Shad


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, mai 2021 - Trois semaines après avoir lancé une nouvelle pièce vivement actuelle, le rappeur torontois Shad est ravi de présenter le vidéoclip de « Out of Touch » réalisé par Justin Broadbent. Ce nouvel extrait a été extrêmement bien accueilli par les fans autant que par les médias, ayant fait l’objet de publication de Brooklyn Vegan, Exclaim!, Strombo, KEXP, American Songwriter et de nombreux autres. Grâce à cette chanson, Shad s’est également retrouvé à la une de plusieurs listes d’écoute sur les plateformes d’écoute en continu, en plus d'apparaître sur deux panneaux grands formats au coin des rues Young and Dundas à Toronto.

Par ailleurs, vendredi dernier, le DJ brooklynois J. Period a lancé « Globetrottin », une nouvelle chanson incluant la participation de Shad et Masego. « Globetrottin » est une pièce narrative ludique tirée du EP de J. Period où l’on peut aussi entendre Black Thought, Dave Chappelle, Lin-Manuel Miranda et divers autres invités. Cliquez ici pour écouter la chanson.

Shad partage sa vision du vidéoclip : « Je souhaitais créer quelque chose de dynamique pour cette chanson, quelque chose qui, idéalement, refléterait aussi le concept de fragmentation qui est au cœur des paroles et le style fragmenté du beat, aussi. Comme toujours, Justin a capturé quelque chose d’honnête qui m’a rappelé le plaisir simple de la musique et de la performance. » Le réalisateur Justin Broadbent avait ceci à dire à propos de son processus créatif : « Le concept du vidéoclip provient du son unique de la pièce. Je voulais faire quelque chose de fragmenté, vivant, honnête et coloré. Pratiquement chaque prise extérieure du vidéoclip résulte de moments spontanés alors qu’on errait à travers la ville. À l’avant-plan, Shad livre une performance lo-fi, classique et énergique. »

Restez à l’affût pour découvrir du nouveau matériel de Shad très prochainement !

La discographie de Shad cumule plus de 30 millions d’écoutes en continu et quatre de ses albums ont été inclus sur la courte liste du prestigieux Prix de musique Polaris, incluant sa plus récente odyssée musicale, A Short Story About A War (2018). Récipiendaire d’un Prix JUNO et encensé par la critique, l’artiste a également beaucoup d’expérience sur scène. Shad s’est aussi fait connaître à l’animation d’Hip-Hop Evolution, une série documentaire originale de Netflix, et précédemment à ‘q’, l’émission culturelle emblématique de CBC Radio. Ses plus récentes parutions ont été couvertes par des médias tels que Rolling Stone, Complex, The Ringer, Fader et NPR, entre autres. On a pu entendre sa musique dans Snowpiercer, The Murders, TallBoyz et plusieurs autres séries.

*Avec Skratch Bastid, Haviah Mighty, K-os et re.verse

Source : Secret City Records


Mystery

Information : Simon Fauteux

Montréal, mai 2021 - Le 14 mai prochain, MYSTERY, groupe phare de la scène progressive au pays fera paraître le coffret 3CD / Blu Ray, Caught in the Whirlwind of Time, quatrième enregistrement en spectacle pour le groupe montréalais.

Caught in the Whirlwind of Time présente parfaitement la puissance et la magie d'un concert de MYSTERY avec plus de 2 heures 45 minutes enregistrées en novembre 2018 lors du premier spectacle de la tournée Live and Butterflies au Boerderij Cultuurpodium de Zoetermeer aux Pays-Bas.

Fondé en 1986 par Michel St-Père (guitare, clavier), MYSTERY est aujourd’hui composé, outre St-Père,  de Jean Pageau (voix), François Fournier (basse), Sylvain Moineau (guitare), Antoine Michaud (claviers) et Jean-Sébastien Goyette (batterie) et est, fait d’arme non-négligeable, le groupe de rock progressif canadien le plus populaire en Europe et au Royaume-Uni après Rush et Saga.

En plus d’avoir joué dans plusieurs des plus grands festivals européens, MYSTERY s’est produit au Royaume-Unis, en Belgique, en Italie et en Allemagne, devenant par le fait même un ambassadeur de choix pour la musique québécoise et canadienne sur la scène internationale. MYSTERY compte 14 albums à son actif dont neuf albums studios, trois albums enregistrés en spectacle, un DVD et deux compilations. Lies and Butterflies, le plus récent disque studio lancé en août 2019 a été acclamé par les critiques à travers le monde.

Caught in the Whirlwind of Time
208 minutes + 2 vidéos bonus
Digipack avec livret couleur de 16 pages
Blu Ray NTSC – région zéro / 3CD

Blu-Ray
Looking for Something Else
The Scarlet Eye
Come to Me
The Willow Tree
How Do You Feel?
Shadow of the Lake
Delusion Rain
Dare to Dream
Where Dreams come Alive
The Sailor and the Mermaid
Wall Street King
Pride
Something to Believe In
Travel to the Night
A Song for You
Chrysalis
The Preacher's Fall

Bonus Video
​Time-Lapse / Something to Believe In
A View from the Balcony / Travel to the Night

Source: Unicorn Digital


Salebarbes


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, mai 2021 - Après avoir fait une entrée fracassante sur la scène musicale avec son premier album Live aux Pas Perdus en 2019, le supergroupe Salebarbes partage aujourd’hui – juste à temps pour l’ouverture de la saison de pêche – « Gagner sa vie », premier extrait du prochain album qui paraîtra en août prochain via la boite de développement culturel L-A be.

« Gagner sa vie » est une adaptation française du classique de 1961 Louisiana Man du légendaire violoniste américain Doug Kershaw. L’idée de traduire et d’adapter Louisiana Man à la réalité des Îles s’est imposée au début de la pandémie alors que la saison de pêche et la saison touristique des Îles de la Madeleine étaient toutes deux mises en péril.

Salebarbes - Éloi et Jonathan Painchaud, Kevin McIntyre, George Belliveau et Jean-François Breau – a ainsi répondu à l’appel du Ponchon, initiative visant à créer et réunir des œuvres artistiques sous le thème rassembleur de l’amour pour les Îles. « Chacun de son bord, nous avons enregistré nos instruments et nos voix, puisant dans cette histoire de pêche et avec l’accent de la Grâve, la force de chanter nos racines et notre héritage maritime » raconte Eloi Painchaud.

Véritable cadeau pour Salebarbes, Doug Kershaw lui-même s’est dit honoré d’entendre sa mythique chanson ainsi adaptée.

Source : L-A be
Pistage radio : Torpille


The Damn Truth


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, mai 2021 - Groupe-phare de la scène rock montréalaise, The Damn Truth fera paraitre son troisième album Now Or Nowhere le 7 mai via Spectra Musique / Sony.

Avec six des neuf pièces enregistrées à Vancouver et réalisées par le mythique Bob Rock (Metallica, Aerosmith, Mötley Crüe, Bon Jovi, Tragically Hip), Now Or Nowhere est sans contredit le disque le plus puissant et le plus accompli de la carrière du groupe composé de Lee-la Baum (voix/ guitare), Tom Shemer (guitare / voix), PY Letellier (basse / voix) et Dave Traina (batterie / voix).

The Damn Truth est un groupe qui, à bien des égards, est encore un secret trop bien gardé et ce, depuis près de neuf ans. Now Or Nowhere est l’album qui devrait régler la situation une fois pour toute.

Incapable de terminer l'album avec Bob Rock à cause des restrictions liées à la COVID-19, le groupe a enregistré trois chansons à Montréal avec l’aide du renommé Jean Massicotte (Patrick Watson) qui a mixé « Everything Fades »; le mix a été confié à Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton), Nick DiDia (Bruce Springsteen, Rage Against The Machine) et Mike Plotnikoff (Van Halen, Cranberries, Three Days Grace). Il est, par ailleurs, intéressant de noter ici qu'il y a trois lauréats des Grammy Awards sur cet album (Bob Rock, Vance Powell et Nick DiDia)…

The Damn Truth est né après que Lee-La et Tom se soient rencontrés pour la première fois - tous deux nus - lors d'un festival hippie près de la mer de Galilée en Israël. « Ouais, totalement nu. Juste Lee-La et sa guitare », ajoute Tom. « Et nous sommes ensemble depuis. Aucune prétention. Rien à cacher. Juste de l’amour ». L'éthique des années 1960 d'autosuffisance organique est la pierre angulaire de THE DAMN TRUTH et le secret d'une éthique de travail qui leur a valu près de 2 millions de d’écoutes sur Spotify, 60 000 abonnés sur TikTok et plus de 2 millions de vues sur YouTube.

