Love Take Over avec ses polyrythmies de tambours et lignes de basses superposées.

Le travail inlassable du réalisateur, arrangeur et ingénieur sonore Jacques Roy a été intégral à la conception de la trilogie dans son ensemble. Dans les mots de Dominique, Jacques Roy a été celui qui a su connecter sa voix avec la multitude de sonorités sur l’album en s’assurant de couvrir l’ensemble du spectre de fréquences. « Jacques est la colle qui lie chaque pièce de la trilogie grâce à son ouverture d’esprit et sa volonté de comprendre exactement ce que je souhaite exprimer à travers ma musique » précise-t-elle.

Si les conditions le permettent, Dominique Fils-Aimé sera en tournée dès le 12 mars :

12 mars - Lac Mégantic, Salle Montignac
13 mars - Drummonville, Maison des arts
18 mars - Sorel-Tracy, Salle Georges-Codling
21 mars - Gatineau, Salle Odyssée
22 avril - Sherbrooke, Théâtre Granada
24 avril - Cowansville, Église Emmanuel
30 avril - Sainte-Thérèse, Cabaret BMO
22 mai - Québec, Palais Montcalm
1er juillet - Montréal, Festival International de Jazz de Montréal – Théâtre Maisonneuve
30 septembre - Saint-Hyacinthe, Centre des arts Juliette-Lassonde

Source: Ensoul Records
Label/Gérance: Ensoul Records


Richard Barbieri (Japan, Rain Tree Crow et Porcupine Tree)


Information : Simon Fauteux

Montréal, février 2021Richard Barbieri, dont l'illustre carrière a commencé à la fin des années 1970 avec le légendaire groupe Japan et plus récemment en tant que membre du groupe d'art-rock Porcupine Tree, fait suite à Planets + Persona de 2017 avec le nouvel album Under A Spell à paraître le 26 février prochain via KScope.

Le premier extrait d'Under A Spell, «Serpentine» est un paysage sonore sinueux et expansif de six minutes qui se déploie à travers plusieurs genres et idées. Complexe, apaisant, captivant et expérimental, «Serpentine» est l’introduction parfaite pour Under a Spell - le travail d’un musicien visionnaire travaillant à sa hauteur de créativité.

La chanson est accompagnée d'une nouvelle vidéo 360 créée par Miles Skarin, permettant au spectateur de parcourir le sol d'une forêt menaçante, inspirée d'un cauchemar que Richard a vécu et expliqué au cinéaste. Il raconte : «Miles Skarin a créé un incroyable vidéo à 360 degrés pour l« Serpentine ». Il est basé sur un cauchemar vif que j'ai vécu du point de vue d'un serpent. Il a créé cette forêt dense où les sorts et les rituels du passé sont aperçus, des voix étranges se font entendre et où le danger nous attend. Ne suivez pas le chemin! De plus, la pièce présente un arrangement de basse magistral de Percy Jones et les voix «cachées» de Lisen Rylander Love et Steve Hogarth ».

Richard Barbieri n’avait pas prévu de faire un album comme Under A Spell. Il avait initialement prévu que son quatrième album solo serait une suite directe de son prédécesseur Planets + Persona. Ce disque est aventureux et audacieux, mettant en valeur l’écriture inventive de Barbieri et sa maîtrise de la musique électronique. Barbieri reprend là où il s'est arrêté, allant plus loin dans le vaste terrain qu'il avait cartographié sur l’album précédent. Et puis la pandémie COVID-19 a frappé, et tout a changé. « Je l'ai écrit et enregistré dans mon studio à la maison, avec toute cette étrangeté qui se passe à l'extérieur », dit Barbieri à propos de Under A Spell. « C'est devenu quelque chose de complètement différent: cet album étrange et indépendant de l'état de rêve ».

Sur Under A Spell, Barbieri avait l'intention de capturer les atmosphères et les humeurs que son cerveau déconnecté évoquait plutôt que de s'attaquer aux arrangements et aux mélodies. Des chansons comme « Flare », « Serpentine », « Sleep Will Find You » et « Darkness Will Find You » sont clairement définies malgré leur genèse inspirée des rêves. Il désigne les morceaux évocateurs d'ouverture et de clôture, « Under A Spell » et « Lucid », comme les clés qui déverrouillent l'album. « Ces deux morceaux ont tout leur sens en eux. La première chanson, « Under A Spell » vous mène sur un chemin, vous déplaçant vers des endroits où vous ne savez pas ce qui se passe. Il y a des chuchotements en arrière-plan, des sorts lancés dans un bois désert. Ensuite, le dernier morceau, « Lucid » est l’inverse. Vous êtes dans ce rêve lucide réconfortant, mais ensuite vous vous en éloignez, en essayant d'en sortir. Il y a des voix qui disent: "Réveillez-vous, réveillez-vous, revenez vivant ...» . Les auditeurs pourront distinguer ces voix, mais il n'y a pas de voix, ces voix de collaborateurs, incluent le chanteur de Marillion Steve Hogarth et la chanteuse suédoise Lisen Rylander Love (qui a co-écrit «A Star Light»).

En tant qu'ancien fondateur du mythique groupe Japan, Richard Barbieri a contribué à déclencher la révolution de la musique électronique qui a suivi, son approche du synthétiseur a non seulement défini le groupe, mais a influencé les goûts de The Human League, Duran Duran, Gary Numan et Talk Talk. Après la séparation de Japan, Barbieri a rejoint Steven Wilson pour former le légendaire groupe progressif Porcupine Tree. Il a joué sur neuf des albums du groupe, dont Stupid Dream (1999), In Absentia (200) et le célèbre Fear Of A Blank Planet (2007). Après la pause de PT, Barbieri a poursuivi une carrière solo, lançant les albums Things Buried (2005), Stranger Inside (2008) et Planets + Persona (2017), ainsi que sa récente série EP, Variant.1-5.

Under A Spell tracklisting 
1. Under A Spell [07:19]
2. Clockwork [02:33]
3. Flare 2 [08:51]
4. A Star Light [03:50]
5. Serpentine [06:22]
6. Sleep Will Find You [02:51]
7. Sketch 6 [06:30]
8. Darkness Will Find You [04:58]
9. Lucid [06:14]

Source : Kscope


Drogue


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

« Les ingrédients contenus dans DROGUE sont puissants, efficaces et imprévisibles. Soyez avertis que nous ne sommes pas responsables des pertes de conscience ou des vols d’identités lors de nos concerts.

« Tous pour DROGUE, DROGUE pour tous! » - Ludwig Wax

Montréal, février 2021 - La supposée mort du ROCK a été grandement exagérée. La preuve?

Drogue. Le band. Pas ce à quoi vous pensez…

Alliage indestructible de joueurs incontournables issus de la scène rock montréalaise des années 2000, le super-groupe DROGUE est composé de Ludwig Wax - Voix (Le Nombre, Démolition), Fred Fortin - Basse (Galaxie), Pierre Fortin - Batterie & Percussions (Galaxie, Les Dales Hawerchuk), Stéphane Papillon - Guitare Électrique & Back-vocals (Papillon), et Jean Sébastien Chouinard - Guitare Électrique (Charlebois, Papillon).

Détonateur prêt à exploser, DROGUE c’est une force de frappe, une critique sociale, de l’Entertainment pur et brut qui arrache tout. C’est un mirage, une forte hallucination, une maladie incurable. C’est le ROCK fort, trop fort qui fait se coucher trop tard, qui provoque des convulsions, qui assure qu’on ne retient pas la leçon et que ça recommencera encore et encore.

C’est par ennui de mettre trop de guitares et trop d’amplis dans un truck pour aller jouer trop fort quelque part que le groupe DROGUE apparaît. Amis de longue date, Stéphane Papillon et Jean Sébastien Chouinard avaient envie de ramener le rock énergique, revendicateur et explosif dans un paysage où le style a pris une tangente un peu plus cérébrale depuis quelques années. C’est ainsi, en invitant Fred Fortin et Pierre Fortin à se joindre à l’exaltation, que le groupe décide de se parker au studio Tone Bender pour travailler sur ce qui deviendra leur premier EP, intitulé « DROGUE ».

Fortement inspirés des Hives, des Sonics et d’Iggy Pop avec leur rock décapant, DROGUE sature ses guitares autant que possible avant d’envoyer quelques esquisses à Ludwig Wax qui viendra compléter le cocktail. Le chanteur renommé pour ses prestations scéniques déchaînées et téméraires se joint à Jean-Philippe Roy qui viendra lui prêter main forte pour l'écriture des textes de ce premier EP et confirmera le ton désinvolte, corrosif et dadaïste de DROGUE.

« DROGUE, est-ce une cure ou un traitement? Une dose qui sauve ou la dose qui tue? Drogue c’est le poison ou l’antidote? Peut-on vraiment se passer de DROGUE ? » - Ludwig Wax

DROGUE
De la poudre aux yeux (3:01)
La même médecine (3:07)
À prendre ou à laisser (3:05)
L’aube ou le crépuscule (3:27)
La loi de la gravité (2:58)

Source : L-A be

Label
L-Abe (let artists be)
www.l-abe.com

Booking
PRESTE | Louis Carrière
louis@preste.ca

514-904-1969

Promotion Radio
BIG FAT RADIO

pistageradio@bigfattv.ca

Gérance
Vickye Morin


Simon Leoza

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montreal, February 2021 - After releasing three EPs between 2015 and 2019 under the pseudonym of Tambour, Montreal composer Simon Leoza will release his debut album, Albatross, on April 30th via Rosemarie Records.

Today he shares the first single "La nuée", accompanied by a magnificent music video directed by Vincent René-Lortie. As moving as it is visually remarkable, the video is a wonderful illustration of Leoza's music.

From the very start of the project, Vincent asked me a lot about my inspirations and my intentions when composing the piece and we were able to establish some guidelines together. The idea of ​​family and childhood came up often and he wanted to shed a light on how a child can have different roles within a problematic family nucleus. The pandemic made the filming more complex, but everyone did a remarkable job. The end result is truly sublime with a texture that makes the colors vibrant and contributes to the cinematographic experience” explains Simon.

Simon Leoza's cinematic, ambient and moving music evokes Nils Frahm and Max Richter as much as Ólafur Arnalds and Philip Glass. Endowed with a natural versatility and without any musical training, he has instinctively developed his own musical language over the years, which he communicates to his collaborators and musicians for the production of his works. With over 3.5 million streams online, his first three EPs captured the attention of national and international critics, who described his works as melancholic and grandiose, blending mellow acoustics and dreamlike landscapes steeped in nostalgia.

Simon Leoza has composed the music for several short films, plays and other artistic projects. In 2020, he won two SOCAN Foundation Awards for Emerging Screen Composers in Image for "Best Original Score - Fiction" and "Best Original Theme" categories.

Source: Rosemarie Records
Management : Sarah Labelle - sarah@simonleoza.com
Booking: Rosemarie Records - Vincent Quirion | vincent@rosemarierecords.com


Simon Leoza


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Please click here to read the english press release

Montréal, février 2021 - Après avoir lancé trois EP entre 2015 et 2019 sous le pseudonyme de Tambour, le compositeur montréalais Simon Leoza fera paraitre son premier album Albatross, le 30 avril prochain via Rosemarie Records.

Il partage aujourd’hui le premier extrait « La nuée », accompagné d'un magnifique vidéoclip réalisé par Vincent René-Lortie. Aussi émouvant que visuellement remarquable, le clip illustre à merveille la musique de Leoza.