The Damn Truth a tourné au Canada, en Europe et aux États-Unis. Après avoir partagé la scène avec ZZ Top (en plus de faire la fête avec Billy Gibbons en pyjama!), Styx, The Sheepdogs et Rival Sons, leurs spectacles au légendaire Whiskey a Go Go de Los Angeles et au Théâtre Corona de Montréal ont affiché complet.

The Damn Truth récolte enfin les fruits de son dur labeur avec l'explosif Now or Nowhere.

NOW OR NOWHERE’ TRACK LISTING

  1. This Is Who We Are Now (4:06)
  2. Tomorrow (4:27)
  3. Only Love (2:46
  4. Lonely (4:43)
  5. Everything Fades (4:31)
  6. The Fire (4:28)
  7. Look Innocent (4:14)
  8. Full On You (3:44)
  9. Shot ‘Em (4:37)

CRÉDITS
# 1,2,3,4,7, 8 – Réalisation: Bob Rock
# 5,6, 9 – Réalisation : The Damn Truth
# 1,2,4, 8 – Mix: Vance Powell
# 3, 7 – Mix: Nick Didia
# 5 – Mix: Jean Massicotte
# 6 – Mix : Mike Plotnikoff
# 9 – Mix :Dave Traina


Allison Russell


Information : Simon Fauteux

« Singing a blend of elegant torch songs, ancestral ballads (in French and English), gentle country shuffles, and Al-Green inspired R&B, Russell embarks on a fresh musical beginning by dealing directly with her traumatic upbringing...Despite its heavy inspirations, ‘Outside Child’ is anything but despairing or academic » - Rolling Stone

« The lyrics to ‘Nightflyer’ are mostly a list, a poetic and far-reaching one: ‘I’m the moon’s dark side, I’m the solar flare/the child of the earth, the child of the air/I am the mother of the evening star/I am the love that conquers all.’ Allison Russell sings them over a stately blend of country and church as she summons a congregation of her own vocal harmonies, gathering strength as she promises reassurance »- The New York Times à propos de la pièce “Nightflyer”

Montréal, avril 2021 - La chanteuse, autrice-compositrice et multi-instrumentiste montréalaise Allison Russell, fera paraître le 21 mai, Outside Child, son premier album solo réalisé par Dan Knobler (Lake Street Dive) via Fantasy Records. Elle partage aujourd’hui une vibrante ode à sa ville natale avec le nouvel extrait « Montreal ».

« Avec cette chanson, je rends hommage à Montréal, ma merveilleuse ville natale. J'étais une adolescente en fuite - je crois que la ville elle-même m'a protégé à bien des égards. J'ai erré sur le Mont-Royal à toute heure et j'ai dormi dans le cimetière en été. J'ai hanté les cathédrales et j'ai dormi sur les bancs. Parfois, je restais éveillé toute la nuit à jouer aux échecs avec les vieillards dans les cafés ouverts 24 heures. J'ai pu entendre Oscar Peterson jouer gratuitement dans le parc pendant le Festival de Jazz… J'ai eu beaucoup de chance d'y grandir… » dit Allison avec émotions.

Allison sera en spectacle virtuel via Bandcamp le 21 mai prochain : Billets
(Tous les profits iront au NATIONAL BAIL OUT #FreeBlackMamas INITIATIVE )

Allison Russell imprègne sa musique des couleurs de sa ville - la lumière, le paysage, la langue - mais aussi le traumatisme qu'elle y a subi. C'est une réflexion déchirante sur une enfance que personne ne devrait avoir à endurer, mais aussi une puissante réclamation – affirmée – d'un lieu de guérison, de maternité, de partenariat et d'une nouvelle vie faite à Nashville. Le disque met en vedette les contributions de nombreux membres de la famille artistique qu'elle y a trouvé, notamment Yola, Erin Rae, The McCreary Sisters, Ruth Moody, le réalisateur Dan Knobler, Jamie Dick, Joe Pisapia et son partenaire JT Nero. « Il s'agissait simplement de faire vivre ces chansons de la manière la plus honnête possible », dit Russell. « Nous riions, nous pleurions. Et que dire de la communion entre musiciens! j’espère que les gens l'entendront sur le disque. C'était vraiment magique ».

Outside Child est, dit Russell « un disque qui parle de résilience, de survie, de transcendance, du pouvoir rédempteur de l'art, de la communauté, de la connexion et de la famille choisie ». Sur le premier extrait « Nightflyer », elle réfléchit au pouvoir de guérison de la maternité, utilisant la chanson pour transmettre la force qu’elle ignorait avoir. Ici, la phrase I am the mother of the evening star / I am the love that conquers all est « la phrase la plus triomphante et pleine d'espoir que j'ai jamais écrit. C'est sur la naissance de ma fille et comment cela m’a transformé ». Bien qu’ils aient eu une relation tendue, Russell se souvient comment elle avait rampé sous le piano et écouté sa propre mère jouer. « Je fredonnerais avec elle », se souvient-elle. « Elle a dit que je fredonnais avant de pouvoir parler. J'ai pu ressentir une sorte de réconfort, d'amour ou de connexion d'une manière qu'elle ne pouvait pas exprimer verbalement ou physiquement, mais je pouvais sentir dans sa musique qu'il y avait de l'amour en elle ».

Écoutez l'extrait Nightflyer

Écoutez l'extrait Persephone

Au final, Outside Child n'est pas seulement une rédemption radicale d'une enfance traumatique et d'un foyer perdu, c'est une lanterne pour les survivants de partout, un rappel fervent de la onzième heure, l’incroyable pouvoir de l'art.

« Le nouvel album d’Allison puise dans le puits sombre d’un passé violent », déclare le poète et auteur-compositeur Joe Henry. « Les chansons elles-mêmes - bien que dures comme fer dans leurs préoccupations - sont exaltantes: exercer des draps propres comme des rêves hantés cassés et suspendus en plein jour, et avec le désir de vivre et l'audace de l'endurance du poète romantique ».

Source : Fantasy Records


Connaisseur Ticaso x Raccoon (feat.Barnev)


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, avril 2021 – Le 1er extrait / clip et pièce-titre du projet QCLTUR (prononcez culture) est une collaboration inusitée entre Connaisseur Ticaso, grosse pointure du rap montréalais et Raccoon, étoile montante de la scène rap québécoise et Révélation Rap Radio-Canada 2020-2021. Les deux artistes livrent des couplets percutants qui célèbrent les fondamentaux rap du hip-hop. Ils sont accompagnés au refrain par la voix incroyable de Barnev, choriste et lead singer de Céline Dion depuis plus de vingt ans.

Fiers de leur appartenance à la culture hip-hop, les deux rappeurs entremêlent égo trip et exercice de style sur un rythme entrainant. Présenté par QCLTUR, en collaboration avec Disques 7ième Ciel, le titre est produit par Koudjo, mixé et masterisé par Nk.F (Booba, Damso, PNL). L’extrait « QCLTUR » est une pièce angulaire importante de la scène culturelle québécoise. Son vidéoclip est une réalisation de Xavier Cantin-Lemieux & La Maison Bald Man

QCLTUR l’album

L’album « QCLTUR » qui paraitra cet été est un symbole d’unité de la scène rap québécoise : on y retrouve des rappeurs venant de toute l’île de Montréal, des rives Nord et Sud, de Québec et même de Gatineau ! Toutes les générations de rappeurs et tous les styles se rencontrent et forment des collaborations inédites !

Pour bien saisir l’envergure du projet QCLTUR : ses artistes totalisent plus de 250 000 abonnés sur Instagram, plus de 550 000 auditeurs mensuels sur Spotify, 45 millions d’écoutes sur YouTube et Spotify. À cela s’ajoute les 24 000 abonnés sur les réseaux sociaux de QCLTUR et plus de 100 000 abonnés sur les réseaux sociaux de Disques 7ième Ciel (Facebook, Instagram, YouTube).

QCLTUR, c’est quoi ? 

Pensé en 2018, QCLTUR (Prononcé culture) est officiellement créé en 2019 et est présent sur Instagram, YouTube, Facebook et Twitter. En un an, QCLTUR a su se faire une place stratégique dans le paysage médiatique numérique du Québec.

Reconnu pour son contenu original, ses entrevues de qualité et sa capacité à révéler sans cesse de nouvelles pépites aux yeux du grand public, le média montréalais se porte comme un ardent promoteur de l’art francophone. La mission de QCLTUR est de dynamiser la francophonie à travers des rencontres de personnalités passionnantes.

Les rappeurs québécois sont conscients qu’ils n’ont pas forcément besoin de sortir physiquement de leur pays pour exister. Souldia a vendu près de 8000 albums en première semaine tandis que Loud a rempli le Centre Bell (l’équivalent de Bercy) deux soirs d’affilés. Il était temps de mettre sous les projecteurs la diversité de la scène rap du Québec.

Ainsi, à 5000 km de Paris, Montréal ou « la ville aux mille clochers » a été source d’inspiration pour des artistes comme Hamza ou Freeze Corleone. Jouissant d’une double culture francophone et anglo-saxonne, la ville influence déjà le rap français. Il n’y a qu’à voir l'impact du Roi Heenok, devenu une référence ou encore l’intérêt de certains (dont Alpha Wann) pour JPS. Ce projet a pour mission de faire valoir l’influence du rap québécois aux yeux de la scène rap francophone !

CRÉDITS QCLTUR (Single #1)
Interprété par : Connaisseur Ticaso, Raccoon & Barnev
Produit par : Koudjo
Guitariste: Diego Monténégro
Mix & Master par : Nk.F
Production exécutive : QCLTUR & Disques 7ième Ciel
Direction artistique / A&R : Benny, Koudjo Oni, Steve Jolin
Chargé de projet : Sam Rick


Édith Butler


Information : Simon Fauteux

Avril 2021- La légendaire Édith Butler sera de retour cet automne avec un nouvel disque réalisé par Lisa Leblanc qui en surprendra assurément plus d’un. Dans une forme resplendissante, elle offre aujourd’hui un avant-goût avec « La 20 », une ode bien sentie à la route la plus longue du Québec, forte de ses 586 kilomètres et des histoires qu’elle contient…

Mille trois cent deux nids de poule
La tank est à moitié full
Ça fait huit heures que je roule
Au secours
Faut prendre son mal en patience
On avance!

La 20 c’est comme ma sœur
J’la connais par coeur

Intronisée au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens en 2019, Édith Butler pionnière et ambassadrice incontestée de la culture acadienne et de ses traditions a fait revivre les personnages de son pays, colorés, chaleureux et remplis de cette joie de vivre propre aux Acadiens. À la fois chanteuse, musicienne et conteuse, sa signature musicale unique embrasse et amalgame ingénieusement des sonorités traditionnelles et contemporaines.

Édith Butler est officier de l’Ordre du Canada, Chevalier de l’Ordre National du Mérite de la Culture Française, Chevalier de l’ordre des Francophones d’Amérique, Chevalier de l’Ordre de la Pléiade., et chevalier des Arts et des Lettres de la République Française.

Source : Spectra musique


White Moth Black Butterfly

Information : Simon Fauteux

Montréal, mai 2021 – Après avoir lancé Atone en 2017, White Moth Black Butterfly est de retour avec The Cost Of Dreaming, le nouvel album à paraître le 28 mai via Kscope.

Ce projet pop contemporain ayant la musique progressive et la musique expérimentale à sa base a été créé par Daniel Tompkins (TesseracT) et met en vedette une équipe d'auteurs-compositeurs et de réalisateurs renommés qui sont basés à travers le monde. Keshav Dhar (Skyharbor), basé à New Delhi, collabore avec Tompkins tout comme le réalisateur et arrangeur américain Randy Slaugh (Devin Townsend, Architects & Periphery) et le batteur Mac Christensen. La formation est complétée par la voix éthérée de la chanteuse britannique Jordan Turner.

The Cost Of Dreaming signale une évolution sonore pour le groupe - conservant les éléments de base des albums précédents tels que des sections de cordes organiques et un thème expérimental reliant des interludes. Il comprend également des invités spéciaux exceptionnels, notamment le saxophoniste Kenny Fong et le claviériste du Contortionist Eric Guenther.

Auto-produit, conçu et enregistré sur trois continents dans divers studios tout au long de la dernière année, The Cost Of Dreaming a été écrit à distance. Il y a des thèmes forts tout au long de l'album comme la question de la crise de violence conjugale en cours dans « Use You » et offrir un moyen de recruter des gens pour diriger les victimes vers des agences de soutien; aux bouleversements psychologiques inattendus provoqués par des événements indépendants de notre volonté dans « Darker Days ».

Les fans pourront découvrir une série d’easter eggs cachés dans l’album, fournissant un lien entre ce projet et l’expérience des portails de TesseracT, démontrant les relations interconnectées à travers les différents projets des artistes.

Source : Kscope


Radio Radio


Over the Top : « Beyond reasonable limits / au-delà des limites du raisonnable » - Urban Dictionnary

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, avril 2021 - Le dynamique duo Radio Radio est de retour avec « Over the Top », premier extrait de son nouvel album À la carte à paraître le 12 novembre prochain. « C’est un hommage à tout ce qu'est Over the top, notre désir du succès et ce qu'on est prêts à faire pour l'atteindre. Les trucs Over the top qu'on fait pour être aimé, pour se faire entendre et se faire voir… » explique le duo.

Over the top
Moi j’aime ça cheesy
Herb and spice
C’est ma urban spice

Over the top
Moi j’aime ça cheesy
Over the over the over, over the top

Yo si tu veux des hits
Moi ej veux des hits 
Ej parle about des hits 
But chu all about des…

« Nos tunes sont comme des oignons avec plusieurs couches. Sois tu l'interprètes littéralement, ou tu plonges un peu dedans et tu découvres autre chose ». Dans la plus pure tradition radioradioesque, « Over the Top » c’est autant le party, le fun, le film des années ‘80 de Stallone, l’excès de consommation, la quête et le besoin d’amour autant que l'alchimie taoiste, la consommation dans la forme et dans le fond et ce besoin absolu d’avoir des sensations toujours de plus en plus fortes…avec tout ce que ça implique…

Plus grous
Plus bright
Plus out a sight

Plus vite
Plus cher
Plus à la carte

Plus gros
Plus petit
Plus vite aussi

Crédits
Paroles : Jacobus et Gabriel L.B. Malenfant
Prod : Real Mind


Simon Leoza


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

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Montréal, avril 2021 – Le compositeur montréalais Simon Leoza (auparavant connu sous le pseudonyme Tambour) présente son premier album Albatross, à paraître le 30 avril prochain via Rosemarie Records.

Précédé par les extraits « La Nuée », « Bloom » et « L’archange », Albatross est le premier album complet de Simon Leoza, réunissant des pièces uniques que le compositeur a accumulées et façonnées au cours des six dernières années. Comme le parcours de l’oiseau de mer qui vole sur de grandes distances, la composition et la production d’Albatross se sont étalées au gré des explorations musicales et des périples outre-mer de l’artiste.

Après deux résidences de création au Banff Centre for Arts & Creativity, Simon Leoza s’envole pour l’Islande où il entame la pré-production de l’album avec son collègue artiste Snorri Hallgrímsson. Inspiré par la grandiose nature scandinave, il passe ensuite quelque temps aux Iles Féroé, archipel subarctique situé dans l’océan Atlantique. De retour au Québec, il s’associe avec Blaise Borboën-Léonard (Queen KA, Lydia Képinski) qui coréalise l’album avec lui.

Albatross a été enregistré au Studio Makina de Montréal et ainsi qu’au Studio Le Nid à St-Adrien. Leoza a d’ailleurs profité de son escapade en campagne pour exploiter l’acoustique de l’église du village et enregistrer avec le quatuor à cordes.

L’album de 10 pièces originales passe du grandiose à l’intime, caractéristique de l’univers du compositeur. Des pièces plus délicates viennent s’entremêler aux émotions vives des pièces plus énergiques. Riche en instrumentation et en textures électroniques, Albatross est un audacieux voyage émotif, mixé de manière subtile par Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant). Si le précédent EP de l’artiste, Constellations (ou comment arrêter le temps), explorait le temps et l’astronomie, Albatross dépeint un récit de voyage personnel et authentique, d’émerveillement et de curiosité, quelque part entre le vertige du mystique et le confort du réel…

La musique de Simon Leoza, cinématographique, ambiante et émouvante, évoque autant Nils Frahm ou Max Richter, qu’Ólafur Arnalds et Philip Glass. Doté d’une polyvalence naturelle et sans aucune formation musicale, il a développé instinctivement son propre langage musical au fil des années, qu’il communique à ses collaborateurs et musicien(ne)s pour la réalisation de ses œuvres. Ces dernières années, Simon Leoza s'est également fait connaitre comme compositeur de musique à l'image, notamment pour le court-métrage Take Me To A Nice Place de Kristof Brandl, mettant en vedette Roy Dupuis et Pascale Buissières et diffusé sur les ondes de HBO Europe, ou encore pour la websérie Germain s'éteint de Dan & PAG, diffusée sur tou.tv. Avec plus de 3.5 millions d’écoutes en ligne, ses trois premiers EP ont attiré l'attention de la critique nationale et internationale, qui ont décrit ses œuvres comme mélancoliques et grandioses, mélangeant une acoustique douce et des paysages oniriques imprégnés de nostalgie.