« Dès le tout début du projet, Vincent m'a beaucoup questionné sur mes inspirations et mes intentions lors de la composition de la pièce et on a pu établir ensemble quelques lignes directrices. L'idée de la famille et de l'enfance revenait souvent et il voulait mettre en lumière comment une enfant pouvait avoir différents rôles au sein d'un noyau familial problématique. La pandémie a complexifié le tournage, mais chaque personne présente a fait un travail remarquable. Le résultat final est vraiment sublime puisqu'on va chercher une texture très filmique qui rend les couleurs vibrantes et contribue à l'expérience cinématographique » explique Simon.

La musique de Simon Leoza, cinématographique, ambiante et émouvante, évoque autant Nils Frahm ou Max Richter, qu’Ólafur Arnalds et Philip Glass. Doté d’une polyvalence naturelle et sans aucune formation musicale, il a développé instinctivement son propre langage musical au fil des années, qu’il communique à ses collaborateurs et musicien(ne)s pour la réalisation de ses œuvres. Avec plus de 3.5 millions d’écoutes en ligne, ses trois premiers EP ont attiré l'attention de la critique nationale et internationale, qui ont décrit ses œuvres comme mélancoliques et grandioses, mélangeant une acoustique douce et des paysages oniriques imprégnés de nostalgie.

Simon Leoza a également composé la musique de plusieurs courts-métrages, pièces de théâtre et autres projets artistiques. En 2020, il a remporté deux prix de la Fondation SOCAN pour les jeunes compositeurs à l’image dans les catégories « Meilleure trame sonore originale - Fiction » et « Meilleur thème original ».

Source : Rosemarie Records
Gérance : Sarah Labelle - sarah@simonleoza.com
Booking : Rosemarie Records - Vincent Quirion | vincent@rosemarierecords.com


Malika Tirolien


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, février 2021 – Après plus de six ans d’absence sur disque, la chanteuse, musicienne et auteure-compositrice d’exception Malika Tirolien fera paraitre son nouvel album HIGHER le 26 février.

Co-réalisé par Malika Tirolien et son comparse de longue date le multi-instrumentiste Michael League (Snarky Puppy, Bokanté), HIGHER est le second volet d’une tétralogie qui a commencé en 2014 avec le premier album Sur la voie ensoleillée. Où cet album représentait TERRE (racines, ancrées), HIGHER représente AIR (cosmique, spirituel). HIGHER présente un nouveau genre musical appelé « Highsoul », mêlant R&B, Soul, Hip Hop et Jazz pour créer la bande originale d'un voyage psychédélique menant de la colère au pardon.

« HIGHER est une carte avec laquelle nous explorons l’esprit de quelqu'un. Je m’imagine une femme noire, naviguant entre être une guerrière tout en voulant cultiver son côté aimant. Elle lutte pour trouver un équilibre entre sa volonté de se battre et son désir de s'abandonner à l'amour, la nécessité de rester ancrée et un appel à s'élever et à s’envoler. Le voyage, qui a commencé avec Sur La Voie Ensoleillée, se poursuit avec HIGHER, où elle ne marche plus, mais elle lévite » explique Malika.

Originaire de la Guadeloupe et basée à Montréal, Malika Tirolien est un explosif mélange de créativité, de dévouement et d'authenticité. Son amour, sa passion et son respect pour la musique se ressentent autant sur disque que lors de ses spectacles, dans lesquelles sa voix envoûtante brille de mille feux.

Bachelière en Interprétation Jazz de l’Université de Montréal, Malika Tirolien attire l'attention tant au niveau local qu’international depuis près d'une décennie. Que ce soit pour ses collaborations avec Jacques Schwarz-bart (D'Angelo, Roy Hargrove), Vox Sambou, Jacob Collier ou Dramatik qu’avec sa performance électrisante sur « I'm Not The One », chanson phare de l'album Family Dinner – Volume 1 de Snarky Puppy primé aux Grammy.

Son premier album Sur La Voie Ensoleillée – que Malika a écrit, composé et réalisé - a atteint la 5e place du palmarès R&B/Soul iTunes. Elle est ensuite devenue la chanteuse principale et co-leader du super groupe Bokanté avec le producteur et musicien Michael League. Le groupe formé en 2016 a depuis tourné dans plus de 20 pays et lancé deux albums acclamés par la critique dont le plus récent, What Heat (en collaboration avec le Metropole Orkest) s’est mérité une nomination aux Grammy.

Tracklisting
NO MERCY (feat. Bled Miki)
CHANGE YOUR LIFE
BETTER
SISTERS
DREAMIN’
GROW
HIGHER
FORGIVENESS
PRIÈRE
RISE
DON’T COME AROUND

Source : Genison / Malika Tirolien Productions


Pierre-Hervé Goulet


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

En spectacle virtuel
19/02 - Facebook - 19h

Montréal, février 2021 - L’auteur-compositeur-interprète Pierre-Hervé Goulet fera paraitre son troisième album Le jeu des lumières le 19 février via L-A be. Réalisé par Marc Chartrain (Patrice Michaud, Daniel Bélanger, Pascale Picard), Le jeu des lumières met en relief ses multiples états d’âme, les ombres et les clartés qui se contredisent et oscillent à travers le jeu des perceptions. Le Jeu des Lumières est pop, entraînant, avec un lexique choisi avec soin qui accompagne merveilleusement bien les rythmes parfois de guitares acoustiques, parfois de claviers soutenus.

Pierre-Hervé présentera un spectacle de lancement virtuel le 19 février sur sa page Facebook

Fin manieur de textes et de mélodies, Pierre-Hervé Goulet offre avec Le jeu des lumières son album le plus accompli en carrière. De l’atmosphérique pièce d’ouverture « Bonnie » en passant par « Le chant des oiseaux » ou encore « Bye Bye Bye » jusqu’à la magnifique finale « Amour punk rock », il prouve encore une fois son immense talent.