Source : Rosemarie Records
Gérance : Sarah Labelle - sarah@simonleoza.com
Booking : Rosemarie Records - Vincent Quirion | vincent@rosemarierecords.com


Teresinha Landeiro

Information : Simon Fauteux

Montréal, avril 2021 - La chanteuse, autrice et compositrice portugaise Teresinha Landeiro est considérée comme l'une des principales représentantes de la nouvelle génération du Fado et une étoile montante du genre. Son nouvel album Agora paraitra le 30 avril via la compagnie montréalaise Justin Time.

Teresinha s'est produite pour la première fois en public le soir de ses 12 ans à la Casa de Linhares et ne s’est jamais arrêtée depuis. À partir de ce moment, elle fréquente les maisons de fado de Lisbonne en compagnie de ses parents et elle est devenue depuis une des figures de la troupe d’une des maisons de fado les plus importantes de la capitale portugaise, où elle chante encore.

« Sur Agora, je me retrouve et me dévoile dans chaque note, dans chaque mot. J’adore le Fado, celui d'hier, d'aujourd'hui et celui de l'éternité. J'essaie aussi d’y intégrer d'autres sonorités dont je suis tombée amoureuse à cause de la façon dont ils touchent mon cœur. Après tout, le Fado c’est exactement ça. Le ressentir et le faire sentir. Dans mon cœur de Fado, il y a aussi de la place pour le jazz, un rythme de samba léger et même quelques chansons ».

Accompagnée de Gaspar Varela (guitare), André Ramos (viola de Fado) et Francisco Gaspar (basse) et sous la magnifique réalisation de Pedro de Castro, Teresinha Landeiro livre avec Agora, un album émouvant qui démontre sans l’ombre d’un doute que sa réputation de nouvelle étoile du Fado est plus que méritée.

TRACK LISTING
1. Amanhã
2. O Tempo
3. Amor Não É Brincadeira
4. O Mundo
5. Batom
6. O Coração
7. Longe de Mais
8. Desculpa
9. Apenas Sombra
10. O Meu Xaile

Source : Justin Time

 


Anomalie / Chromeo


Supervisé par A-Track et mettant en vedette Mndsgn, FULL CRATE + VIKTER DUPLAIX

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel 

Montréal, avril 2021 - Après une collaboration plus que réussie en 2020 avec le EP Bend The Rules, l’artiste et réalisateur montréalais Anomalie retrouve le duo Chromeo et présentera Bend The Rules Deluxe le 7 mai prochain. Cette nouvelle version mets en vedette une gamme alléchante de réalisateurs invités dont Mndsgn, Full Crate et le légendaire Vikter Duplaix. Fidèles à leur promesse, Chromeo et Anomalie y ont également inclus les gagnants du concours de remixes organisé sur Twitch à la fin de l'année dernière, ce qui en fait la première apparition majeure pour les nouveaux venus Brain Tan et Quizzo. Bend The Rules Deluxe est la huitième sortie via la nouvelle étiquette de Chromeo, Juliet Records - en partenariat avec leur label de longue date, Last Gang Records.

« Les remixes ont joué un rôle important dans la façon dont la carrière de Chromeo a explosé au début », déclare Dave 1. « Notre musique a pu circuler et s'infiltrer dans d'autres sous-communautés au sein de la scène électronique. C'est quelque chose que nous voulons offrir à tous nos artistes sur Juliet. Nous croyons fermement au remixes en tant que forme d'art ». Le projet de remixes a été supervisé par le légendaire DJ et réalisateur A-Trak, qui est également partenaire dans Juliet. La pochette a été une fois de plus créée par Mat Maitland (Michael Jackson, Prince, Disclosure, Basement Jaxx).

Anomalie est dans une position singulière: sa base de fans est une combinaison de la nouvelle scène jazz (Snarky Puppy, Thundercat, Louis Cole), de la scène soulful beats (FKJ, Masego, Tom Misch) et de la scène électronique post dubstep (Griz, Odesza, Opiuo). Il est à la fois un virtuose du piano, un génie du clavier, un réalisateur et un auteur-compositeur talentueux qui a fait des tournées dans le monde entier et s'est produit à des festivals comme Red Rocks et Electric Forest.

Préparez-vous à contourner les règles à nouveau - cette fois, un peu différemment - avec Anomalie et Chromeo, et restez à l'affût des nouvelles qui seront annoncées ce printemps.

BEND THE RULES DELUXE TRACKLIST:
1. Bend The Rules (Mndsgn Remix)
2. Bend The Rules (Full Crate Remix)
3. Champ De Mars (Vikter Duplaix Remix)
4. Bend The Rules (Brain Tan Remix)
5. Bend The Rules (Quizzo Remix)
6. Bend The Rules (MNDSGN Instrumental Remix)
7. On My Mind
8. Bend The Rules
9. Champ De Mars

Source : Juliet Records


Code Quartet


Information : Simon Fauteux

Montréal, avril 2021 - Code Quartet est un puissant quatuor montréalais composé de Jim Doxas (batterie), Christine Jensen (saxophoniste alto et soprano), Adrian Vedady (basse) et Lex French (trompette). Genealogy, le premier album de la formation sera disponible le 23 avril via l’étiquette montréalaise Justin Time Records.

La motivation première de la formation de Code Quartet a été de s’appuyer sur la liberté d’expression mise au point par le mythique groupe d’Ornette Coleman dans les années 1950 : deux cuivres interagissant avec la basse acoustique et la batterie, donnant priorité à l'idée que chaque voix au sein du collectif reçoit un poids égal, brouillant les frontières entre les voix principales et les voix de soutien, entre les instruments de première ligne et la section rythmique. Le groupe a passé les trois dernières années à sculpter ses compositions en équipe, tout en profitant de résidences dans certains clubs montréalais ainsi qu'au Wellington Jazz Festival en Nouvelle-Zélande en juin 2019.

L’objectif principal de Code Quartet avec Genealogy est de présenter des compositions originales, orchestrées spécifiquement pour cet ensemble, ce qui pèsent lourd sur leurs réactions d’improvisation à l’écrit. Le quatuor s'appuie sur des compositeurs allant de Fletcher Henderson à Paul Bley, Charlie Haden et Ornette Coleman tntre autres. Les compositions sont inspirées des arts visuels, de la poésie, de l'environnement, de la politique et des mouvements sociaux.

Christine Jensen a accumulé de nombreux prix, dont un prix OPUS en 2020 et deux JUNO. Adrian Vedady et Jim Doxas ont prêté leur talent artistique à plusieurs grands noms du jazz tels que Carla Bley. D'origine néo-zélandaise, Lex French est devenu un incontournable de la scène jazz canadienne. Le quatuor présente des compositions originales tirées des antécédents uniques de chaque membre, illustrant de nombreuses ambiances et créant un dialogue organique. Leur palette sonore est diversifié et raffiné, ce qui se traduit par une expérience d'écoute passionnante et engageante.

CODE QUARTET
Adrian Vedady: basse
Christine Jensen: saxophone
Lex French: trompette
Jim Doxas: batterie

Source : Justin Time Records


Erin Propp & Larry Roy


Information : Simon Fauteux

Montréal, avril 2021 - Il y a des nuances dans le quotidien; dans ses couches d'amour, de joie et de douleur et dans ses courants émotionnels. Le duo basé à Winnipeg et composé de la chanteuse Erin Propp et du guitariste Larry Roy plongent dans le quotidien avec l’album We Want All the Same Things à paraître le 23 avril via Chronograph Records.

We Want All the Same Things fait suite à Courage, My Love lancé en 2012 et lauréat de l’album de jazz de l'année aux Western Canadian Music Awards (2013) en plus d’une nomination aux Juno dans la catégorie Album de jazz vocal (2014).

Erin Propp et Larry Roy ont créé avec We Want All the Same Things un paysage sonore contrastant avec le monde aujourd'hui. Les chansons sont puissantes sans être agressives, diverses sans être en conflit avec elle-même et elles offrent une vision d'un monde plus doux et plus beau. Les fans de Joni Mitchell, Rickie Lee Jones, James Taylor et Emilie-Claire Barlow y trouveront assurément leur compte.

Enregistré entre février et novembre 2020, Erin et Larry ont commencé le projet juste avant la fermeture du monde à cause de la pandémie mondiale. Dans les rares semaines où les restrictions ont été suffisamment levées pour se rencontrer en studio, le duo a passé des journées à faire de la musique entre amis. Avec des contributions faites à la fois en personne et à distance, We Want All the Same Things présente un éventail de talents exceptionnels. Le duo s’est entouré du batteur Larnell Lewis (Snarky Puppy), des saxophonistes Jimmy Greene, Ken Gold et Steve Wilson, du percussionniste Rogerio Boccato (John Patitucci), des bassistes Mike Downes, Karl Kohut et Julian Bradford, du guitariste Joey Landreth et du pianiste Will Bonness.