Pierre-Hervé Goulet est un artisan de la chanson québécoise, passionné de phonétique, qui manie les mots sur des riffs de guitare acoustique. Entre le folk d’un troubadour et un groove entraînant, il aime raconter les histoires qui le font voyager. Après avoir suivi une classe de maître avec Gilles Vigneault, il décide d’approfondir ses connaissances en entreprenant des études en littérature et en théâtre. Avec deux albums à son actif, de nombreux spectacles au Québec et une tournée en France, Pierre-Hervé Goulet poursuit son chemin dans le milieu musical francophone. Après s’être mérité six prix au Festival en Chanson de Petite-Vallée en 2018, il s’est taillé une place parmi les dix artistes en lice pour le prix Félix-Leclerc. Son deuxième album « Pas loin d’ici » a été nommé à l'ADISQ dans la catégorie Album de l’année - Folk.

Source : L-A be


Cheap Trick


Information : Simon Fauteux

“ Quick, think of any other American rock band formed in ‘70s who is still putting out albums in the modern era that not only don’t embarrass the band but repeatedly revitalize their career. The list starts and stops with one name: Cheap Trick.” – Paste

Montréal, janvier 2021 - Le légendaire groupe Cheap Trick présente aujourd’hui l’incendiaire « Light Up The Fire », premier extrait tiré de son 20e album studio IN ANOTHER WORLD, à paraitre en format numérique, LP et CD le 9 avril via BMG.

Réalisé par Julian Raymond, associé de longue date, IN ANOTHER WORLD voit Cheap Trick faire ce que le groupe fait mieux que quiconque : créer un rock'n'roll mémorable avec des refrains accrocheurs, des paroles espiègles et tout ça, avec une énergie apparemment intarissable. Les chansons comme « Light Up The Fire » et « Boys & Girls & Rock N Roll » côtoient des considérations plus introspectives - mais non moins exubérantes - sur le passé, le présent et l'avenir incertain sur de nouveaux morceaux aussi puissants que la pièce titre « Another World » et « I’ll See You Again ».

IN ANOTHER WORLD - qui marque le premier nouvel album de Cheap Trick depuis le doublé de 2017 WE’RE ALL ALRIGHT! et CHRISTMAS CHRISTMAS - présente le groupe à son plus éclectique. Le groupe passe aisément du Chicago blues bien sale de « Final Days » (avec Jimmy Hall de Wet Willie à l'harmonica) à une interprétation de « Gimme Some Truth » de John Lennon, toujours d'actualité et lancée à l'origine pour le Record Store Day Black Friday 2019 et sur laquelle les guitares de l'ex-Sex Pistol Steve Jones sont immédiatement reconnaissables. Aussi irrésistible et immédiat que tout ce qui se trouve dans leur génial catalogue, IN ANOTHER WORLD est du Cheap Trick à son meilleur : irrésistible, infiniment divertissant et absolument impossible à arrêter!

Fondée en 1974, Cheap Trick est une institution américaine, reconnue et appréciée dans le monde entier pour sa musique pop rock'n'roll instantanément reconnaissable et extrêmement influente. Le groupe - Robin Zander (voix, guitare rythmique), Rick Nielsen (guitare), Tom Petersson (basse) - sont de véritables pionniers comptant une série de classiques allant de « He A Whore » à « California Man » en passant par «Dream Police», « Surrender », « I Want You To Want Me » et le #1 mondial « The Flame ». En 2016, Cheap Trick fut intronisé au Rock and Roll Hall of Fame, une reconnaissance attendue depuis longtemps pour une carrière de près de cinq décennies qui lui a valu plus de 40 certifications internationales d'or et de platine, une myriade de prix et d'honneurs de l'industrie, des apparitions sur plus de 20 trames sonores et des ventes totales dépassant les 20 millions.

Cheap Trick - Zander, Nielsen, Petersson et le batteur Daxx Nielsen - sont bien sûr l’un des groupes les plus actifs du rock, illuminant les arénas, les salles de concert et les amphithéâtres du monde entier plus de 150 soirs par année. Hélas, les événements récents ont forcé le groupe à quitter la route pour ce qui est peut-être la plus longue interruption de son histoire. Cheap Trick prévoit retourner sur « l'autoroute sans fin » dès que possible, avec des dates en Amérique du Nord et au Royaume-Uni - pour les mises à jour et les informations de prévente, veuillez visiter www.cheaptrick.com/tour-dates.html.

« Ce groupe est lié par la musique », dit Robin Zander. « C’est la super colle qui nous permet d’écrire et de sortir des disques. La raison pour laquelle nous avons créé le groupe en premier lieu était de tourner, d'écrire des chansons et de sortir des disques. Si tout cela disparaissait, cela ne servirait à rien, n'est-ce pas? »

Source : BMG


Allison Russell


Information : Simon Fauteux

Montréal, janvier 2021 - La chanteuse et compositrice montréalaise Allison Russell, membre fondatrice des groupes Our Native Daughters (avec Rhiannon Giddens, Leyla McCalla et Amythyst Kiah) et Birds of Chicago (avec son mari et partenaire musical JT Nero), offre aujourd’hui deux magnifiques relectures : une version française du classique de Fleetwood Mac Landslide ainsi que l’émouvante By Your Side de Sade.

Les deux chansons ont une signification bien particulière pour elle. : « J'ai grandi avec la peur et ayant honte tout le temps », explique Russell. « J'ai appris à me faire très petite et très silencieuse pour survivre. Mon père adoptif - mon principal agresseur - contrôlait intensément tous les aspects de ma vie et de nos déménagements à répétitions. Il était particulièrement tyrannique sur ce que nous étions autorisés à écouter. Presque tout ce qui a été écrit après 1820 a été interdit. Tout ce qui n'était pas écrit ou s'approprié par un homme blanc était interdit. Je me suis enfui à 15 ans pour échapper à sa violence et un tout nouvel univers sonore s'est ouvert à moi. La musique m'a sauvé la vie ».