Neuf ans séparent We Want All the Same Things du premier album Courage, My Love. Neuf ans pendant lesquels Erin Propp et Larry Roy ont peaufiné leur art pour arriver à un résultat sublime et émouvant.

TRACKLISTING

  • Each Hidden Joy
  • Hello Morning
  • We Want All the Same Things
  • Farther On
  • Recomecar
  • The Light
  • Give Me More
  • So Far Away
  • Tell Him
  • The Nearness Of You
  • Angels Gather There
  • À la Claire fontaine

MUSICIENS

Larry Roy: guitares, dobro
Erin Propp: voix
Larnell Lewis: batterie
Will Boness: piano, Wurlitzer
Julian Bradford: basse (1-2, 4, 6-9)
Mike Downes: basse (3, 5, 10)
Karl Kohut: basse (11)
Rogerio Boccato: percussion (1, 5)
Shannon Kristjanson: flûte, alto flûte (2, 10-11)
Ken Gold: sax alto & tenor, clarinette, clarinette basse (2, 10-11)
Jimmy Greene: sax soprano (2, 8, 11)
Steve Wilson: sax alto (3)
Joey Landreth: guitare slide (4)
Joel Green: trombone (10-11)
Miron Rafajlović: trumpet (10)
Derrick Gardner: trumpet (11)

Source : Chronograph Records


Shad


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, avril 2021 - Le rappeur torontois Shad dévoile aujourd’hui une toute nouvelle chanson, « Out of Touch », une pièce enjouée teintée de R&B où l’on peut aussi entendre l’artiste aux multiples talents pHoenix Pagliacci. Cette mémorable parution marque le retour du MC et offre un avant-goût de sa nouvelle musique qu’on pourra découvrir plus tard cette année via Secret City Records. « Out of Touch est essentiellement la thèse de cette prochaine collection de chansons », explique Shad. « C’est une exploration de la façon dont notre sentiment individuel de complétude ne peut pas être extirpé de notre bien-être collectif. C’est à propos de la notion que nous sommes destinés à vivre ensemble. »

Écoutez « Out of Touch » en cliquant ici.

Lot of broken and lost souls on this planet of freaks
Supply and demand's the only commandment we preach
Each man is a brand, each night’s famine or feast
So we quote “I sell, therefore I am” in these streets 

Shad sera en prestation au City View Drive-In à Toronto le 22 mai prochain avec Skratch Bastid, Haviah Mighty et plusieurs autres, cliquez ici pour les détails.

La discographie de Shad cumule plus de 30 millions d’écoutes en continu et quatre de ses albums ont été inclus sur la courte liste du prestigieux Prix de musique Polaris, incluant sa plus récente odyssée musicale, A Short Story About A War (2018). Récipiendaire d’un Prix JUNO et encensé par la critique, l'artiste a également beaucoup d'expérience sur scène. Shad s'est aussi fait connaître à l’animation d’Hip-Hop Evolution, une série documentaire originale de Netflix, et précédemment à ‘q’, l’émission culturelle emblématique de CBC Radio. Ses plus récentes parutions ont été couvertes par des médias tels que Rolling Stone, Complex, The Ringer, Fader et NPR, entre autres. On a pu entendre sa musique dans Snowpiercer, The Murders, TallBoyz et plusieurs autres séries.

Source : Secret City Records


Randall Spear


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

EN SPECTACLE VIRTUEL

8 mai – Québec - L’Anti

Randall Spear – Voix, Guitare
André Lavergne - Guitares
Martin Bolduc - Basse
Stéphane Beaudin - Batterie

Montréal, avril 2021 – L’auteur-compositeur montréalais Randall Spear, maintenant basé à Québec, fera paraître le 7 mai la réédition de son album Strange Birds, originalement lancé en juin 2020 mais victime collatérale d’une certaine pandémie mondiale…

Entouré de musiciens exceptionnels, ce raconteur du quotidien et mélodiste aguerri, Spear offre un album émouvant à souhait. Réalisé de main de maitre par André Lavergne (Dans l’Shed), Strange Birds enchantera les fans de Tom Petty, George Harrison et Neil Young (de qui il reprend d’ailleurs le classique Old Man).

« Qui sont ces étranges oiseaux qui volent autour de nos vies? Ils volent et deviennent une partie du ciel. Ce sont des doutes, des peurs, des rêves, des pensées du passé. Mais pourquoi reviennent-ils? Ils disent que les oiseaux sont les ancêtres des dinosaures, les géants éteints. Comment se fait-il qu'ils soient toujours là... comme des fantômes qui nous regardent ?

J'ai écrit ces chansons en réalisant que je vis toujours dans ces deux mondes. Un monde tournoyant dans le présent, me gardant en mouvement; et un autre monde me ralentit, me faisant penser à quel point tout semble déroutant. Un monde rempli de beauté, d'amour, d'amitié, de travail et d'étranges oiseaux…très étranges » - Randall Spear

Né à Montréal en 1968, les racines traditionnelles irlandaises de Randall Spear (via son grand-père) combinées à l'influence de son beau-frère Bob Beauchamp - qui était DJ à CHOM dans les années 1970 et avait une énorme collection de disques - a formé son amour pour la musique. Il a étudié la guitare classique et la composition au Conservatoire de musique de Québec avant de remporter un concours d'écriture de chansons à l'Université Laval. Il s'est produit partout au Canada, allant des festivals folk acadiens de Havre-St-Pierre aux bars du centre-ville de Toronto, et a partagé la scène avec certains des meilleurs musiciens du Canada.

STRANGE BIRDS
Voix, guitare acoustique -
Randall Spear
Basse - Martin Bolduc & Louis Solomon Germain
Guitares - André Lavergne
Batterie - Stéphane Beaudin
Choeurs - Mélodie Spear, Lily Thibodeau & Jordane Labrie
Réalisateur / Arrangeur - André Lavergne
Arrangements additionnels - Randall Spear
Direction artistique - Richard Samson, Randall Spear & Clément Desjardins
Graphisme / Photos - Films Fovéa

Source : Vega musique


EMAN - GENERICTM


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, avril 2021 – Le duo composé d’Eman et GENERICTM présente le EP JEFFERSON CHIEF, disponible sur toutes les plateformes dès maintenant!

Un album bref de musique lente pour véhicule en mouvement. Diaporama d'un quartier autrefois appelé St-Roch Nord narré par un gars d’la haute. La légende de Jefferson Chief se propage entre les breaks de l'usine Anglo Pulp et les clochers de l'Église St-Charles.

JEFFERSON CHIEF nous plonge dans un univers particulier : sur des sons aux ambiances cinématographiques produits par GENERICTM, Eman y pose des textes authentiques et tranchants. Le EP est accompagné d’une série de cinq vidéoclips afin d’offrir à ce récit percutant une facture visuelle digne des films de répertoire. Court-métrage musical en l'honneur d'un cheval québécois.

Biographie Eman :
Évoluant au sein du rap québécois depuis plusieurs années, Eman se fait connaître notamment via le célèbre duo Accrophone, aux côtés de Claude Bégin. Le flow d’Eman fait rapidement sa place, et le rappeur se joint à cinq comparses afin de créer Alaclair Ensemble, parcourant les routes du Québec et de l’Europe et récoltant tous les honneurs depuis sa création. En 2014, il lance un projet duo avec son complice et beatmaker d’Alaclair Ensemble, Vlooper. Le duo Eman X Vlooper fait paraitre son premier album XXL qui récolte les honneurs: Album Hip-Hop de l’année à l’ADISQ, Album Rap de l’année aux GAMIQ et Prix Musique Urbaine au gala de la SOCAN 2015. En 2017, leur 2e projet LA JOIE est également acclamé par la critique et se mérite le prix d’Album Rap de l’année aux GAMIQ 2018.

En mars 2019, Eman lance Maison, un EP surprise de six chansons sur lequel il se présente en solo, assumant la totalité des paroles et de la musique, supporté par Claude Bégin aux arrangements. Avec Maison, Eman est nommé aux GAMIQ 2019 et est lauréat dans la catégorie « EP Rap/Hip hop de l’année ».

Le 26 juin 2020, il fait paraitre son premier album solo 1036. En plus de la composition des textes, le rappeur assure la production musicale de pratiquement toutes les pistes. Passant du rap old school à la soul, au RnB et au rap actuel, il offre un album qui représente, de par son caractère éclectique, ses diverses inspirations et son savoir-faire.

Le 22 janvier dernier, avec formation Accrophone, Eman surprend ses fans avec la sortie d’un nouveau single « On cherche plus on trouve » accompagné d’un vidéoclip rassemblant diverses images d’archives des deux acolytes de longue date.