« J'ai appris que les femmes pouvaient aussi écrire de la musique. J'ai découvert que j'étais musicienne; que j'étais une écrivaine. Mais, j'ai d'abord été une auditrice. Chaque fois que j'écoute une chanson moderne qui m'émeut, c'est comme une résistance. Ces artistes brillants - Sade, Stevie Nicks - des autrices et compositrices puissantes me font me sentir courageuse et pleinement humaine. Ces chansons créent chacune un monde que je souhaite visiter et revisiter. Cela me semble être une liberté. J'ai essayé de leur rendre justice tout en trouvant ma propre vérité dans les chansons. J'ai pris des libertés affectueuses et traduit une partie de leur poésie en français. J'ai manqué la langue de mon enfance montréalaise, essayant de récupérer ces années brisées. Puissent ces interprétations apporter du réconfort. Voici l'espoir et la guérison pour cette nouvelle année ».

Allison Russell était, au départ, terrifiée à l’idée de reprendre Landslide. « C'est un classique tellement emblématique qui a été repris par tant de gens. Je me suis demandé - que ferait Stevie Nicks si elle ne l'avait pas écrite? - elle trouverait un moyen pour la faire sienne. J'ai fini par trouver mon chemin, grâce à la traduction. De petits extraits des paroles ont commencé à me venir en français. J'ai réfléchi à la difficulté de l'art de la traduction de poésie et j'ai décidé d'accepter le défi! La chanson ne mérite pas un moindre sacrifice. J'ai agonisé sur la traduction du texte lumineux de Stevie - J'ai essayé de rester fidèle à son sens tel que je le comprends. J'ai essayé de reproduire la beauté, l'inévitabilité et la tristesse en français - dans l'ordre pour ce faire - j'ai dû prendre une certaine licence poétique avec le vocabulaire. C'est une offrande d'amour et d'acceptation pour ce qui ne peut pas être changé. Landslide - cette mélodie indémodable, cette expérience humaine - parle d'elle-même. Merci, Stevie Nicks! »

« By Your Side de Sade est une chanson d'amour infiniment vaste et inclusive » dit Russell. « Cela pourrait être l'amour entre amants, l'amour d'un parent pour un enfant, l'amour d'un aîné en fin de vie. On a l'impression qu'il a toujours existé et qu'il existera toujours. Cela ressemble à une expression de notre inconscient collectif. Cela me réconforte et évoque à la fois un désir mélancolique. Je la chantais à ma fille de sept ans, Ida, comme une berceuse. Je ne m’en sortais jamais sans pleurer. Cette pandémie a été dévastatrice pour nos enfants. Je suis revenu sur cette chanson presque quotidiennement pendant ces mois difficiles. By Your Side a peut-être perdu le Grammy en 2001, mais il a gagné l’épreuve du temps. Sade ouvre la voie à tant d'entre nous. Je me souviens à quel point je me suis sentie électrisée la première fois que je l'ai entendu et vu à la télévision; une femme noire d'héritage mixte comme moi, qui ne rentre pas facilement ou parfaitement dans n'importe quelle boîte, les transcendant toutes. Une déesse vivante et inspirante. Je chante cela en hommage et par gratitude. J'espère avoir le privilège de la rencontrer un jour. La voix de Sade me donne de la force et de l’espoir. »

Voyez/Écoutez By Your Side

Allison Russell fera paraitre son premier album solo plus tard ce printemps via Fantasy Records

Source : Fantasy Records


Alicia Deschênes


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2021L’auteure-compositrice-interprète Alicia Deschênes partage aujourd’hui le nouvel extrait « Plus jamais », tiré de son deuxième album Les mauvaises langues, à paraitre le 26 février via le label Le mouvement des marées, propriété de Daran, qui réalise également l’album. Elle nous entraîne dès les premières notes dans sa nouvelle musicalité électro-pop où le thème traité contraste joliment avec les arrangements. Elle y parle d’émancipation et d’affirmation de soi et fait ressentir toute la force que nécessite une prise de contrôle de sa propre vie.

C’est dans un contexte de confinement que la création de l’album Les mauvaises langue s’est faite. Avec des textes près du cœur et un nouveau son bien ancré dans une mouvance plus alternative, Alicia Deschênes fait preuve, si besoin est, de son immense talent et qu'elle est bel et bien là pour rester.

Écoutez les trois premiers extraits déjà parus ici : https://www.aliciadeschenes.com/musique

Source : Le mouvement des marées


Steven Wilson

Information : Simon Fauteux

OK Computer for the Amazon age... one of the boldest and best albums Wilson has made” - Prog
The Future Bites is a great, grown-up pop record - knowing and self-aware, but never too much for its own good” - Mojo
“A beguiling pop rabbit hole” - Uncut 8/10
“His masterpiece… Wilson’s strongest outing to date” - Record Collector
“Wilson has never before paced such a rollercoaster ride into a single album…another triumph” - Classic Rock 9/10

Montréal, janvier 2021 - THE FUTURE BITES, le sixième et très attendu album de Steven Wilson paraitra le 29 janvier. THE FUTURE BITES explore les façons dont le cerveau humain a évolué à l'ère de l‘internet. Alors que l'album To The Bone (2017) confrontait les problèmes mondiaux (d‘alors) émergents de la post-vérité et des fausses nouvelles, THE FUTURE BITES place l'auditeur dans un monde de dépendances au 21e siècle. C’est un endroit où se déroulent constamment des expériences publiques avec la technologie naissante sur nos vies; où les clics et les Tiks sont devenus plus importants que l'interaction humaine. THE FUTURE BITES est moins une vision sombre d'une dystopie qui approche, et plus une lecture curieuse et ludique d'un monde rendu d'autant plus étrange et fracturé par les événements de 2020.