Biographie GENERICTM :
Originaire de Québec, GENERICTM commence à se familiariser avec le DJing et la production à l’adolescence. Avec son ami de longue date Boogat, il collaborera avec groupe Andromaïck, pionnier du hip-hop québécois. Un déménagement à Montréal pour les études et une envie d’explorer d’autres styles musicaux l’inspirent à poursuivre son parcours dans la scène Drum & Bass locale et internationale. En 2020, il marque son retour dans le rap en signant trois morceaux sur CLUB Mixtape de KNLO (ONLA51418LOUVE).

Source : Disques 7ième Ciel


Éric Goulet


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, avril 2021 – Auteur-compositeur aussi prolifique qu’exceptionnel, Éric Goulet fera paraitre Goulet, un tout nouvel album portant fièrement son nom le 30 avril via L-A be.

Continuant son aventure Country-Folk-Americana qui a débuté en 2011 avec Country Vol.1, il propose avec Goulet un album rempli de chansons touchantes, aux histoires universelles mettant en valeur sa grande versatilité.

Inspirées autant de ses racines rock que du country pur, les chansons sont à la fois énergiques (« Ma tête est mise à prix », « J’attends l’orage », « L’homme de Maniwaki »), émouvantes (« Six heure ») ou encore intimistes (« La ville aux mille clochers » ) avec des textes d’une poésie déroutante. Éric Goulet offre un merveilleux voyage musical qui s’écoute comme on dévore la route, et qui se termine de manière on ne peut plus parfaite avec une relecture du classique de Willie Lamothe « Aux accords des guitares ». Entouré entre autres de de Rick Haworth (guitare, dobro, banjo, pedal steel, lap steel, harmonica), Vincent Carré (batterie) et Mark Hébert (basse), Éric Goulet offre également deux duos mettant en vedette Sara Dufour (« En dessous du pont ») et Cindy Bédard (« Au temps des adieux »).

Écoutez l'extrait « Ma tête est mise à prix »

Éric Goulet cumule une impressionnante feuille de route dans l’industrie musicale. Agile auteur, compositeur et interprète, il manie avec grande finesse un parcours d’artiste solo, de projets de groupe et de réalisateur d’album, frayant autant avec la musique alternative, le rock, le folk et le country.  À la tête de Possession Simple, il a marqué un tournant dans l’émergence de la musique alternative sur le territoire québécois. Le trio Les Chiens s’est inscrit fortement dans le rock. Monsieur Mono a, quant à lui, fait fondre de nombreux cœurs, dans la douceur de ses mélodies et ses paroles senties.

Comme réalisateur, il a orchestré de nombreux albums qui se sont rapidement et fortement inscrits dans l’imaginaire collectif, en collaborant avec Vincent Vallière, Michel Rivard, Renée Martel ou encore Patrick Normand, pour ne nommer que ceux-là. Artiste prolifique, il a collaboré à plus d’une soixantaine d’albums au cours de sa carrière. Goulet, son plus récent projet, est le troisième opus consacré au country folk.

GOULET
Quand viendra mon heure
Ma tête est mise à prix
En dessous du pont (avec Sara Dufour)
L’homme de Maniwaki
Chauffeur de van
Au temps des adieux (avec Cindy Bédard)
Belle femme
La ville aux mille clochers
J’attends l’orage
On est là
Six heure
Aux accords des guitares

Source : L-A be


Barry Paquin Roberge

Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, avril 2021 - Joignez-vous à Barry Paquin Roberge le jeudi 15 avril pour l’évènement « An Evening of Extasy » – Un concert virtuel dévoué au ravissement qui vous mènera jusqu'au coeur de leur dernier album Exordium to Extasy.

Réservez votre billet pour recevoir un lien de visionnement

Avec l'apport précieux du cinéaste et maître spirituel 'Vizion', BPR vous propose 25 minutes d’extase musicale pour chasser votre mélancolie et enfin vous permettre d’atteindre votre plein potentiel!

Vous ne voudrez pas manquer cet événement cinématographique, joué live par le monstre à six têtes du disco montréalais : Barry Paquin Roberge!

Réalisation : Ariel Poupart
Décors : Pestacle
Costumes : Les Deuxluxes

« WOW! Exordium to Extasy est en tout point ce dont nous avions besoin en ce moment » - PAN M360

« Exordium to Extasy est un album réussi qui donne envie de faire la fête... »  - Le Canal Auditif

« Il y a un groove hallucinant sur ce disque-là…Un album extraordinaire! » - J-F Coté / Radio-Canada Saguenay

« Il ne se fait vraiment pas plus fruité que Barry Paquin Roberge; c’est vraiment dégoulinant de jus funky, de chair disco et de pelures psychédéliques »
- Marc-André Mongrain - ICI Première, On dira ce qu’on voudra

★★★★ 1/2 - ARP Média

Outre ses membres fondateurs – Étienne Barry (Les Deuxluxes), Sébastien Paquin (Buddy McNeil & the Magic Mirrors) et Alexis Roberge (BM&tMM) –, Barry Paquin Roberge compte maintenant dans ses rangs les talents de Jonathan Lafrance (Muscadettes), Jocelyn Gagné (Les Breastfeeders) et, bien sûr, de l’incomparable Anna Frances Meyer (Les Deuxluxes).

Sur Exordium to Extasy, Barry Paquin Roberge revient avec la palette néo-disco qui a fait sa renommée à l’international (Iceland Airwaves, SIM Sao Paolo, Fluvial au Chili, Reeperbahn à Hambourg, Havana World Music Festival de Cuba). Ramenant un véritable sens de la communauté et un plaisir contagieux à la création pop, BPR propose une succession ininterrompue de joyaux dansants où les guitares pétillent, les synthétiseurs affluent et les flûtes reluisent. Soutenues par une basse et une batterie pulsant avec précision des rythmes entrainants, les voix masculines et féminines s’entremêlent et s’éclatent pour guider le groupe vers des territoires toujours plus suaves et délirants.

Le disco n’est pas mort et pour Barry Paquin Roberge, c’est une fête luxuriante et bien de son temps dont on ne veut jamais voir la fin.

Source : Costume Records


Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens

Information : Simon Fauteux

Montréal, avril 2021Le Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens est fier d’annoncer l’intronisation de Francine Raymond et Christian Péloquin. L’heureux évènement aura lieu le dimanche 11 avril pendant le grand variété de Star Académie qui sera diffusé sur les ondes de TVA.

« C’est un honneur et une réelle fierté d’introniser deux artistes de la stature de Francine Raymond et Christian Péloquin. Leur talent et l’ensemble de l’œuvre exceptionnelle qu’ils ont créé ensemble mérite d’être honoré ! » déclare la directrice générale du Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens Vanessa Thomas.

Avec une voix singulière empreinte d’authenticité et un sens absolu de la mélodie, l’auteure-compositrice et interprète Francine Raymond a triomphé sur les ondes radiophoniques québécoises et occupé les plus hautes places des palmarès au cours des trente-cinq dernières années : pas moins de huit numéros un consécutifs, 18 Prix SOCAN, 14 nominations au gala de l’ADISQ, le Félix de l’auteure-compositrice-interprète de l’année et un Octave d’or de la Francophonie internationale attribué par RFI pour sa chanson « Y’a les mots ».

Sa discographie regroupe 5 albums élogieusement salués par la critique. Forte d’une grande expérience de la scène, Francine Raymond s’est livrée telle qu’elle est, à l’aise dans la fougue et la douceur, autant connectée avec ses musiciens qu’avec son public. Ses chansons concoctées entre 1986 et 1996 en compagnie de son guitariste Christian Péloquin ont toujours donné priorité aux racines folk et rock avec des balades couchées sur progressions harmoniques d’une grande maîtrise, des ponts qui décollent et des refrains qui nous habitent pour la vie. « Vivre avec celui qu’on aime », « Y’a les mots », « Tous les bateaux font des vagues », « Pense à moi », « Souvenirs retrouvés », « Pour l’amour qu’il nous reste », « Pour te revoir » ou « Magie noire et blanche », « Les Années Lumières » ses chansons à succès ont marqué l’imaginaire collectif.

Musicien autodidacte actif depuis 1971, Christian Péloquin est aussi réalisateur, arrangeur, chef d’orchestre, directeur musical, compositeur et interprète. Il maîtrise plusieurs instruments: guitares, guitare Dobro, mandoline, banjo, piano, orgue Hammond, Wurlitzer, Fender Rhodes, batterie et basse. Il est le partenaire de création des plus grands succès de Francine Raymond, la collaboration entre les deux complices est remarquable.

« En 1977, je faisais la rencontre de Christian et de son frère Michel. Ils étaient venus à l’un de mes concerts pour me proposer d’aller visiter leur studio situé à Longueuil et d’y enregistrer avec eux les démos de mes chansons. Une fois ma série d’engagements à la télé terminée, j’obtins alors de justesse, mon permis de conduire et une première voiture d’occasion afin d’entreprendre mon voyage vers le destin. Une riche aventure musicale qui nous amena très vite vers des collaborations élargies, dans le partage, qui au fil de toutes ces années, nous ont mutuellement transformés à force de se dépasser. Ce fut indéniablement le tremplin pour toute une vie. Une fusion instantanée et éternelle à fois. Merci pour tout mes frères » - Francine Raymond

« Nous avons toujours composé de façon instinctive, Francine et moi. J’ai toujours mis mes influences musicales rock et pop à contribution dans nos chansons. Une mélodie en inspire souvent une autre. En studio, nous pouvions être trente minutes sans se parler, occupés dans notre univers à trouver des airs et des refrains. Nous travaillons beaucoup les mélodies, souvent tirées d’ébauches sonores que j’avais au préalable enregistré sur cassette » - Christian Péloquin

Sur quatre des cinq albums de la chanteuse, Péloquin, un mélodiste très prisé dans l’industrie, appose sa griffe du sceau indélébile de l’excellence. Le premier, simplement appelé Francine Raymond (1987), nous a donné la chanson Vivre avec celui qu’on aime (paroles Luc Plamondon) qui est consacré Classique SOCAN. Le second, Souvenirs retrouvés (1989) et ses succès Pour l’amour qu’il nous reste, Droit devant et Souvenirs retrouvés, place le tandem parmi les grands auteurs de chanson de la Francophonie. Les Années Lumières (1993) dévoile cinq trésors, Y’a les mots, Pense à moi, À tous ceux qui s’aiment, Pour te revoir et Les années Lumières, cinq succès consécutifs à atteindre la première place à la radio. Dualité (1996) nous a entre autres offert Tous les bateaux font des vagues, Magie noire et blanche et Apprivoise.

L’ensemble du répertoire des cinq albums de Francine Raymond est disponible sur les plates-formes numériques d’ici et de la francophonie. Les titres présents sur ces albums sont acclamés par la presse et sont pour la plupart mis en nomination ou récompensés au Gala de l'ADISQ. Le Conseil de la chanson francophone, Radio-France International (RFI) et Radio Canada soulignent la longévité de ces succès sur les palmarès.

Source : Panthéon des auteurs-compositeurs canadiens


Simon Leoza


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montreal, April 2021 – Montreal composer Simon Leoza (formerly known as Tambour) will release his debut album Albatross on April 30 via Rosemarie Records.

Following the singles "La nuée", "Bloom" and "L’archange", Albatross is Simon Leoza's first full-length album, bringing together unique pieces that the composer has accumulated and shaped over the past six years. Like the path of the seabird that flies great distances, the composition and production of Albatross spanned several years of musical exploration and overseas journeys.

After two creative residencies at the Banff Centre for Arts & Creativity, Simon Leoza flies to Iceland where he begins pre-production of the album with fellow artist Snorri Hallgrímsson. Inspired by the awe-inspiring Scandinavian nature, he then spent some time in the Faroe Islands, a subarctic archipelago located in the Atlantic Ocean. Back in Quebec, he teamed up with Blaise Borboën-Léonard (Queen KA, Lydia Képinski) who co-produced the album with him. Albatross was recorded at Montreal’s Studio Makina and at Studio Le Nid in St-Adrien. Leoza took advantage of his countryside trip to use the acoustics of the village church and record with the string quartet.

The album’s 10 original pieces go from the grandiose to the intimate, characteristic of the composer's universe. More delicate pieces intermingle with the lively emotions of more energetic pieces. Rich in instrumentation and electronic textures, Albatross is a daring emotional journey, subtly mixed by Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant). If the artist's previous EP Constellations (ou comment arrêter le temps) explored time and astronomy, Albatross portrays a personal and authentic travel account of wonder and curiosity, somewhere between the vertigo of the mystic and the comfort of reality...

Simon Leoza’s music, cinematographic, ambient and moving, evokes as much Nils Frahm or Max Richter, as Ólafur Arnalds and Philip Glass. Endowed with a natural versatility and without any musical training, he has instinctively developed his own musical language over the years, which he communicates to his collaborators and musicians for the realization of his works. Over the last few years, Simon Leoza has also become known as a screen composer, notably for the short film “Take Me To A Nice Place” by Kristof Brandl, starring Roy Dupuis and Pascale Buissières, broadcasted on HBO Europe, or for the webseries Germain s'éteint from Dan & PAG that aired on tou.tv. With over 3.5 million streams online, his first three EPs captured the attention of national and international critics, who described his works as melancholic and grandiose, blending mellow acoustics and dreamlike landscapes steeped in nostalgia.

Source : Rosemarie Records
Gérance : Sarah Labelle - sarah@simonleoza.com
Booking : Rosemarie Records - Vincent Quirion | vincent@rosemarierecords.com


Alex Henry Foster


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, avril 2021 – L’auteur-compositeur et multi-instrumentiste Alex Henry Foster fera paraitre son nouvel album Standing Under Bright Lights - Live Festival International de Jazz de Montréal le 16 avril.

Standing Under Bright Lights, a été enregistré en juillet 2019 lors d’un spectacle à guichets fermés au Club Soda lors du Festival International de Jazz de Montréal, six mois après la sortie du premier album solo Windows in the Sky. Le concert se voulait un événement unique, un hommage au défunt père de Foster décédé cinq ans auparavant, presque jour pour jour. Alex Henry Foster a joué l’intégral de l'album Windows in the Sky accompagné d'un groupe de 11 musiciens jouant en même temps que la projection d’un film réalisé par Foster.

Le réputé éclairagiste Pascal Boily a créé, basé sur la vision de Foster, une installation scénique unique, offrant un univers immersif où la musique, les projections et la lumière coexistaient. Alex voulait que le public soit plongé dans le moment plutôt que d'avoir la sensation d'assister à un concert. La formidable implication émotionnelle de ce concert a pris une proportion tellement exaltante pour Foster qu'elle l'a amené à reconsidérer sa position concernant son appréhension que les chansons perdent leur sens émotif et leur nature intime si elles étaient jouées trop souvent : « Ma vision de préserver l’intégrité des chansons d'être jouées encore et encore était la tentative ultime d’un fils de garder en vie une partie de son père. Mais ce soir-là, j'ai réalisé que c'est une fois communié que chaque mot et chaque son a la capacité de grandir au-delà des émotions avec lesquelles ils ont été créés, les rendant en quelque sorte éternels... Mon père aussi. Par conséquent, le seul souci qui me reste maintenant est de savoir à quel point je suis prêt à affronter la peur de me retrouver seul soir après soir quand je le laisse aller, quand je n'ai plus de raisons de ne pas assumer qui je suis maintenant, me tenir sous des lumières vives, quoi que cela puisse révéler à moi-même et aux autres ».

Standing Under Bright Lights devait à l’origine sortir le 8 octobre 2020, date de naissance du père d’Alex. Foster a décidé d'utiliser le temps que la pandémie mondiale lui donnait pour produire Standing Under Bright Lights, mettant de l'avant la chanson inédite « The Son of Hannah » avec Ben Lemelin, son partenaire créatif de longue date et coproducteur de Windows in the Sky. Il a également décidé de travailler sur le film du concert et sur un livre à venir intitulé « If Only the Voices In My Head Couldn’t Lie » qui sortira au printemps 2021.

Le succès critique et populaire de l’album Windows in the Sky a propulsé Alex Henry Foster à l'avant-garde de la musique canadienne. Il fut pendant près d’une décennie le chanteur principal du groupe rock alternatif Your Favorite Enemies avant de faire une pause et partir pour Tanger pour pleurer son père décédé. Cette période de deuil, qui durera 2 ans, est devenue un voyage jusqu'au bout de son désespoir douloureux et c'est ce qui a finalement inspiré et donné vie à son premier disque solo.

TRACKLISTING
The Son of Hannah
The Pain That Bonds
Winter Is Coming In
Shadows of Our Evening Tides
The Hunter (By the Seaside Window)
Snowflakes in July
Summertime Departures
Lavender Sky
The Love That Moves (The End is Beginning)

Source : Hopeful Tragedy Records


Joyce DiDonato et Yannick Nézet-Séguin


Information : Simon Fauteux

Montréal, avril 2021 - Joyce DiDonato et Yannick Nézet-Séguin s'associent pour présenter le Winterreise de Schubert, l'un des plus brillants cycles de chansons jamais écrits. DiDonato y jette un éclairage différent sur ce cycle mythique de 24 chansons en racontant leur histoire du point de vue de la femme, l'amour perdu.

Joyce DiDonato a enregistré le cycle de chansons au Carnegie Hall de New York en décembre 2019 avec Yannick Nézet-Séguin, qui, dans son rôle habituel de chef d'orchestre, est directeur musical du Metropolitan Opera de New York et du Philadelphia Orchestra, et directeur artistique de l'Orchestre Métropolitain de Montréal. Les collaborations musicales nécessitent une base de confiance, explique DiDonato, et elle le trouve facilement avec Nézet-Séguin, qui favorise « un espace pour créer… je n’imagine pas de meilleur partenaire que lui pour cela ».