Musicalement, THE FUTURE BITES brille de mille feux. Les pièces de l‘album traitent autant d'électronique magnifiquement déformée par l'intervention humaine (King Ghost), d'une acoustique montée en flèche qui a frappé la stratosphère (12 things I Forgot); un traité de dix minutes sur les joies de l'oniomanie présenté par Elton John sur un tourbillon à la Gorgio Moroder (Personal Shopper) et un groove à la Motorik avec une ligne de basse qui plonge directement dans l'obscurité du clickbait et de la radicalisation en ligne (Follower). La nouvelle pièce ajoutée à l‘album, Count Of Unease, est une sublime complainte sur laquelle flotte un mélange de piano et de sons ambiants. Ensemble, les neuf titres forment l’œuvre la plus brillante de Steven à ce jour. THE FUTURE BITES a été enregistré à Londres et co-réalisé par David Kosten (Bat For Lashes, Everything, Everything) et Steven Wilson.

Le site web https://thefuturebites.com/ ouvre une porte sur un merveilleux monde de pouvoir d'achat, un endroit où tout est commercialisable et où rien n'est trop aléatoire ou trop idiot pour être considéré comme précieux. Inspiré d'artefacts du 21e siècle comme le bloc de céramique Virgil Abloh ou l'oxygène canadien en conserve de Vitality Air, https://thefuturebites.com/ est un univers grand public entièrement imaginé (construit en collaboration avec Baby and Crystal Spotlight) conçu pour être accessible et addictif pour tous les fans et collectionneur hardcore. Le site proposera des produits en édition limitée au cours des prochains mois - cela pourrait être n'importe quoi, d'une chemise à slogan à une perforatrice de marque.

THE FUTURE BITES sera disponible sur toutes les plateformes numériques ainsi qu’en vinyle, cassette, CD et en tant que coffret de luxe en édition limitée contenant les CD de l'album, une version instrumentale de l'album, du matériel bonus (y compris 6 chansons supplémentaires et plusieurs versions retravaillées de chanson de l'album, parmi lesquelles un mix prolongé de 19 minutes de Personal Shopper), une cassette de démos et un Blu-Ray contenant des vidéos, le mix Surround 5.1 fait par Steven Wilson et les versions Dolby Atmos de l'album. THE FUTURE BITES est le premier album contemporain à être mixé et sorti en Dolby Atmos.

Co-réalisé à Londres par Wilson et David Kosten (Bat For Lashes, Everything Everything), THE FUTURE BITES voit Wilson explorer la dépendance contemporaine et l'effet durable de la technologie en constante augmentation sur notre vie quotidienne. L'album marque son projet musical le plus inventif et le plus ambitieux à ce jour, passant de passages acoustiques à l'électro luxuriante, des grooves de basses au funk sombre, liés par la qualité d’écriture exceptionnelle de cet artiste visionnaire et unique.

 

Source : Arts&Crafts


Laurent & cie

Information : Simon Fauteux

Québec, Janvier 2021 – C’est avec une grande fierté que Le Fonds philanthropique – Laurent & cie qui vient en aide aux familles d’enfants atteints de maladie orpheline ou de cancer annonce que monsieur Jean Airoldi, personnalité télé et designer mode reconnu, devient le porte-parole officiel.

« Étant moi-même père de deux enfants, la cause de Laurent et Cie m’interpelle directement. Lorsqu’un enfant est frappé par la maladie, c’est tout l’entourage qui en souffre... Alors si je peux les aider à traverser cette épreuve, je veux m’impliquer entièrement » - Jean Airoldi

En décembre dernier, Le Fonds philanthropique Laurent & cie, a remis un chèque de 5 000 $ à l'organisme de bienfaisance Les Enfants GIOIA, situé en Estrie, ce qui a constitué sa première aide financière officielle.

À PROPOS DE JEAN AIROLDI

Reconnu depuis plus de 30 ans dans le domaine de la mode en tant que designer, Jean Airoldi est devenu au fil des ans un personnage public fort apprécié des québécois. Excellent communicateur, il délaisse peu à peu la mode pour animer tour à tour des émissions de radio et de télévision en mode, beauté, rénovation et décoration. Songeant à un virement de carrière, la pandémie le replonge directement à ses premiers amours. Il développe une ligne de masques de protection et reprend goût à la couture ce qui l’amène à créer une toute nouvelle collection de vêtements. Sa première collection exclusive sur le Web au airoldicouture.com est en vente sur sa boutique en ligne.

Fondée en 2019 par Vincent Beaulieu, promoteur, gérant d’artiste et fondateur de BAM, entreprise culturelle basée à Québec, dont le fils fils Laurent, âgé de 8 ans, est atteint d’un cancer rare, le Fonds philanthropique Laurent et cie s’est donné comme mission d’aider directement et concrètement les familles d'enfants malades en situation d'urgence financière. 

Bien qu'il existe des ressources pour aider les familles telles les assurances collectives, les crédits d’impôt pour frais médicaux et l’assurance-emploi pour proches aidants, ces mécanismes atteignent rapidement leur limite, augmentant ainsi la pression financière pour de nombreux parents dont les enfants sont atteints de maladie orpheline ou de cancer. Ces familles se retrouvent seules devant des besoins fondamentaux non-comblés (ex : transport et hébergement lors de traitements, pertes de salaire, incapacité à remplir les obligations financières, interventions sociales ou psychologiques).

Les maladies rares et orphelines, du fait de leur nombre peu important et de la faible occurrence des maladies dans la population, n’ont pas bénéficié autant du développement philanthropique. Des avancées, pour le développement de la recherche sur des maladies rares et orphelines, ont été acquises par l’action de certaines fondations. Cependant, ces fondations concentrent leurs efforts sur la recherche et moins dans le support direct aux familles.

C'est là où le Fonds philanthropique Laurent et cie prend tout son sens: aider directement et concrètement les familles d'enfants malades en situation d'urgence financière. 

Source : Laurent & cie


Alain Lefèvre


Information : Simon Fauteux

« Alain Lefèvre est un narrateur. Un narrateur dont le piano joue d’une multitude de voix. Elles interprètent les pages d’un roman imaginaire mis en musique et dont l’auteur nous laisse découvrir, par nous-même, la fin de l’histoire. » - Stéphane Friédérich

Montréal, janvier 2021 – Après avoir lancé chez Warner Classics My Paris Years en 2019 et André Mathieu - Concerto de Québec et œuvres pour deux pianos avec Hélène Mercier l’an dernier, tous deux récipiendaires d’un Trophée Radio-Classique (France), le pianiste de renommée internationale Alain Lefèvre fera paraître le 19 Février prochain, Opus 7, son septième album de compositions.

Alain Lefèvre se révèle ici au sommet de son écriture pianistique, où il allie à la fois puissance et sensibilité. Enregistré au Domaine Forget en Avril 2019, Opus 7 nous entraine dans un maelström d’émotions musicales, chacun se retrouvant dans cet intense univers sonore, où la complexe horlogerie de l’âme humaine y est admirablement dépeinte.

« Longtemps, je n’ai pas voulu que l’on parle de moi en tant que compositeur. C’est quelque chose que j’ai occulté. Est-ce parce que les oeuvres des musiciens que j’admire par-dessus tout – Richard Wagner, Gustav Mahler, Johannes Brahms, Richard Strauss et plus encore Anton Bruckner – me bloquaient ? Écouter et jouer leurs musiques me consolait. Et pourtant, ce n’était pas suffisant. Composer m’a tout simplement permis d’exprimer mes sentiments comme un exutoire qui m’est devenu nécessaire. Cela a débuté à l’automne 1979, dans ma chambre d’étudiant. Les notes, mes propres notes de musique traduisaient mes états d’âme, véritable miroir des ouvrages que je lisais avec passion, ceux de Théophile Gautier, le romantique « heureux » et de son « opposé », si je puis dire, Barbey d’Aurevilly. Vous aurez compris que je suis parfois découragé par l’humanité, mais que je garde encore espoir grâce à la révélation de la Beauté sous toutes ses formes. »

L’album s’ouvre avec Force fragile. L’écriture est mouvante, débutant par une petite valse. Elle révèle certainement une part de ma nature profonde et de mon passé. Je suis d’un tempérament heureux, mais demeure assez inquiet quant au devenir de l’humanité… » - Alain Lefevre

Étrangement, bien que les pièces d’Opus 7 furent composées moins de deux ans avant l’arrivée de la pandémie du Coronavirus, certaines d’entre-elles dont Dernier souffle, Clair obscur, Force fragile et Aux portes du destin, étaient déjà annonciatrices, pour ne pas dire prémonitoires, de cette époque sombre, bouleversante et angoissante que nous traversons tous en ce moment à l’échelle planétaire… Cependant la musique inspirante et inspirée d’Alain Lefèvre, tout en étant une incursion au cœur de certaines questions existentielles qui nous touchent tous, n’en demeure pas moins être ici une grande consolatrice.

TRACKLIST – Opus 7

  1. Force fragile (Part 1)
  2. Force fragile (Part 2)
  3. Dernier souffle (Part 1)
  4. Dernier souffle (Part 2)
  5. Amour fou
  6. En deux temps (Part 1)
  7. En deux temps (Part 2)
  8. Aux portes du destin (Part 1)
  9. Aux portes du destin (Part 2)
  10. Clair obscur (Part 1)
  11. Clair obscur (Part 2)
  12. Mati (Part 1) avec Thanasis Polykandriotis / bouzouki
  13. Mati (Part 2) avec Thanasis Polykandriotis / bouzouki

Source : Warner Classics


Accrophone


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2021 – Ce retour d’Accrophone – le temps d’une chanson - était attendu de leurs fans car on peut dire que ce duo aura marqué le début de l’ascension du rap québécois. Claude Bégin et Eman ont tous deux composé la musique et écrit les paroles du nouvel extrait « On cherche plus on trouve », disponible sur toutes les plateformes dès maintenant. La chanson est accompagnée d’un vidéoclip rassemblant, entre autres, quelques images d’archives des deux acolytes de longue date.

Accrophone a souvent été porteur de lumière dans son œuvre. On cherche plus on trouve souligne à sa façon l'amitié de longue date entre Eman et Claude Bégin, mais se veut aussi un regard sur la résilience et la force qui se retrouve en chacun de nous pour passer par-dessus les obstacles qui se dressent sur la route.

L’iconique formation Accrophone a été active de 1998 à 2010. En fait, Accrophone est né en même temps que l'amitié entre les deux acolytes, on peut donc dire que le duo existe depuis presque 30 ans. Sous ce nom, ils ont produit 3 albums (« Duo du balcon », « J’thème » et « Beat.Session Vol. 1 ») et ont présenté leurs projets en tournée au Québec, en Chine et au Sénégal. Ils ont contribué au succès de Karim Ouellet (Claude Bégin en tant que réalisateur et musicien, Eman à la batterie) et ils font actuellement partie du populaire groupe de rap bas-canadien, Alaclair Ensemble.