Traditionnellement, Winterreise a été l'apanage des ténors ou des barytons, mais certaines grandes chanteuses des générations précédentes y ont marqué leur empreinte: Lotte Lehmann, Elena Gerhardt, Christa Ludwig et Brigitte Fassbaender. Joyce DiDonato rejoint cette compagnie distinguée en adoptant une approche caractéristique du cycle. Comme elle le dit, « Peut-être un élément d'un vrai chef-d'œuvre, est qu'il s'invite à être vécu sous un nouveau jour ».

Le New York Times a résumé le concept derrière l'interprétation: « Non contente de simplement chanter Winterreise en mezzo-soprano, Mme DiDonato a cherché quelque chose de différent dans la version qu'elle a apportée au Carnegie Hall dimanche, avec Yannick Nézet-Séguin troquant sa baguette de chef d'orchestre pour un siège au piano. Leur Winterreise repose sur un changement de perspective. On sait peu de choses sur le protagoniste du cycle, à part ce chagrin qui l’a envoyé dans une amère marche vers le désespoir et peut-être la mort. Encore moins est révélé sur la femme qu'il aime - pourtant son histoire est celle que Mme DiDonato veut raconter ».

Source : Erato / Warner Classics


Rob Lutes


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

EN SPECTACLE
28/03 - Festival de la voix (spectacle virtuel)
10/04 - St-Hyacinthe - Le Zaricot

Montréal, avril 2021 - Come Around, le 8e album solo de l’auteur-compositeur-interprète montréalais Rob Lutes paraitra le 16 avril prochain. Enregistré à l'automne 2020, Come Around fait suite à Walk in the Dark (2017) pour lequel il a été primé au Canadian Folk Music Awards dans la catégorie « Contemporary Singer of the Year ». Coréalisé par Lutes et son collaborateur de longue date Rob MacDonald, Come Around comprend 11 chansons originales en plus d’une superbe relecture du classique « In My Time of Dyin’ ».

Mettant en vedette la voix incomparable de Rob Lutes et sa technique guitaristique unique, Come Around est un parfait amalgame de blues, d’Americana, de folk et de pop qui trace un chemin à travers l'état actuel de la dislocation humaine avec sagesse et humour.

Sur la pièce « Knives », il voit les extrêmes de l'amour et de la perte contre les réalités de la domesticité; dans « Lightning », des éclairs douloureux de reconnaissance fournissent, ultimement, une vision d'espoir. Magnifique et touchante pièce-phare de l’album, « That Bird Has My Wings » est une chanson inspirée du livre du même titre de l'écrivain bouddhiste et condamné à mort Jarvis Jay Masters. Lutes y raconte l'espoir de la liberté dans l'imagination et le monde naturel. Toujours excellent raconteur, Rob Lutes écrit avec émotion sur certains lieux marquants de sa vie, évoquant les joies de la jeunesse et le confort de la mémoire dans « Shediac Bridge », « Fisherman's Rest » et « Amsterdam ».

Mixé par le renommé ingénieur Rob Heaney (Patrick Watson, Emilie-Claire Barlow), Come Around met en vedette certains des meilleurs musiciens Folk / Roots de la scène canadienne, dont le polyvalent guitariste Rob MacDonald, le célèbre claviériste Bob Stagg et le bassiste Solon McDade.

Enregistré dans six studios différents en raison des restrictions liées à la COVID-19, Come Around représente la vision de Rob Lutes pour la liberté et des joies qui proviennent de luttes, grandes et petites. « Nous avons dû faire des ajustements dans la façon dont nous avons réalisé cet album. Nous ne pouvions pas être ensemble » dit Lutes. « Mais à travers le pays, nous avons trouvé une d'énergie à travers ces chansons. C'est comme si nous étions dans la pièce. Nous pouvons partager tant de choses grâce à un effort et à un soutien commun. C'est comme ça que cet album a été fait et ça me donne de l'espoir ».

Musiciens :
Rob Lutes: Voix, guitare acoustique
Rob MacDonald : Guitares acoustique et électrique, Dobro, Mandoline
Solon McDade : Basse
Mario Telaro: Batterie, percussions
Bob Stagg: Piano, Wurlitzer, Orgue
Annabelle Chvostek : Choeurs
Kim Richardson: Choeurs

Source : Lucky Bear Records


Delgres


Information : Simon Fauteux / Patricia Clavel

Montréal, mars 2021 - Le trio français Delgres, qui allie l'héritage guadeloupéen au créole et au blues de la Nouvelle-Orléans, fera paraitre son nouvel album 4:00AM, le 9 avril, trois ans après la sortie de Mo Jodi, un premier album encensé par la critique.

4:00 AM. Quatre heures du matin, l’heure de réveil de bien des ouvriers. L’heure des braves.

Tirant son nom de Louis Delgrès, acteur majeur de la lutte contre l'esclavage dans les Caraïbes françaises, Delgres s'est formé en 2016 lorsque le chanteur, compositeur et guitariste Pascal Danaë a rencontré le batteur Baptiste Brondy et le soubassophone Rafgee. 4:00AM est insufflé de thèmes chers au trio : le départ, l’exil, le déracinement, l’esclavage moderne qui en a remplacé un autre. Une fois encore, le créole des mots se fait manifeste, tandis que le son des guitares, le rythme des batteries et les souffles du sousaphone se muent en caisses de résonance des douleurs, des espoirs comme des désespoirs.

À plus d’un titre, le nouvel extrait « 4 Ed Maten » donne le ton de ce nouvel album, au-delà de lui inspirer son titre. Il énonce en effet une volonté de Pascal Danaë de développer des thématiques très personnelles, pour ne pas dire autobiographiques : les difficultés d’un père découvrant un nouvel univers si éloigné du sien, la douleur d’une mère confrontée à la disparition d’un enfant (le grand frère de Pascal disparu dans un accident de voiture) sur « Ké aw », l’incompréhension d’une sœur confrontée au racisme du haut de ses dix ans sur « Sé mo la », la séparation d’une famille suite au départ du père pour la métropole « Aléas ».

D’aucuns pourraient s’étonner que Pascal Danae ait eu à ce point besoin de s’exposer si délibérément, de replonger ainsi dans son passé et celui de sa famille. Lui y voit un cheminement presque naturel. « Je fais un peu ma propre thérapie avec tout ça » admet-il dans un rire. « Même si ce n’était pas aussi poussé en effet, c’était déjà présent sur le premier album. Reconnecter avec Louis Delgres, héros oublié et sacrifié au nom du combat pour la liberté et contre l’esclavage, retrouver une forme de dignité en tant qu’Antillais qui a eu trop souvent le sentiment d’être un peu comme un émigré invisible, ça tenait déjà de la même démarche. C’est cette démarche qui est poursuivie ici, dans la continuité mais en prenant des routes et des formes différentes. Mais toujours sur les bases et les principes qui ont fondé le groupe, à savoir d’évoquer les choses de manière apaisée, d’accepter d’en tirer quelque chose de positif et ensemble ».

« Toujours rester dans le ressenti et l’instinctif fort, voilà ce qui continue à nous guider tous les trois, assène Pascal. Cela nous évite aussi de trop nous poser de questions… » Une façon comme une autre de contourner cette fameuse « pression du second album » que tout le monde se plaît ramener à un cliché éculé mais que personne ne perd jamais complètement de vue non plus.

Chez Delgres, on parle plus volontiers de pression artistique que l’on se serait… infligé soi-même que d’une pression de résultat, y compris au moment de « frotter » ses ambitions nouvelles à leur mise en son. « Sur ce deuxième album, l’idée a très vite été de chercher à confronter l’aspect organique de notre musique avec l’outil qu’est le studio, de davantage jouer avec lui, consent volontiers Pascal. On pourrait presque parler d’utiliser ce studio de manière à en faire un quatrième membre du groupe, toutes proportions gardées. Indirectement et peut-être un peu inconsciemment, c’était une façon de nous mettre en danger, de ne pas nous retrouver dans une espèce d’enfermement ou de formule. D’où probablement un son moins âpre, plus arrondi à l’arrivée sur cet album ».

Plus en phase avec la mélancolie qui prend volontiers ses aises au fil des douze titres de 4:00 AM ? La réponse est dans la question…

Sur un de ses anciens logos, Delgres rappelait deux dates-clés pour lui et ce qui le muait : Guadeloupe 1802, Louisiane 1841. Il pourrait aisément en ajouter deux autres aujourd’hui : Le Havre 1958, Paris 2021.

Source : Le Label / [PIAS]