De plus, ils ont chacun des projets en solo. Eman, rappeur bien ancré dans le hip-hop au Québec, a lancé le EP « Maison » en mars 2019 et, plus récemment, son premier album solo « 1036 » (2020) sous l’étiquette Disques 7ième Ciel. Toujours sous la même maison de disque et accompagné de son fidèle comparse Vlooper (également membre d’Alaclair Ensemble), il sort deux album (« XXL » et « La Joie ») sous le nom d’Eman X Vlooper et récolte les honneurs (ADISQ, SOCAN, GAMIQ).

Claude Bégin, quant à lui, est représenté en solo chez Coyote Records et possède 2 albums à son actif (« Les Magiciens » et « Bleu Nuit »). Les deux membres ont également participé à diverses collaborations musicales.

Source : Disques 7ième Ciel


Barry Paquin Roberge


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2021 - L’étonnant super-groupe glam montréalais Barry Paquin Roberge est de retour plus flamboyant que jamais après avoir étendu son plancher de danse à la grandeur des Amériques et des Europes. BPR (pour les intimes) partage aujourd’hui « BPR Strut », premier extrait hypnotique de l’album Exordium to Extasy à paraitre le 26 février via Costume Records. Le BPR Strut saura vous faire oublier vos soucis et danser sans lendemain!

« Join us and you’ll be fine! »

Outre ses membres fondateurs Étienne Barry (Les Deuxluxes), Sébastien Paquin (Buddy McNeil & the Magic Mirrors) et Alexis Roberge (BM&MM), BPR compte maintenant officiellement dans ses rangs les talents de Jonathan Lafrance (Muscadettes), Jocelyn Gagné (Les Breastfeeders) et bien sûr, de l’incontournable Anna Frances Meyer (Les Deuxluxes). De loin la meilleure chose à être arrivée à la musique depuis la bande originale de Xanadu, Exordium to Extasy est la suite attendue du mini-album Voyage Massage (2017), une carte de visite acclamée un peu partout et nommée au gala GAMIQ.

Ce nouvel assortiment de chansons glam à saveur 1970’s fait d’un savant mélange guitares étincelantes, de nappes de synths et de flute enchantée sur lesquels les voix masculine et féminines s’éclatent dans un accord céleste guident le groupe sur des territoires toujours plus suaves et délirants. Réalisé par Barry Paquin Roberge ainsi que le génial Félix Petit (Hubert Lenoir, Les Louanges), mixé par JB Pinard (Les Louanges), avec au son les brillants Nicolas Beaudoin (Laura Sauvage) et Ryan Battistuzzi (Malajube) avant d’être mis sur bandes par Francis Duchesne, Exordium to Extasy sera rendu disponible en version physique et digitale par Costume Records partout le 26 février 2021.

Si les conditions le permettent, BPR sera en tournée dès le 19 février

19 février – Frelighsburg – Beat & Betteraves
26 février – Val-Morin – Théâtre du Marais
27 février – Sherbrooke – La Petite Boîte Noire
7 mars – Lavaltrie – Église St-Antoine de Lavaltrie
10 mars – Québec – Impérial
19 mars – Alma – Café du clocher
20 mars – Chicoutimi – Le Summum
28 mars – Gatineau – Minotaure
30 mars – Laval – Salle André-Mathieu (Avec P’tit Béliveau)
31 mars – St-Hyacinthe - Le Zaricot

Source : Costume Records


Malika Tirolien


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, janvier 2021 - À un peu plus d’un mois de la sortie de son nouvel album HIGHER le 26 février prochain, Malika Tirolien présente l’extrait CHANGE YOUR LIFE, second mouvement d'une suite qui a commencé avec la pièce NO MERCY lancée en décembre dernier.

NO MERCY abordait le sentiment de colère, alors que la protagoniste fictive exprimait sa rage après des années de mauvais traitements et attendait impatiemment le moment des représailles. CHANGE YOUR LIFE, c'est le « higher self » prenant le dessus sur la protagoniste en lui démontrant que l'amour de soi et la compassion pour les autres sont les clefs fondamentales qui permettent d'ouvrir les portes d'un niveau de conscience supérieure.

Après le succès de son premier album Sur La Voie Ensoleillée (2014) qui a atteint la 5e place du palmarès R&B/Soul sur iTunes, Malika s'entoure de son ami de longue date et co-leader du groupe Bokanté, Michael League, pour coréaliser le nouvel album HIGHER, deuxième volet d’une tétralogie qui a commencé en 2014.

L'album présentera le « Highsoul », un nouveau genre musical mêlant R&B, Soul, Hip Hop et Jazz pour créer la bande originale d'un voyage psychédélique menant de la colère au pardon.

Source : Malika Tirolien Productions


Delgres


Information : Simon Fauteux

Montréal, Janvier 2021 - Le trio français Delgres, qui allie l'héritage guadeloupéen au créole et au blues de la Nouvelle-Orléans partage aujourd'hui le nouvel extrait, Assez Assez.

Tout comme les extraits précédents 4 Ed Maten et Just Vote For Me lancés plus tôt, Assez assez est tiré du deuxième album de la formation, à venir plus tard cette année et qui fait suite à leur premier album Mo Jodi en 2018 sur Le Label / [PIAS].

Tirant son nom de Louis Delgrès, acteur majeur de la lutte contre l'esclavage dans les Caraïbes françaises, Delgres s'est formé en 2016 lorsque le chanteur, compositeur et guitariste Pascal Danaë a rencontré le batteur Baptiste Brondy et le soubassophone Rafgee.

Chanté principalement en créole, leur premier album Mo Jodi est sorti en août 2018 et a reçu des critiues très positives de médias tels The New York Times, Mojo et Uncut. Ils ont également joué à l’émission «World Café» diffusée sur NPR et au«The Blue Show with Cerys Matthews» sur BBC Radio 2. Delgres fut nommé dans la catégorie « Meilleur album de musique du monde » aux « Victoires de la musique » en 2019.

Source : Le Label / [PIAS]